100 migliori film giapponesi di tutti i tempi

Prima di tutto, vorrei dedicare un po 'di tempo alle menzioni d'onore e ai quasi incidenti: le laboriose nuvole galleggianti di Miko Naruse, quando una donna sale le scale, il desiderio e il più perdonabile suono della montagna non ce l'hanno fatta. Ho provato a lasciare un sacco di tempo per riscaldarmi con il suo lavoro, ma continuamente non mi interessa, triste a dirsi. Tampopo, Castle of Sand, The Man Behind the Sun, Angel's Egg, Belladonna of Sadness e The Taste of Tea purtroppo non si adattavano al mio pallet cinematografico. Per interrompere la marea su un'abbondanza eccessiva di Akira Kurosawa e Yasujiro Ozu non ho incluso il loro superbo Stray Dog, Scandal o Kagemusha; né il dimostrabilmente prolifico Ozu's I was Born But & hellip ;, Early Summer, Late Autumn, The Only Son, The End of Summer, The Flavor of Green Tea over Rice e A Hen in the Wind rispettivamente.

Tieni presente che questo elenco è per i film migliori: quindi nessuno di questi film è riuscito a portarlo al numero 100 a prescindere. Volevo solo riconoscere la loro qualità in mezzo a tante altre gemme. Così sono assenti anche i solidi ma alla fine insoddisfacenti Pigs & Battleships di Shohei Imamura, The Pornographers e A Man Vanishes, insieme al bellissimo Coup D'état e Wuthering Heights di Yoshishige Yoshida, l'umile Conflagration di Kon Ichikawa, The Heart and Ten Black Women e Hirokazu Koreeda. toccando After Life, Like Father Like Son and Nobody Knows & hellip; tutto ciò mi ha reso entusiasta di cercare After the Storm quando tutto questo sarà finito. Infine, vorrei soffermarmi un momento per parlare del lavoro di Sion Sono: nonostante la perseveranza frustrata e la disperata speranza, non posso dire che un suo singolo pezzo che ho provato è valsa la pena. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance e il povero Love Exposure sono tutti stupidi, non ultimo il secondo - che è stato il film peggiore che ho visto in questo viaggio attraverso il cinema giapponese. Insopportabile.

Detto questo: iniziamo. Ecco l'elenco dei migliori film giapponesi mai realizzati.

100. Gate of Hell (1953)

Un'impresa d'epoca lussuosamente attrezzata, il fascino di Gate of Hell sta nella sua splendida gamma di design. Diretto da Teinsuke Kinugasa, famoso soprattutto per il suo punto di riferimento del 1926 Una pagina di follia , è una storia strettamente ferita che richiede circa due tentativi per apprezzare appieno, specialmente per le recensioni occidentali che non hanno familiarità con il codice legato all'onore del Giappone feudale, ma premia con una svolta riccamente elaborata e accenni sinistri alla minaccia soprannaturale a cui allude il titolo.

99. Lupo solitario e serie Cub (1972… 74)

Uno strano contendente per il re dei franchise di fumetti, Lupo solitario e cucciolo rintraccia un boia esiliato e il suo giovane figlio attraverso una serie di sette parti di film che compongono questo posto nell'elenco. Parte III: Baby carrello per l'Ade e Parte VI: White Heaven in Hell sono i più forti nella mia mente, sebbene ciascuno sia degno di un orologio e appena disponibile dalla Criterion Collection a partire da quest'anno. È una selezione di pezzi di personaggi caldi con azione e umorismo allettanti per eclissare qualsiasi formalità nella narrazione, tutti meritevoli di un orologio e più che degni di forgiare il proprio spazio qui.

98. Ichi the Killer (2001)

Oltraggioso oltre scandaloso, l'impavido turbinio di stile di Miike mina qualsiasi esigenza di sostanza, centralizzando l'attenzione sulla depravazione e l'eccesso sin dall'inizio e mantenendo la sua promessa di dolore e spargimento di sangue in una misura in cui pochi film sul lato legale della linea possono persino comprendere. È un divertimento gloriosamente goffo con un tocco di oscurità così estrema che devi prenderlo sul serio. Non posso fare a meno di rispettare Ichi the Killer per essere così a suo agio nella sua stessa assurdità - e mentre il personaggio titolare si rivela un cliché, Miike trova abbastanza slancio nelle prime fasi per arrivare alla fine con me confuso, perplesso e completamente affascinato dall'esperienza ogni volta.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, l'uomo dietro l'antologia del crimine Battaglie senza onore né umanità , è un artista che qui esprime una qualità pervasiva così meravigliosa nel più ampio cinema giapponese: non aver paura di abbracciare il cinema di genere. Battaglia reale è concepito singolarmente come una commedia satirica uber-stupida e mentre colpisce i segni umanistici lungo la strada, i fiumi di splatter e l'impeccabile tempismo comico che Fukasaku attribuisce anche alle situazioni più morbose rendono il film un'esplosione assoluta. Il turno di Takeshi Kitano è particolarmente degno di nota, eliminando ogni nozione di rispettabilità per un assalto a tutto campo all'arguzia e al gusto. Battaglia reale è disordinato, questo è vero, ma il modo in cui si riorganizza così instancabilmente più e più volte per l'ennesimo attacco allo scettico è glorioso. Senza esitazione, Fukasaku comprende l'arma spuntata che tiene tra le mani e la fa oscillare a tutta forza. Il fatto che fosse il suo ultimo film conferisce una certa dignità agli sforzi dell'uomo: una missione suicida che colpisce un osso strano, dovresti essere in coma per non sentirti pizzicare almeno una o due volte durante tutto il corso. Intrattenimento essenziale.

96. Godzilla (1954)

Un classico film di mostri per rivaleggiare con artisti del calibro di King Kong e di qualsiasi altro straordinario programma originale della Universal, almeno in scala. Godzilla non ha l'umanità e l'arguzia di The Invisible Man o il feroce desiderio di The Creature from the Black Lagoon, ma è divertente. Guardare un omone in un completo mortalmente difficile attraversare il Giappone urbano è un'esperienza coinvolgente fino ad oggi, soprattutto per il suo fascino inevitabilmente umile. Ci si sente al momento e, nonostante i suoi rapidi effetti di datazione, è più che benvenuto rimanere lì come reliquia di un'era perduta da tempo - e ora è un momento migliore di qualsiasi altro per sperare che il piombo mascherato Haruo Nakajima riposi in pace.

95. Crazed Fruit (1956)

Uno dei fondatori della New Wave giapponese, Crazed Fruit's concentrarsi sulla fiamma della giovinezza trova i suoi piedi con una storia semplice che va ben oltre i suoi modesti parametri: saltare la recinzione di due uomini innamorati della stessa donna per riflettere un'impressione della generazione del dopoguerra nel suo insieme. Queste persone sono feroci, indipendenti e cercano disperatamente di mettersi alla prova, segnate dalla ripetuta profanazione dei valori della loro nazione. Trova una nicchia di narrazione che rimbalza attraverso i contesti sociali e politici e rappresenta i primi grandi passi della New Wave. Mentre questo elenco continua, vedremo che il movimento longevo si è avventurato per sempre verso l'interno - affascinato o spaventato e nel farlo trovando una narrazione non di nazioni - ma di sessualità, perversione, violenza, avidità, soprannaturalità e psicosi. La seconda guerra mondiale può ancora nascondersi in queste storie, ma trovo intrigante che affrontarla apertamente come Frutta impazzita alla fine ha avuto un focus, piuttosto che un'esplosione di temi.

94. La vita di Oharu (1952)

Il nostro primo film di Kenji Mizoguchi, La vita di Oharu dimostra uno studio del personaggio in modo classico e commovente che rende la sua protagonista un riflesso della situazione delle donne nel Giappone del dopoguerra, cosa che Mizoguchi ha fatto ammirevolmente durante la sua carriera. Un pezzo drammatico ampio e complesso che usa il tempo per evidenziare la situazione che diventa rapidamente il suo obiettivo, Mizoguchi produce una delle sue opere più belle esclusivamente per il modo in cui si piega e rompe così umanisticamente insieme alla stessa Oharu, il regista commosso dalle avversità che deve affrontare. È questa relazione che sanguina direttamente attraverso lo schermo che consente al film di elevare il suo dramma oltre la credibilità.

93. Dreams (1990)

Scritto sul retro del suo subconscio, quello di Akira Kurosawa Sogni è una rappresentazione pittorica dell'interno della mente di un uomo: vagamente paragonabile a Pastorale tranne per la mancanza della sua sensibilità New Wave a favore di un'esplorazione più misurata e calma nei vagabondaggi notturni di Kurosawa. La risultante raccolta di vignette rivela qualcosa di crudo e unico nel modo in cui la vita viene filtrata attraverso la lente del nostro subconscio e in questo potrebbe essere il film più onesto mai realizzato da Akira Kurosawa. Una piccola gemma lucida e adorabile.

92. Funeral Parade of Roses (1969)

La visione aperta del regista Toshio Matsumoto su Oedipus Rex (forse il miglior cinema ha da offrire), Parata funebre delle rose segna uno spartiacque cruciale per la sessualità alternativa e le immagini che sfidano il genere nel cinema giapponese e si commercializza senza i confini che hanno trasformato il movimento oggi. È sia una celebrazione che una critica all'espressione umana, comprendendo la confusione che i suoi personaggi affrontano e abbracciando le proprie decisioni con umiltà e gioia. Questa congettura critica del conflitto è ciò che definisce Parata funebre delle rose 'Successo e anche se non penso che sia il coronamento del traguardo del caro defunto Matsumoto, il modo in cui ha difeso i suoi soggetti in un modo così onestamente imperfetto è qualcosa da cui tutti possiamo imparare oggi.

91. Paprika (2008)

Il film di Satoshi Kon del 2008 è spesso paragonato a quello di Chris Nolan Inception - entrambi basati sui concetti di invasione e coercizione nei sogni. Penso che la differenza fondamentale che lascia i fan divisi su una barricata sia il fatto che il tentativo di Nolan ha una maggiore risonanza emotiva e concentrazione sul personaggio, ma tutto questo si impantana in una struttura noiosa. Kon scrive per 85 minuti e riempie ogni fotogramma con un inebriante esplosione di energia e colori che fanno da ponte tra gli strati con una tale libertà e flessibilità nella narrazione che il lavoro più denso di Nolan semplicemente non riesce a tenere il passo. Alla fine, entrambi sono un solido esempio di abilità e ingegnosità, ma per quanto riguarda quello che preferirei mettere alla fine di una dura giornata non c'è competizione. E per scoprire la vasta gamma di poteri creativi Paprica tiene nel suo arsenale, oltre ad essere solo un divertente sapore di Inception: basta prendere un blu ray e premere play.

90. L'estasi degli angeli (1972)

In quanto movimento a livello industriale, sento che i punti prevalenti della New Wave giapponese ruotavano sulla base del sesso e della violenza. Entrambi sono intrinseci alla vita e all'arte - elementi che continuano a rivestire la produzione cinematografica mondiale - ma sento che pochi film li affrontano in maniera impegnativa. L'estasi degli angeli comprende la propria volgarità. I continui rapporti del regista Kōji Wakamatsu con argomenti così estremi gli hanno permesso di affinare la rappresentazione di personalità brutalmente violente - e il risultato è una folle esplorazione in stile Sid e Nancy nella perdita anarchica di sé, così come un'amara sfumatura di romanticismo gettato in il frullatore. Indipendentemente dalla tua visuale alla fine, è una corsa sfrenata.

89. Forcina ornamentale (1941)

Di tutti gli artisti prebellici la cui memoria è stata astratta dal tempo, Hiroshi Shimizu è forse il principale tra coloro che hanno un disperato bisogno di essere riscoperti. Nonostante un generoso rilascio di Eclipse dalla collezione Criterion (un dolore per entrare in possesso e suonare ovunque al di fuori dell'America), sembra mal menzionato tra i registi più importanti del periodo e sono assolutamente convinto che dovrebbe essere sostenuto tra i migliori di loro. Forcina ornamentale è stato rilasciato mentre il Giappone stava trascinando l'America nella seconda guerra mondiale e tuttavia è intriso di una speranza e di una semplicità che richiamano un'epoca più civile - o almeno parla del pacifismo che Shimizu avrebbe potuto vivere di giorno in giorno - ignorando un conflitto ritiene barbaro e sfida l'immagine esterna del Giappone dell'epoca. Senza confondere questa descrizione in troppe politiche, Forcina ornamentale si trova tra le più belle caratteristiche che Shimizu ha realizzato ed è il suo minimalismo duraturo che assicura la sua risonanza meravigliosamente sobria.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Non dubito che sia stato accolto con vetriolo diffuso per aver collocato un classico così universalmente ammirato così in basso, ma va detto che tra innumerevoli migliaia Ugetsu Monogatari è ancora tra i 100 migliori film giapponesi mai realizzati. Ho un netto disgusto per il capolavoro dichiarato di Mizoguchi: una ferita persistente di una direzione occasionalmente troppo semplice che spesso distrugge il suo artificio così spesso perfetto e rovina tutti i suoi effetti precedenti. Detto questo, mentirei se non menzionassi quanto questo film fosse singolarmente affascinante per me quando ero più giovane e, nonostante una serie deludente di rewatch negli ultimi tempi, i momenti magici in cui tutto va a posto e il miracolosamente composto di Mizoguchi, cinematicamente avvincente e alla fine l'attrazione umana è tornata nelle mie vene. Ugetsu Monogatari rientra nella lista in parte perché è un lavoro fondamentale, il che è un peccato perché sono orgoglioso di mettere la preferenza personale sullo status: ma il nocciolo della questione è che voglio amarlo. Un giorno presto l'affetto potrebbe riaffiorare e il capolavoro di Mizoguchi salirà ancora più in alto. Il tempo lo dirà.

87. Inferno of First Love (1968)

Tracciare parallelismi nella sua concezione esattamente come quelli di Senza fiato e la compagnia meditativa di Eric Rohemer in La mia notte da Maud dalla Nouvelle Vague in corso, Inferno del primo amore è un'osservazione tranquilla e meravigliosamente coinvolgente di una coppia che muove i primi passi insieme e l'aria invitante, passionale, cupa, fredda, spesso vuota che aleggia intorno a loro mentre cercano di sfruttare il legame che il titolo del film promette così audacemente al suo pubblico. È un'opera d'arte a bassa manutenzione che premia gli spettatori pazienti con l'interazione umana in movimento.

86. Cure (1997)

L'editing in Cura è mortale. Avanza a un punto in cui vuoi distogliere lo sguardo, Kurosawa riempie il pubblico con una comprensione implicita della spietatezza del suo film nel modo in cui attraversa la routine domestica e cadaveri sporchi di sangue con la stessa naturalezza con cui respira; ed è questa accettazione eccezionalmente fredda, quasi psicotica della morte nella vita che mi fa dubitare del suo principale ufficiale, Takabe, e di quanto sia infernale la situazione relativa alla violenza in Giappone per essersi abituata così a brutali uccisioni. Mentre si muove a passo lento che inizia a minare la tensione senza fiato che Kiyoshi Kurosawa è stato in grado di respirare nel pezzo, Cura è ancora un'aggiunta più che degna al suo forte canone cinematografico.

85. The Bad Sleep Well (1960)

Il più debole adattamento di Shakespeare di Akira Kurosawa rimane uno dei suoi film più forti, seguendo vagamente la storia di Amleto con un filo di critica aziendale che lo attende dietro le quinte. Tenuto contro altre versioni, nonostante la sua tangenziale, BSW si pone come una debole interpretazione della venerata opera la cui composizione carica di dialoghi non riesce a catturare l'ampiezza e il peso del dramma di Shakespeare, sebbene coltivi uno stile di narrazione unicamente Kurosawan che aggiunge una dimensione extra al il materiale di partenza e crea un ritmo narrativo deliziosamente avvincente. Complessivamente più moderno e ricco di suspense della sua ispirazione, The Bad Sleep Well è un must per i fan di Kurosawa che bramano l'abilità e la sottigliezza dei suoi sforzi contemporanei.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Affrontare Tetsuo con uno stomaco debole è come prendere un proiettile senza giubbotto. Rimescolato insieme a un pasticcio di oggetti di scena di scarto, set disordinati ed effetti speciali dolorosi: c'è una vivacità da Tetsuo: The Iron Man's inseguimento dello sgradevole che lo rende ammirevole. Ho rispetto per l'economicità che i suoi creatori hanno affrontato per ottenere l'esperienza più mortificante possibile: scioccante con il loro mix sonoro martellante e le immagini monocromatiche sporche che gettano ciò che sappiamo nel regno dell'enigma. Il bianco e nero dipinge anche gli oggetti più riconoscibili che compongono Tetsuo's mondo come orribili bastioni dell'ignoto, che strisciano sotto le fessure e si attaccano a noi per iniziare una metamorfosi di mutazione violenta e inevitabilmente nauseante. È un lavoro che va oltre il punto di interesse per la delicata sensibilità del suo pubblico - ed è esattamente quello che dovrebbe essere un buon orrore corporeo. Tetsuo: The Iron Man è senza dubbio uno dei migliori.

83. Black Rain (1989)

Un film stranamente temporizzato considerando che co-insito con il trattato di Isao Takahata sul bilancio umano delle bombe nucleari sganciate al culmine della seconda guerra mondiale e tratta in temi simili, Black Rain's inferiorità al meraviglioso Tomba delle lucciole in nessun modo significa che deve essere ignorato. Semmai, le legioni di ammiratori che giustamente si raccolgono attorno all'opera di Takahata dovrebbero accorrere anche qui. Il primo film di Shohei Imamura in questa lista, Pioggia nera dà uno sguardo profondamente tragico e minuziosamente personale al peso dell'esplosione nucleare: affrontare il senso di colpa, l'ostracisione, il dolore, la perdita e l'accettazione dell'evento e delle sue gravi ramificazioni del sopravvissuto in uno stile tattilmente diretto caratteristico di Imamura che è a modo suo altrettanto sorprendente e immediato come Hiroshima amore mio lucidità onirica.

82. L'umanità e i palloncini di carta (1937)

Un classico formalista nello stesso regno del venerabile corpus di opere di Kenji Mizoguchi, tranne per il fatto che qui il regista altrettanto venerato Sadao Yamanaka si mantiene con un'umiltà da cui chiunque ha intenzione di entrare nel mondo del cinema può imparare. L'altra sua immagine famosa, The Million Ryo Pot , è un racconto relativamente calmo, composto in modo sobrio e sapientemente drammatizzato, anche se penso che il limite colpisca nel segno Umanità e palloncini di carta perché riesce a fare una dichiarazione più ampia sull'essenza della vita quotidiana. Il comfort del suo titolo giocosamente ambizioso riecheggia in ogni fotogramma e sebbene non sia un film ho trovato intensamente avvincente o addirittura paziente in movimento - c'è qualcosa qui che richiede un orologio.

81. Silence (1971)

Adattato dallo stesso romanzo recentemente affrontato da Martin Scorsese, Masahiro Shinoda's Silenzio funge da affascinante riflettore sulle differenze tra gli stili cinematografici occidentali e orientali. Il tono esteriormente stoico e duro di Scorsese è piegato a favore di una visione molto più umile sotto la mano studiosa di Shinoda, consentendo un pelo di rimorso e sentimentalismo in una versione altrimenti avvincente e naturale del libro. Una scena che evidenzia l'abilità di Shinoda nello sviluppare un'atmosfera mondana per il suo racconto religioso senza bisogno di manipolazione si presenta sotto forma di una donna anziana che canta in una stanza piena di persone: a malapena una parola pronunciata risuona con la storia a portata di mano, né è alcuna un'ulteriore caratterizzazione trasmessa - e tuttavia infonde al resto del film una vitalità ineludibile che si piega in modo così evocativo sotto il peso dell'angoscia e della disperazione che i sacerdoti ei loro discepoli affrontano. Sobrio e affascinante, la sua umiltà supera ogni giorno il leggendario pezzo del regista italo-americano per me.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Rendere immediatamente le cose difficili per se stesso, Go Go Second Time Virgin colpisce i suoi 65 minuti di autonomia con una delle numerose scene di stupro scomode. Modellando una narrazione dalla relazione fortuita della ragazza afflitta con un assassino altrettanto giovane e disturbato che ha guardato da lontano, la breve ma vitale opera del regista Kōji Wakamatsu si definisce non allegando mai convenzioni narrative all'accoppiamento. Lasciato a se stesso, rivelazioni e conversazioni, il film fa un uso sorprendente del suo budget abbondantemente basso con una composizione spesso efficace nel carattere della New Wave giapponese, oltre a una rappresentazione conflittuale della violenza sessuale molto più coinvolgente, densa e preveggente di Nagisa Il famigerato fallimento artistico di Oshima del 1976 (e questo è generosamente) Nel regno dei sensi .

79. I peccatori dell'inferno (1960)

Contrassegnato da una sceneggiatura poco intuitiva e da una trama poco brillante, I peccatori dell'inferno riesce comunque a ritagliarsi un posto in questa lista per il suo controllo altrimenti eccezionale dell'artificio. Ogni fotogramma è impregnato di luci umide e si diletta con una tavolozza di colori oscura, occasionalmente punteggiata da penetranti colpi di rosso che servono come sottile promemoria dell'agonia a venire. Vedi, Jigoku è un gioco in attesa: un film che attende il suo tempo nel monotono mondo reale prima di immergersi nell'inferno. L'eccellente scena di apertura offre al pubblico una ventata di sangue che stuzzica provvisoriamente ogni altra scena fino a quando non ci sarà finalmente permesso di sperimentare il Tartaro per noi stessi: una cavalcata di sbalorditive setwork, colori gloriosi, extra eccessivi e panico genuino mentre i personaggi hanno il tempo di contemplare le conseguenze delle loro azioni. Quindi, sebbene noioso, il guadagno ci premia con i mandati a guardare I peccatori dell'inferno almeno una volta, per poco nel cinema corrisponde alla sua visione intrinsecamente conflittuale e stranamente priva di vita del mondo sotterraneo.

78. Twenty-Four Eyes (1954)

Seguendo il ruolo matriarcale di una giovane donna a capo di una classe di scolari e le sue implicazioni sulla società circostante, Twenty-Four Eyes è un testo femminista che manca della neutralità di genere trascendentale di qualcosa di magistrale come Jeanne Dielman, ma conserva il suo posto di importante lavorare per una forte interpretazione centrale di Hideko Takamine e del brano narrativo in stile Thiassos che va dal 1928 al 1946 in un ampio studio della politica interna e della progressione della percezione nel corso degli anni dalla pace alla guerra.

77. Mr. Thankyou (1936)

La delicata meditazione di Hiroshi Shimizu sulla nostra interazione, Sig. Grazie segue un gruppo di persone su un autobus ed esplora ogni sorta di carattere emotivo nel viaggio di un'ora verso la loro destinazione (per fortuna deviando da un viaggio in autobus che sarebbe finito molto meno agevolmente un po 'più avanti in questo elenco). È un ritratto affascinante della poesia nella vita di tutti i giorni che si eleva al di sopra di tanti film superficialmente ambiziosi in questa lista per la sua capacità di sedersi e parlare per poco più di 60 minuti senza perdere un colpo. Un piccolo piccolo tesoro.

76. Street of Shame (1956)

In bilico sull'orlo di un'opera, quella di Kenji Mizoguchi Via della vergogna è uno dei grandi canti del cigno, uno che attinge da tutta l'esperienza cinematografica dell'uomo fino a quel momento nella sua carriera e lo assembla in un lavoro tempestivo, caratteristicamente attento e straordinariamente umano. Vivendo in un bordello durante il crepuscolo della legalità della prostituzione in Giappone, Mizoguchi costruisce un bellissimo arazzo commovente di conflitto e apparente 'amoralità' dato il suo vero volto che perfora la percezione e ci permette di vedere i pregiudizi del passato. Al giorno d'oggi, il pubblico spesso ama i personaggi chiaramente antieroici o criminalmente non sani grazie allo sfarzo appariscente di Bravi ragazzi e altri ritratti leoneggianti, spesso allegri e sadici di personaggi moralmente malsani. Nel 1956, in particolare durante una transizione legale, un film del genere doveva essere inaudito. Le donne di Via della vergogna stanno solo cercando di vivere - e questo è ciò che rende il loro fardello ancora più straziante.

75. Floating Weeds (1959)

Considerato giustamente tra i più grandi successi di Ozu come artista, gli anni 1959 Erbacce galleggianti tiene traccia di una troupe itinerante di artisti e dei problemi familiari che affrontano durante i loro viaggi, in particolare la riunione di feste precedentemente separate che minaccia di assolvere la redditizia compagnia teatrale. È potente quanto i migliori film di Ozu, ma qui mi oppongo a un certo grado di narrazione, in particolare alla struttura. Trattenuto contro alcuni dei successivi film di Ozu che incontreremo qui, non può reggere il confronto con loro, ma per lo meno è una misura di quanto fosse abile un artista che Erbacce galleggianti riesce comunque a rompere i primi 75 in forma contemplativa e luminosamente tranquilla. Ancora seminale.

74. Pastorale: morire in campagna (1974)

Shūji Terayama Pastorale è un sublime esercizio di stranezza. Sarebbe ingenuo per chiunque doppiare questo particolare ramo del bizzarro 'surreale' perché Pastorale è molto meno sottile di così: riempire il suo breve runtime pieno di commedia assurda e immagini fantastiche che richiamano un ricordo che il regista ha vissuto nel suo futuro. L'incomprensibile di una tale ispirazione è poco di fronte alla sua trama e alle sue idee, anche se, come con il suo lavoro precedente, il lassismo di trama di Terayama non sminuisce in alcun modo l'esperienza che sta tentando di fornire, e se la sua opera magnum tenta di esprimere la rabbia e la passione di un giovane disinteressato, allora questo è il suo seguito più personale: un'esplorazione in una mente affascinante, meravigliosamente fotografata e realizzata con calore. È facile rendere un film strano, ma per accentuare l'impatto del virtuosismo visivo con la personalità, la tecnica e l'abilità registica è qualcosa che l'uomo ottiene qui. È davvero qualcosa da vedere.

73. Perfect Blue (1998)

Un grido di talento definitivo dall'animatore Satoshi Kon, Perfect Blue trova la fisicità nella lotta interna di un idolo pop in pensione che tenta di afferrare la sua nuova identità, il tutto avvolto nella spinta in continua evoluzione del mondo moderno. La sensibilità visiva di Kon porta a momenti cinematografici superbi e così tristemente esagerati, ma penso che il design narrativo inebriante Perfect Blue si ritrova nell'inesorabilità con cui la sua protagonista si tortura e, così facendo, viene torturata spingendola oltre ogni singhiozzo registico. È un pezzo metafisico che permette a se stesso di rendere reale l'orrore, che spinge i confini dei tradizionali film animati per qualcosa di completamente più oscuro e inquietante per il suo coraggio. Nonostante se stesso, Kon non rifugge dalla realtà nella sua rappresentazione del degrado mentale - e questo è ciò che ancorano i dilemmi altrimenti datati di Perfect Blue ad oggi. Un esperimento di animazione affascinante e spesso sconcertante.

72. Dark Water (2002)

Un'evoluzione diretta del terrificante L'anello , Di Hideo Nakata Acqua scura rappresenta il secondo e forse l'unico altro successo del regista e che riesce a portare il suo stile ancora più lontano. È abbellito da una maturità che sfugge a molti J-Horror, sostenendo il potere del suo dramma con un'astuta attenzione all'equilibrio e alla precisione che gli artisti minori non sarebbero assolutamente in grado di cogliere. È la pulsione della ricerca di un obiettivo invisibile che riverbera in ogni scena e la moda inevitabilmente diventa un'arma non solo di paura, ma anche di costrizione.

71. Yûkoko: the Rite of Love and Death (1966)

Yûkoko: il Rito dell'Amore e della Morte è famigerato per alcuni motivi, vale a dire perché anche il suo direttore Yuiko Mishima si è suicidato per seppuku dopo un fallito colpo di stato militare. L'uomo era la base del miglior film di Paul Schrader, Una vita in quattro capitoli , e qui si concentra come soggetto dimostrabilmente affascinante, facendo uso della messa in scena Noh e di una forte composizione per professare il suo messaggio senza parole. Gli effetti speciali che provocano lo squittio sono estremamente impressionanti per il loro tempo, simulando l'atto di Harakiri con un effetto sorprendente e creando la perfetta punteggiatura del patriottismo di Mishima. Nessuna resa.

70. Akira (1988)

Un punto di riferimento scintillante e al neon dell'animazione giapponese e la sua infiltrazione nel centro della scena internazionale, Akira segna un punto rivoluzionario degli anime e impressiona ancora oggi con i suoi colori scintillanti, il futurismo carino e la cupa trasformazione del personaggio del titolo amorfo e abominevole. Sebbene la struttura della storia sia ingombra di note a margine e incapace di trovare una direzione chiara in cui prosperare, la realizzazione scoppiettante di Akira's l'azione e le imprese di animazione più impressionanti sono ciò che lo rende così influente e aggressivamente coinvolgente: schermi accattivanti con vignette espressamente realizzate e che trascendono la stupidità a bocca aperta della sua progressione per qualcosa di veramente spettacolare. È vizioso, dinamico e accattivante: un classico degno e l'inizio di un'era meravigliosa di produzione di animazione di alta qualità.

69. Sansho il balivo (1954)

È a questo punto che devo confessare: non mi è mai piaciuto il lavoro di Kenji Mizoguchi. Nonostante abbia provato più volte a farmi strada tra le sue foto, nulla è mai rimasto veramente bloccato. Poco del suo lavoro mi coinvolge e quello che c'è a livello scritto scende nell'ottusità una volta che lo trapianta così bruscamente sullo schermo. Senza dubbio c'è meraviglia nel lavoro dell'uomo, ma continua a illudermi. Tutto questo in mente, ho trovato almeno un po 'di conforto nel mio rivedere Sansho l'ufficiale giudiziario per questo elenco, un film che in precedenza mi aveva lasciato frustrato per il suo spreco di materiale così potente. Questo tentativo è sbocciato in un ritrovato apprezzamento dell'approccio iconoclasta di Mizoguchi, che si sente vuoto nel suo lavoro precedente. È costellato di scene profondamente toccanti e mentre sento che il film è di circa 20 minuti di troppo - e potrebbe raggiungere i regni della maestria in uno spazio più succintamente commovente - ha almeno fatto terreno per il leggendario artista in questa lista. Forse tra anni avrei messo il lavoro di Mizoguchi più in alto qui - si può solo sperare.

68. Onibaba (1964)

Il nostro primo film da Kaneto Shindo, Onibaba gira una storia di sfiducia e inganno: due donne ladre influenzate da una maschera posseduta che presto cerca la propria agenda. L'atmosfera di paranoia che Shindo sviluppa attraverso la sua attenta messa in scena e la storia sconvolgente equivale al successo del film: unire nuovi personaggi ed eventi per aumentare il senso di trepidazione del pubblico insieme a quello dei suoi attori principali per alimentare una connessione emotiva parallela in modo univoco. Ma penso, soprattutto, Onibaba's lo status duraturo di un classico del cinema horror giapponese deriva da una sola inquadratura: un'unica immagine che racchiude così tanta energia viscerale nella sua immobilità paralizzante che ne sono stato fisicamente preso alla sprovvista, scoraggiato dall'avventurarmi di nuovo in Onibaba nella paura di incontrare quella stessa terrificante presenza. Di fronte a quella serie di fotogrammi perfettamente inquietante, il resto del film quasi impallidisce in confronto: ma scartarlo del tutto significherebbe perdere il punto di un accumulo così controllato, così come il suo climax gestito in modo sensazionale.

67. Sonatine (1993)

Ciò che è sempre impressionante del lavoro di Takeshi Kitano è il modo in cui presta leggerezza anche agli scenari più estenuanti. Il quasi scomparso Fuochi d'artificio e Violent Cop in un certo senso condividono il loro posto nell'elenco con la sua opera, Sonatine , e tutti parlano della sua popolarità nel nativo Giappone come comico cinematografico e di come quelle radici penetrino sottilmente nelle sue offerte cinematografiche. Ogni fotogramma in cui abita brilla, nonostante la sua composizione di trame oscure e spesso brutali. Giocare con la nostra percezione della moralità umana e della simpatia così abilmente è ciò che rende Kitano una figura affascinante come è emerso dal cinema giapponese negli ultimi decenni e lo dimostra, come è stato abilmente detto da Rodger Ebert dopo che ho visto Sonatine , che i grintosi studi sul crimine non devono sacrificare la profondità per il coinvolgimento alla Tarantino con i suoi monologhi superficiali e la 'caratterizzazione' del portavoce. Kitano può fare entrambe le cose.

66. Demoni (1971)

La filigrana New Wave Toshio Matsumoto ha sbalordito 2 anni prima con il suo squisito Parata funebre delle rose e i demoni di 71 mantengono il suo slancio sensoriale con un paesaggio notturno nitidamente inquadrato che immerge ogni immagine nell'oscurità assoluta - solo luoghi e giocatori illuminati nell'oscurità da incubo. Altri registi hanno sperimentato questa tecnica, forse un primo esempio degno di nota che giace con l'interrogatorio di Louis Malle in Elevator to the Gallows - ma pochi l'hanno spinta a effetti così invasivi - ogni inquadratura suscitato da un ampio senso di paura e, soprattutto, disperazione. Non importa quanto i suoi protagonisti siano vicini alla fuga dai loro aggressori soprannaturali, niente è mai al sicuro. Questo, chiaramente, è un orrore esistenziale esemplare.

65. Still Walking (2008)

Penso che l'ombra torreggiante di Yasujiro Ozu possa gettare un'ombra considerevole su qualsiasi regista drammatico, e il prezioso Hirokazu Koreeda è forse il principale tra gli afflitti. L'uomo tenta di eludere il confronto paragonando la sua opera a quella di Ken Loach, più della leggenda giapponese, tuttavia una simile somiglianza è inevitabile e mette in luce diversi difetti nel metodo di Koreeda. Ozu ti invita a sederti con i suoi personaggi e svela gradualmente il punto della storia, mentre Koreeda infila la sua macchina fotografica nella stessa stanza del dramma e osserva in silenzio. Il suo stile è molto meno diretto, ricorda in qualche modo la tecnica del maestro taiwanese Hsiao-Hsien Hou, ma ancora ancora più distaccato.

Tutto questo in mente, il rifiuto di Koreeda di intromettersi, tuttavia, porta ad alcuni momenti di potente intimità più tardi lungo la linea, dove inizia a sbocciare mentre i personaggi ci permettono di colmare i sei gradi di separazione tra il loro mondo e il nostro. Qualcosa di semplice come una persona che si avvicina a un pianoforte, un'estrema disparità di messa a fuoco che sottolinea l'importanza della scena, fa miracoli nel dare al pubblico piccoli ed evocativi scorci nella mente dei suoi personaggi. Infatti Ancora a piedi è un baluardo di speranza che incoraggia i cineasti del Giappone contemporaneo a cadere nell'ovile del dramma familiare e si sforzano di impregnarlo con la stessa compulsione e impatto che hanno fatto artisti come Ozu e Naruse tutti quegli anni fa. Con registi come Sion Sono sulla scena, è un dono che persone come Hirokazu Koreeda siano ancora in giro per costeggiare il ventre squallido e darci qualcosa di così tranquillo e accattivante nel suo ritratto della vita suburbana.

64 Confessioni tra le attrici (1971)

Un film brutalmente onesto, tipicamente aperto, non dissimile dall'inesorabile inquisizione di Luce invernale - Yoshishige Yoshida's Confessioni tra attrici segue i traumi che hanno indotto tre donne a impegnarsi nel loro mestiere: il primo film a colori del regista e, in modo affascinante: uno che in questa nuova, arrossante ricchezza di colori spoglia gran parte del suo lavoro estremo di macchina da presa per una squallida e nuda ricerca della verità e il suo effetto su queste persone. La rivelazione è, a suo modo, una forma di guarigione e quella di Kiju Yoshida Confessioni tra attrici funziona meravigliosamente come dibattito su quell'idea.

63. The Ballad of Narayama (1984)

La ballata di Narayama rappresenta forse il film più famoso di Shohei Imamura, di per sé un remake di un classico altrettanto venerato. Ciò che distingue il pezzo di Imamura è il suo approccio tattile all'azione umana, affascinato dalle risposte cupe e dalla grande tensione emotiva della psiche mutata sulla mente di un uomo o di una donna. I suoi primi film trattavano questi argomenti molto meglio, ma ritengo che ciò non escluda La ballata di Narayama di stare in piedi tra loro. Il suo familiare racconto folcloristico è uno studio altrettanto attento del comportamento umano e sebbene manchi della morbosità che ha dato il suo morso al suo lavoro degli anni '60, Shohei Imamura offre ancora un'opera d'arte soddisfacente e compassionevole.

62. Mandara (1971)

Mandara è, a suo modo, uno dei film cinematograficamente più affascinanti dei primi anni Settanta. Impegnativo ma universalmente gratificante nel tema, nella fotografia e nello stato d'animo sbalorditivo che crea: è un'opera incomparabilmente strana che avrebbe potuto farsi strada nelle alte sfere di questa lista se avessi avuto il tempo di immergermi più a fondo nel suo mondo riccamente bizzarro. Basti dire: questa gemma New Wave poco vista è un must assoluto.

61. The Tale of Princess Kaguya (2012)

Il ritorno in forma del venerabile Isao Takahata nel 2012 dopo lo stupore del 1988 Tomba delle lucciole , Il racconto della principessa Kaguya è semplicemente stupendo. Una favola familiare adatta a tutte le età, il suo stile di animazione assolutamente meraviglioso richiama i disegni classici dipinti in una coperta di bianco, un ideale di ritorno alle origini che da allora ha ispirato proprietà in più di un mezzo. L'attrazione estetica di vasta portata di Kaguya non è del tutto eclissato dalla storia, ma la sua pulsione cinematografica luminosa è ancora inevitabilmente inebriante dall'inizio alla fine e richiede l'attenzione di qualsiasi fan dell'animazione.

60. Il tuo nome (2016)

Il film più recente di questa lista, quello dell'anno scorso Il tuo nome è una rivelazione. Il cinema popolare in America può spesso essere così privo di vita e cinico, anche la sua scena indie inizia ad essere attratta dalla fama più che dal merito artistico (per non screditare le ovvie eccezioni a questa crescente osservazione). Dico tutto questo perché dopo aver studiato le versioni giapponesi contemporanee per questa lista, è elettrizzante avere un film così meraviglioso come Il tuo nome avere successo nel mainstream come lo è stato. Da allora il Giappone è stato sommerso e dotato di una sfilza di film animati Akira nel 1988 e mentre il grezzo spesso sommerge i diamanti sottostanti, un film così forte si è fatto strada con facilità. Senza introduzione o commento basta vedere Il tuo nome . È qualcosa con il cuore e le intenzioni oneste che potremmo tutti prendere una lezione da oggi.

59. Nausicaä della Valle del Vento (1984)

Nausicaä della Valle del Vento è uno dei primi bastioni della sublime abilità artistica del titano dell'animazione Hayo Miyazaki. La narrazione è squisita - costruendo una sorta di cupo futuro apocalittico come se fosse nel nostro mondo con libertà di direzione e splendida realizzazione della flora e della fauna uniche della terra - il tutto popolato da un cast diversificato di anime solitarie che esprimono il riconoscimento strisciante del loro sgradito mondo meravigliosamente. La prima di molte opere autenticamente sincere, originali e deliziosamente ispirate da Miyazaki.

58. Balliamo? (1996)

Penso a ciò che separa Balliamo? da qualsiasi altro film di 'affermazione della vita' è quanto sia serio. Il trattato di Akira Kurosawa sull'adempimento (o orribile mancanza di ciò) in Ikiru è in netto contrasto con l'innocuo fascino qui, che germina naturalmente e si insinua nei nostri cuori, piuttosto che farsi strada attraverso i punti della trama cinicamente guidati. È un film meraviglioso, a cui è stata conferita una posizione così elevata per quanto sia gioiosamente credibile la sua storia e quanto sia a suo agio il regista Yoshikazu Suo con il suo prodotto. Una delizia.

57. Akitsu Springs (1962)

La grande svolta di Kiju Yoshida, Akitsu Springs rappresenta l'alba di qualcosa di speciale nei regni della New Wave giapponese. Già nel 1962, Yoshida fu in grado di portare l'attenzione psicosessuale di molti film giapponesi dell'epoca in una testa e tapparne le profondità interiori con una precisione impeccabile, un fascino che avrebbe continuato ad acuire col passare del tempo. Una serie di successi altrettanto fantastici lo hanno cementato come un membro chiave del movimento, ma per me lo è Akitsu Springs che è più forte come proprietario del suo genio cinematografico.

56. A Wife Confesses (1961)

Il nostro primo film per gentile concessione del prolifico Yasuzo Masumura, 1961 Una moglie confessa è il coronamento dell'inizio della New Wave giapponese. Seguendo una donna accusata della morte presunta accidentale di suo marito, cattura le ondate di aggressività, cinismo e diversivo caratteristici del lato più oscuro del cinema giapponese dell'epoca, tranne che senza la sua violenza brutale e spesso sanguinosa. Quello che abbiamo qui è la violenza della mente colpita da voci appuntite di amarezza e guardate da occhi abbaiati alla ricerca di qualche povero caso imprigionato a vita con cui confrontare la propria miseria. È la velata morbilità di Una moglie confessa che dà uno schiocco pesante al suo morso sociale.

55. Profound Desires of the Gods (1968)

Il film più lungo di Shohei Imamura, Profondi desideri degli dei è forse anche il film che esemplifica più pienamente il suo stile. Seguendo le dinamiche tese di una colonia isolata e il fiorente romanticismo che sboccia sulla sua scia, la direzione leggermente fuori posto di Imamura e la lucentezza permeata di integrità quasi giornalistica consente un documento affascinante sulla vita nativa, sull'amore e su come siamo inestricabilmente attratti dai nostri desideri- sia attraverso un impulso primordiale consapevolmente condiviso, o un impianto intangibile inviato direttamente dall'alto. Alla fine la domanda principale di Imamura per me era difficile da gestire: è più facile accettare che i nostri dei sono crudeli o che lo siamo noi?

54. La condizione umana parte 1: Nessun amore più grande (1959)

Il primo di un'epica trilogia di film, La condizione umana parte 1: nessun amore più grande è un film che avrebbe stabilito i precedenti per i suoi successi: un elenco di punti di forza e di debolezza che il regista Masakai Kobayashi avrebbe avuto solo il tempo di imparare con il senno di poi, senza mai chiarire del tutto l'equilibrio perfetto per il suo pezzo estremamente ambizioso. Nessun amore più grande presenta diversi momenti immortali, in particolare una scena di esecuzione che dura 10 minuti e vede l'ira ribollente della bolla Manchu oppressa oltre la paura che tutte le armi e il filo spinato ispirano per qualcosa di particolarmente risonante fino ad oggi, così come la fine di un arco per diversi personaggi. È un film troppo lungo, saturo e in definitiva inefficace & hellip; ma è anche un esame magistralmente gestito del bilancio della guerra. Squilibrato all'estremo, La condizione umana Il capitolo di apertura trova un terreno abbastanza solido per formare un film né esecrabile né eccezionale: ma uno ancora più che degno di entrare nella top 60 qui.

53. Butta via i tuoi libri, Rally in the Streets (1971)

Butta via i tuoi libri, Rally in the Streets è un afflusso di sangue alla testa. Una disposizione vibrante e svogliata di vignette scollegate che dipinge un'immagine vivida del distacco della gioventù giapponese dai vecchi valori. Un rifiuto del formalismo per qualcosa di completamente più moderno, futuristico fatto a pezzi e tuttavia totalmente a suo agio nella sua stessa incomprensibilità. È la natura creativa del settore che si manifesta nelle menti dei giovani, dando vita a scene in batch sorprendenti, seducenti e spesso sbalorditive. Pochi film anche della New Wave giapponese possono accendere lo stesso fuoco rigorosamente ribelle.

52. Red Angel (1966)

Il prolifico maestro Yasuzo Masumura ha lavorato a 33 colossali film proprio durante gli anni '60 e uno dei momenti salienti della sua opera in espansione è il sublime Angelo rosso del 1966. Incentrato su una giovane infermiera romanticamente fidanzata che viene spinta in guerra, Red Angel sviluppa il suo mondo estenuante eccezionalmente bene: cominciando con le legioni di veterani retati con cicatrici e spruzzati del proprio sangue e sudore sul tavolo operatorio in un complesso squallido e abbandonato - tutto prima di essere gettato finalmente nel crogiolo di questo conflitto mortale. La paura palpabile è un segno del margine generosamente impressionistico di Masumura e lo segna come una voce distintiva e tristemente oscurata del cinema nazionale negli anni '60.

51. L'uomo senza mappa (1968)

Una voce tristemente sottosviluppata dall'opera impeccabile di Hiroshi Teshigahara, doverosamente messa in ombra dal suo imponente corpus di opere dal '62 al '66, 1968 L'uomo senza mappa vede la transizione del regista rigorosamente iconoclasta dal monocromo assoluto all'affascinante fotografia a colori: guardare attraverso il labirinto tentacolare del Giappone industriale con una tavolozza cupa e un po 'opaca che riecheggia così riccamente il desiderio insoddisfatto di risposte del protagonista. L'uomo senza mappa scorre in fiumi di dubbio e confusione, facendo atterrare il suo detective in acque profonde per la più piccola delle incursioni e raramente gli concedendo un secondo per respirare e assorbire la vastità di tutto ciò.

Teshigahara urbanizza giocosamente la tortuosa ricerca dei suoi protagonisti con un mondo che nega la catarsi ad ogni svolta, commentando l'incessante incertezza della vita moderna con diabolica precisione. Abbandona la soprannaturalità sfumata e il surrealismo del suo lavoro precedente per un pezzo molto più radicato che è come risultato forse anche più inquietante dell'agonia di Sisifo Donna tra le dune o Pitfall's sconsiderato, insensibile avanzamento della morte. L'uomo senza mappa ci colpisce sul nostro terreno di casa ed è per questo che è così sconcertante - così snervante - e perché rimane un pezzo di cinema così vitale fino ad oggi.

50. The Insect Woman (1963)

Finora il nostro quarto film del venerato maestro Shohei Imamura, il lato un po 'più rispettabile della moneta più pericolosamente eccessiva di Nagisa Oshima, La donna degli insetti è una rappresentazione esemplare del perché la visione di Imamura della politica sessuale è sempre stata molto più affascinante di quella del suo controverso contemporaneo. È un film di sontuoso controllo visivo: instilla nelle sue immagini significato e peso, oltre a un delizioso potere estetico che sanguina così tanto significato in monocromia.La vita quotidiana della donna è afflitta da un mare abbaiato di bianco e nero che si trasforma così in mistero, nel Tetsuo: The Iron Man . La sua inquietante scena di apertura, sebbene semplice, cuce i semi della gabbia di Kafkan Il tomo (interpretato magnificamente dal meritatamente onorato Sachiko Hidari) è inserito e accenna alle mostruose implicazioni che il titolo vizioso di Imamura mette in moto. È una visione difficile, non per nulla aiutata dai problemi di Imamura con il ritmo, ma rimane un cinema davvero vitale per tutto il tempo.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa ha costantemente superato la sua classe sotto il peso del suo familiare omonimo con una fantastica serie di sforzi minacciosi, ma nessuno ha eclissato del tutto la schiacciante vacanza del 2001 stampa . Grondando di paura e facendo un uso acuto di riferimenti tecnologici tempestivi senza fare affidamento su di essi a tal punto da invecchiare il quadro, stampa è una versione superlativamente spaventosa dell'infestazione moderna che fa un uso molto più efficace del volto familiare dei suoi spiriti Yurei rispetto a molte più famose rappresentazioni degli stalker dalla faccia pallida.

48. Battles Without Honor or Humanity (1973 & hellip; 1975)

L'antologia poliziesca in più parti di Kinji Fukasaku è Il Padrino sollevato su ogni droga sotto il sole nascente. Libero dallo strutturalismo spesso prepotente del pezzo perfezionista di Coppola, Fukasaku filma la violenza come jazz mentre segue una famiglia criminale dominante nel corso degli anni - Spesso si tuffa in angoli iperstilizzati gratuiti e montaggio per garantire l'effetto evanescente del suo montaggio cinetico. Sebbene manchi di sviluppo del personaggio complesso, risoluzione tematica o persino gusto di base, c'è qualcosa di così vistosamente vivo Battaglie senza onore né umanità che non posso fare a meno di amarlo. Ogni film si aggiunge all'ultimo e rappresenta collettivamente uno zenit per il cinema poliziesco populista nel Giappone degli anni '70. Poco potrebbe mai avvicinarsi.

47. Kwaidan (1964)

Kwaidan, l'antologia horror tipicamente ben realizzata di Masakai Kobayashi, è un avvincente tuffo nel mistero e nella malizia delle antiche favole giapponesi, le radici medievali del cast assortito di apparizioni macabre e maledizioni inevitabili di J-Horror. L'implacabile mancanza di pietà o di tregua onnipresente nella fiorente scena horror giapponese è toccata dalla mano di un maestro qui, risultando una gemma visivamente sontuosa che riesce a infondere nuova vita allarmante in storie altrimenti datate. È senza ombra di dubbio la migliore antologia horror mai realizzata: con la voce non diluita di uno squisito regista che suona forte e chiaro che J-Horror è qualcosa da temere. Decenni dopo, siamo ancora intrappolati nella sua macabra morsa.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

La sfolgorante fetta di genio della pop art di Seujin Suzuki, Tokyo Drifter suona come un fuoco d'artificio e presta al suo tocco stilistico più di quanto persino Quentin Tarantino e Martin Scorsese possano affermare oggi. L'influenza ardente del film segna in particolare il loro montaggio e il loro approccio all'azione, non dissimili dal modo in cui Goddard è interminabilmente eccessivo Senza fiato continua a plasmare il modo in cui tagliamo. In misura molto minore il pezzo di Suzuki si inserisce in così tanti fotogrammi del cinema criminale moderno, ma è l'esempio più forte di stile che elimina tutto il bisogno di sostanza: le sue sparatorie che esplodono come un fuoco d'artificio con effetti al neon brillanti che brillano di gloria cremisi ad ogni grandine spari. Realizzato da un maestro coreografo al top del suo gioco- Tokyo Drifter è il cinema pulp al suo meglio. Elettrico e ancora un grande barile di divertimento.

45. Grave of the Fireflies (1988)

In superficie un inverso delle favole del pubblico universale di Hayo Miyazaki, il venerabile icona ghibliana Isao Takahata Tomba delle lucciole si pone come una delle animazioni più acclamate mai realizzate, con un peso emotivo nato dal suo uso magistrale del mezzo. Caso in questione: Tomba delle lucciole non sarebbe così universalmente apprezzato o addirittura degno di nota se avesse affrontato detta storia nel regno della realtà. L'obiettivo di Takahata, tuttavia, è disegnato. Le sue immagini sono iniettate con un'eleganza e innocenza indicative dell'infanzia, che si complimentano perfettamente con la situazione dei suoi protagonisti. Mentre per alcuni sono sicuro che si presenta come un interruttore batantesco, pochi film hanno utilizzato così abilmente l'arte dell'animazione per accentuare con grazia il potere del loro messaggio. Insopportabilmente contro la guerra, le immagini espressamente elegiache di Takahata iniziano a scontrarsi con la configurazione estremamente triste della storia: lasciare che un soffio di cinismo sfugga alla sua tenuta estetica ermetica, anche se ha poche conseguenze. Tomba delle lucciole è un'esperienza inquietante e spesso bellissima in tempo di guerra.

44. La trilogia dei samurai (1954-55-56)

Una squisita fascia di intrattenimento spericolato, la serie populista deliziosamente accattivante del regista Hiroshi Inagaki è un punto di riferimento nella produzione di film d'azione e avventura e, molto probabilmente, la migliore trilogia per abbellire il sottogenere. Guidati da una performance sempre eccellente di Toshiro Mifune e butterati da piccoli scorci di maturità, in particolare alla fine del primo film, le narrazioni relativamente inoffensive e incomplete di Inagaki sono sostenute da una comprensione dell'azione cinematografica acuta ed eccitante come negli anni '50 avere da offrire. Il suo movimento della telecamera è elettrizzante, dirigendo gli attori con una ferocia e un vigore che aiutano la trilogia a superare i suoi periodi di aridità narrativa con l'aggiunta di un'emozionante sequenza di scherma. Non è niente di speciale su un fronte drammatico, ma vanta una passione sufficiente per il mestiere e un'anima sorprendente nei suoi successi da garantire un posizionamento così alto. Visione vitale per gli appassionati di cinema d'avventura.

43. The Burmese Harp (1956)

Il pezzo clamoroso di Kon Ichikawa su un soldato giapponese che scivola nel paese che un tempo occupava e cerca di trovare la pace nel dolore di un mondo del dopoguerra, L'arpa birmana ha attirato critiche comprensibili per la sua rappresentazione spesso smussata della guerra: più plotoni danzanti e facili movimenti al punto della trama che una visione completa e avvincente del tempo. Paradossalmente, penso che cosa aiuti L'arpa birmana superare questi problemi è il cuore dietro di loro. Nonostante la sua narrazione abbondantemente controllata, Ichikawa tesse bellissime immagini in tutto il film, abbellendo ogni scena in almeno un quadro frammentabile che, pur contribuendo allo statico sophomoricismo della sua regia, riesce efficacemente a trasmettere l'umore, in particolare in una sequenza in cui la morte è guidata. i soldati vengono abbattuti dai mortai e il nostro eroe si risveglia in mezzo a un sanguinoso mare di cadaveri: con colpi ispirati più simili alla composizione incredibilmente compatta di Rembrandt che a qualsiasi normale affare in tempo di guerra. In un certo senso è semplicistico, ma la sua debolezza non mette mai in ombra l'impatto collettivo che la fotografia illuminante e la convinta umiltà di Ichikawa creano.

42. A Page of Madness (1926)

Il primo pezzo in questa lista, Una pagina di follia è un punto fermo del cinema muto giapponese per la sua sonora voce estetica: un pezzo che ha informato la follia e l'irritante scintilla creativa che alimenta le opere più meravigliose della loro industria anche oggi. Il suo ritratto di un manicomio manca della sfumatura o della profondità di qualcosa di simile Titucut Follies o anche l'umanità di Qualcuno volò sul nido del cuculo in forma fittizia, tuttavia il passaggio trascendente da questa pietra miliare del 1926 è un apprezzamento allargato del cinema giapponese prebellico al di fuori di titani drammatici come Ozu, Mizoguchi, Yamanaka e Shimizu. Quello che abbiamo qui è una fonte del loro fiume ancora in corso di lavori cinematograficamente stimolanti, stilisticamente provocatori e intenzionalmente pericolosi che è tanto più affascinante con questo branco di artisti tragici in mente.

41. La fortezza nascosta (1959)

Il famigerato piccolo franchise di George Lucas Star Wars è stato costruito sul retro di The Hidden Fortress, con A New Hope che ruba tutto ma si sta risolvendo da questa eccezionale avventura. È un peccato vedere questo 'remake non ufficiale' farla franca con l'omicidio, schiacciando il film di Kurosawa sotto il peso del suo colossale seguito, perché The Hidden Fortress è un film classico di gran lunga più degno di quanto la serie di Lucas potrebbe mai affermare di essere. Ricco di azione emozionante, caratterizzazione esilarante e un forte talento visivo consueto anche degli sforzi più mediocri di Akira Kurosawa. Tutto questo in mente, non biasimo Star Wars per questo, vorrei solo che il brillante lavoro di Kurosawa fosse tenuto con lo stesso respiro.

40. The Human Condition pt 2: The Road to Eternity (1960)

Il pezzo morso dalla battaglia dell'epica trilogia di Masakai Kobayashi, La strada verso l'eternità serve come un epico epico periodo di guerra giapponese per contestare qualsiasi Salvate il soldato Ryan , se non così pericoloso come qualcosa come quello di Sam Fuller Il grande rosso o anche Elmo d'acciaio . Conserva l'ossessione etica disordinata di La condizione umana parte 1: nessun amore più grande ma riesce a costruire su di esso con un'esperienza di combattimento viscerale e un approccio misurato e coerente ai suoi personaggi che è sottolineato dalla loro vita e morte in una parte mortale della storia umana. Come per ogni segmento in corso, La condizione umana si avvicina sempre di più al raggiungimento del suo omonimo e mentre la parte 2 non realizza questa ambizione, almeno ci prova. Più di quanto possiamo dire per la maggior parte dei film dell'epoca.

39. Heroic Purgatory (1970)

Immediatamente incomprensibile, espressivo e visivamente sconcertante: Purgatorio eroico è un perfetto primer per l'eccezionale filmografia di Yoshishige Yoshida. La sua estetica meravigliosamente aliena è spesso disorientante - ogni inquadratura piega il nostro rapporto con lo spazio, ogni taglio frammenta il tempo non dissimile dalla narrativa frenetica ispirata alla memoria di Alain Resnais - e in tutta onestà ne fa la trama di Purgatorio eroico in particolare veramente difficile sia da seguire che da capire. La sua tecnica di narrazione frammentata mette a dura prova ancora di più il desiderio del pubblico meno aperto di un'esperienza narrativa totalmente coesa, ma le delizie indefinibili che si trovano nel mondo deformato di Yoshida rendono giustizia al loro precedente su trame strettamente strutturate. Descrivere Purgatorio eroico sarebbe impossibile. Non raccomandarlo esclusivamente a causa della sua stessa impossibilità sarebbe un crimine.

38. Intentions of Murder (1964)

Il cupo trittico di Shohei Imamura Maiali e corazzate, intenzioni di omicidio e I pornografi ha raggiunto il suo punto morto incontrastato con un film che osserva con dettagli pericolosi la situazione di una donna che flirta tra una relazione degradante con il marito e una relazione afflitta con il suo stupratore. Il primo incontro di quest'ultimo e la scena che lo segue direttamente sono esempi meravigliosamente succinti di quanto possano essere sublimemente brutti i mondi di Imamura e di come il contatto umano possa spesso portare i suoi personaggi agli estremi che molti potrebbero tentare di screditare come inaccettabile. In verità, Intentions of Murder's Lo studio crudele ma onesto dell'oppressione e di una certa libertà malata attraverso l'espressione carnale riesce a riflettere un ritratto altrettanto accurato di ognuno di noi nella stessa situazione dei suoi migliori film.

37. Assassination (1964)

Il doppio anno di uscita di Masahiro Shinoda nel 1964 ha visto prevedibilmente due dei migliori film che il paese abbia mai prodotto, l'ultimo dei quali è stato Assassinio . Un fulgido esempio di comfort in scala, Assassinio tesse un dramma tematicamente non ambizioso che trae abbastanza dalla sua semplice storia da essere considerato tra i film più belli di questo elenco: meravigliosamente illuminato e fotografato come qualsiasi film della metà degli anni '60 con un'azione precisa e potente come ci si aspetterebbe dalle scuderie di Shinoda. È una mimica sottovalutata dello stato mentale mentre le voci selvagge sul bersaglio vengono annullate e represse tutt'intorno a formare una narrazione che si diletta nei suoi momenti di imprevedibile incomprensibilità - passando rapidamente dalla realtà al passato per lasciare sia il pubblico che diversi gruppi apprensivi di aspiranti. assassini sul filo del rasoio della vittoria trionfante e della sconfitta sicuramente mortale.

36. L'isola nuda (1960)

L'esame stoico di Kaneto Shindo di una tranquilla vita di campagna, The Naked Island, non contiene quasi nessun dialogo parlato, spostando l'attenzione interamente sulle sue immagini per raccontare la sua storia o, più accuratamente, per creare il suo sentimento. L'approccio iconoclastico di Shindo al cinema porta ad alcune immagini meravigliosamente risonanti in tutta la sua filmografia, ma mentre le immagini di Onibaba e Kuroneko migliorano la loro narrativa in piccole sacche di ispirazione visiva, The Naked Island è 96 minuti di fotografia essenziale. Si intreccia in un modo che farebbe arrossire Bergman, coltivando uno stato d'animo e permettendogli di sbocciare in qualcosa di universale e coinvolgente. La tranquillità e la tribolazione che la piccola famiglia di isolani di Kaneto deve affrontare ogni giorno, quasi come un inverso stranamente ottimista del cavallo di Torino di Béla Tarr. Ciò che manca nel potere schiacciante di quel film, Shindo si sviluppa invece in una celebrazione ritualistica della resistenza umana e della bellezza naturale che tale sforzo può conferire. Accattivante, illuminante e una piccola esperienza incredibilmente coinvolgente.

35. Branded to Kill (1967)

Se il già citato Sejiun Suzuki raggiungesse il suo apice stilistico con il 1966 Tokyo Drifter , un film così insultato dai suoi produttori che hanno condannato le sue immagini successive a budget più ristretti e hanno svuotato ogni possibilità che lui usasse il colore, quindi Branded to Kill sarebbe diventato il suo apice creativo e un perfetto esempio di arte attraverso le avversità. L'elettrizzante opera magnum dell'uomo, Branded to Kill segue un killer a contratto che tenta di illudere un assassino ancora più letale mentre si fa strada tra legioni di scagnozzi e una storia d'amore fulminante. È sempre affilato senza perdere la sua grinta, raggiunge provvisoriamente un territorio più ambizioso e riesce comunque a confezionare ambientazioni piene di cattivi senza volto per il nostro antieroe da abbattere a frotte. Branded to Kill's lo stile che riesce ancora a cercare un significato, indipendentemente dal risultato, è ciò che lo contraddistingue al di sopra del resto del branco.

34. The Sword of Doom (1966)

L'elegante pilot del maestro d'azione Kihachi Okamoto per una trilogia tristemente cancellata, The Sword of Doom è l'ultima catarsi cinematografica. È un'esibizione abilmente coreografata di diabolici giochi di spada mentre la leggenda principale Tatsuya Nakadai affronta Toshiro Mifune e un'orda infinita di scagnozzi senza nome, tutti decisi a dimostrare quanto possa essere letale l'arma titolare. Decine cadono davanti alla lama, in particolare nella scena finale irrisolta e gloriosamente spericolata del film, e mentre la devozione alla narrazione e al personaggio è tangenziale nella migliore delle ipotesi, l'atmosfera e la spavalderia registica evitano che diventi solo un altro film d'azione. Vale la pena vedere fino alla fine amara e sanguinosa.

33. Hausu (1977)

Il complimento più alto che qualcuno può fare per un film strano è che rimane strano. Molti di noi hanno soprannominato qualcosa di strano perché non siamo iniziati, solo per scoprire che la presunta stranezza impallidisce rispetto alle scoperte cinematografiche successive. Questa è la via del nostro percorso attraverso il cinema, poiché questo è un modo molto prolisso per affermarlo Hausu è totalmente mentale. Costantemente tormentato da una colonna sonora a volte ispirata, spesso stridente ma sempre folle e pieno di scene di studentesse che combattono angurie possedute, vengono mangiate da pianoforti assassini e scappano da un ghoulish fantasma infernale deciso a maledire ogni anima che varca la sua soglia. Fondamentalmente è Ju-On ma con l'autoconsapevolezza e la creatività vertiginosa per andare fino in fondo con lo stile da solo, rinunciando alla trama di sfondo dei miti che così spesso sfoggia storie di case stregate con una devozione assoluta per artifici vertiginosi. L'esperienza che ne deriva è un glorioso altoforno di divertimento.

32. Ikiru (1951)

Il tanto pubblicizzato ritratto della vecchiaia di Akira Kurosawa, Ikiru corre come un fedele parallelo al lavoro di Ozu sulle persone nei loro anni invernali, perdendo la sua direzione minimalista per il lavoro molto più diretto e intenso di Kurosawa. Il risultato è un pugno: diverse scene leccano con feedback cinetico esclusivamente attraverso la forza delle loro immagini e il silenzio o le onde sonore che le accompagnano. Penso che la voce di Kurosawa contribuisca poco di nuovo al canone eccezionalmente forte del cinema sull'invecchiamento e generalmente non riesce a raggiungere le vette rivelatrici di Fragole selvatiche o La vita e la morte del colonnello Blimp nonostante la loro relativa mancanza di immediatezza cinematografica, tuttavia niente di tutto ciò sminuisce la straordinaria risonanza del lavoro di AK qui.

31. Blind Beast (1969)

Un'incomparabile esplorazione di sensualità ed essenza fisica, Bestia cieca traccia la relazione tra un cieco e una donna che prende prigioniera, intrappolata in un labirinto laboriosamente progettato tappezzato di sculture di forma umana - con pareti ricoperte di occhi e labbra mentre il pavimento è retato da un inavigabile groviglio di arti. La surrealtà e le premesse intriganti non sono finestre su un terreno tematico veramente denso, anche se il regista Yasuzo Masumura riesce a esternare il rapporto tra lussuria e desiderio molto meglio del costante filo di lama del fallimento Nagisa Oshima così spesso scivola e si affetta. Per pezzi più contemplativi sulla sessualità, Yoshishige Yoshida è un artista essenziale, ma negare la visione del tutto unica di Masumura qui sarebbe criminale, indipendentemente dalla sua mancanza di sostanza. Invece, riempie il suo film di set meravigliosi e sentimenti dolorosi che feriscono i personaggi. Sul fronte stilistico, Bestia cieca assolutamente vola.

30. The Human Condition pt 3: A Soldier’s Prayer (1961)

La conclusione devastante e potente di Masakai Kobayashi alla sua trilogia di dieci ore, La condizione umana parte 3: la preghiera di un soldato funge da culmine di tutto ciò che Kobayashi ha sviluppato in tutto il mondo, parti uguali d'impatto e esagerate, come con gli altri pezzi. È un peccato che la serie non abbia mai superato del tutto la lunghezza floscia del libro, né l'umanesimo forzato che a volte può ostacolare la forma altrimenti forte del suo regista: Tuttavia senza questi momenti troncati non saremmo mai stati dotati di una travolgente collezione di meravigliosamente realizzati scene che avrebbero potuto fare da sole un capolavoro. La preghiera di un soldato non è più delicato dei suoi predecessori - tuttavia quel senso di fine incombe sul lavoro di Kobayashi come un'alba stanca - desideroso di affrontare il nuovo giorno con un rinnovato stock nell'industria cinematografica giapponese. Sia un imponente trionfo del cinema epico che, cosa più importante, quell'ultimo passo attraverso la porta della fama che ha offerto a Kobayashi la generosa libertà artistica per il decennio successivo. Il risultato è, come vedremo, più che degno di qualche ora di pratica & hellip;

29. Double Suicide (1969)

Un'esplorazione allarmante e inquietante del processo creativo, Doppio suicidio vede uno spettacolo di marionette di legno messo in scena con l'intenzione dei suoi due protagonisti che si concludono portati alla vita - con figure oscure che si aggirano per i palchi per progredire nella loro finta narrativa. Una storia febbrilmente spaventosa quando la facciata cade e i suoi burattinai da incubo eseguono le loro mosse successive, spesso trasformando i set insieme alla telecamera mobile di Masahiro Shinoda per formare un senso dello spazio orribilmente contorto. Al di fuori del suo poliedrico dispositivo artistico, la trama di Doppio suicidio è relativamente convenzionale e non riesce a trovare alcun terreno profondo, ma questo è forse ciò che assicura il suo successo: l'attenta ricerca di Shinoda nel proprio blocco creativo mentre le mani demoniache indiscreti tirano i bordi della sua visione per renderla più precisa, oltre a farla deragliare intenzioni interamente. Che si tratti di una rappresentazione delle sue lotte interiori o di una forza lavoro, il regista non riesce a coordinare - la duplice concezione di Doppio suicidio trascende la sua mediocre favola per un'esperienza cinematografica degna dei primi 50 e più che esemplare dei colossali talenti di Masahiro Shinoda come regista.

28. Ring (1998)

Considerando che il qualcosa di simile Ju-On soffoca sotto lo sforzo del suo tedio vacuo, Ringu 's il vuoto è la sua arma più letale. Il mare di silenzio filtrante del regista Hideo Nakata pervade e invade ogni scena che passa, evidenziando ogni rumore con l'intensità accresciuta di una persona alimentata dalla paura che pulsa di adrenalina, non importa quanto banale sia la scena. E quindi contatori di suoni importanti come lo squillo del telefono fendono il silenzio con ferocia senza compromessi. Non c'è scampo da L'anello in ogni angolo della tua mente. Non importa dove corri, non appena inizi il gioco, stai semplicemente prolungando l'inevitabile. Dopo tutto, cosa potrebbe esserci di più terrificante della morte confermata dalla nostra stessa ineludibile curiosità?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo's Kuroneko sembra un miraggio rovente di composizioni di film horror sparsi insieme per una visione perfettamente demoniaca di un incubo assoluto. Il complesso dilemma morale che ribolle sotto la superficie è una nuova interpretazione di quegli spiriti inarrestabili su cui i media horror giapponesi hanno puntato fin dall'inizio, forgiando una narrativa intrinseca che supera la ruvidezza del precedente di Shinoda Onibaba per formare qualcosa di speciale. È un'opera seducente ed esteticamente accattivante che colma il divario tra realtà e fantasia sinistra con un occhio decisamente compassionevole, nonostante la rabbia furiosa dei suoi soggetti. Non solo un film J-Horror definitivo, ma anche un classico del dramma mondiale alla fine degli anni Sessanta.

26 La città incantata (2001)

C'è poco in termini di animazione con cui possa competere pienamente La Città Incantata , almeno in senso creativo. Il film è sovraccarico di un mare straordinario di design unici e personaggi creati in modo memorabile che si muovono e parlano in modo espressivo come i protagonisti. L'universo dettagliato che Hayo Miyazaki è riuscito a creare, nella mia mente, supera di gran lunga la narrazione e il ritmo tipicamente strani del suo lavoro, non dissimili da Akira in quanto salta avanti e indietro in progressione a intervalli casuali per il bene di tirare fuori il materiale di un altro atto; nonostante il pericolo svogliato La Città Incantata si trova in fa per lo meno ci permette di immergerci nelle sue vivide creazioni per un po 'più a lungo.

25. Morte per impiccagione (1968)

In tutto questo elenco ho girato piccole osservazioni all'acclamata regista Nagisa Oshima e capisco l'infanzia di una tale posizione: Ma lo faccio solo perché questo regista genuinamente talentuoso è così spesso annegato in una produzione cinematografica ossessivamente iperessualizzata. La serie comparativamente conflittuale dei primi lavori di Imamura è efficace nel suo commento sottostante alle emozioni umane, ma con Oshima così poco è lasciato all'immaginazione, comincio a credere che non ci sia nulla dietro a un lavoro frustrantemente inetto. Cioè, ad eccezione della bizzarra e brillante morte per impiccagione del 1968. La storia di un esecutore che rifiuta di morire, Oshima usa la sua lente grossolana ma comunque percettiva per evidenziare una sfilza di questioni sociali, fallimenti governativi ed espressioni umane, il tutto avvolto in una commedia farsesca costantemente esilarante con una sicura consapevolezza di sé un regista altrettanto frequentemente fangoso come Oshima era sembrato in precedenza così lontano. Non prima o dopo è riuscito a eguagliare questo colpo ispirato alla pena di morte, il che è un peccato, ma almeno abbiamo avuto modo di vederlo librarsi in volo almeno una volta.

24. Un fuggitivo dal passato (1965)

Tomu Uchida's Un fuggitivo dal passato è, in una parola: eccezionale. I film sopravvissuti del suo regista abbastanza competente sono semplicemente incomparabili per il lavoro qui in mostra, parlando a una sorta di fulmine fortuito in una bottiglia mentre Uchida è stato dotato esattamente della storia giusta per mantenere la sua promessa di artista. Un fuggitivo dal passato esamina la violenza e il dolore autoinflitto in un modo in cui pochi film possono - misurando sia contro la sabbia del tempo mentre scorre verso il basso e più personaggi si avvicinano a fornire la punizione divina sul nostro protagonista - un personaggio unico e stimolante per tifare sia a favore che contro come cerca di sfuggire al sanguinoso percorso di violenza che ha scavato attraverso il Giappone nei suoi primi anni. trovo che Un fuggitivo dal passato è così singolarmente potente e forse anche profondo nella sua risoluzione che non dovrei dire altro che, ovviamente, vederlo il prima possibile.

23. Pitfall (1962)

Il sorprendente debutto di Hiroshi Teshigahara, Trappola fonde i generi con la sicurezza e la precisione di un maestro anziano, tanto meno di un regista che prima si era occupato solo di documentari. Anche se in qualche modo fatica a mantenere la sua storia avvincente per tutti i 97 minuti, cosa Trappola offre supera qualsiasi problema con la sua esecuzione narrativa. Giocare con la nostra percezione della realtà mescolando assassini, fantasmi e immagini surreali- Trappola è spesso terrificante poiché i suoi numerosi personaggi cercano disperatamente di respingere il loro inarrestabile aggressore: un normale uomo vestito con un abito bianco che brandisce un coltello a serramanico. L'umanità del macabro assassino di Teshigahara funge da primo di molti commenti sociali che le sue opere fanno solo per immagine, senza mai sacrificare tempo o credibilità per portare a casa un punto. Assente delle sue tendenze di sinistra, Trappola conserva il suo potere come un'esperienza cinematografica straziante: con diverse scene scioccanti che parlano della chiarezza e della maestria del metodo di Teshigahara mentre inietta anche i momenti più singolari con una vasta gamma di emozioni che danzano così liberamente l'una intorno all'altra - combaciando dall'umorismo all'orrore in un battito di cuore. Pochi debutti sono stati così meticolosamente consapevoli del percorso di carriera del loro maestro.

22. Tokyo Twilight (1957)

L'ultimo film in bianco e nero di Yasujiro Ozu, Tokyo Twilight's suona sia come un'elegia contestuale alle uscite monocromatiche dell'uomo, sia come forse la sua caratteristica più oscura. Il notevole spostamento di Ozu dalla sua regola a 360 gradi per sedere invece dietro i personaggi, i loro volti imbronciati sostituiti da una testa di capelli fredda e schiacciante è un magistrale allontanamento dal suo caratteristico blocco e composizione per un affare molto più cupo, uno che riflette il suo la difficile situazione dei giocatori chiave. Tokyo Twilight prende spunto dal noir di Hollywood con le sue ombre persistenti e le fasi fangose ​​e imperfette per creare un mondo cinematografico universalmente spietato e in definitiva senza scopo che colpisce nei suoi cupi paralleli emotivi con la nostra società, piuttosto che una distopia sproporzionata che avrebbe sicuramente perso il suo splendore nel tempo. Una gemma eccezionale e molto sottovalutata.

21. Eureka (2000)

Il film singolo più lungo in questa lista, S's Eureka si allunga per s- e sento che sarebbe imperdonabile divulgare una qualsiasi delle sue linee di trama. Anche per l'anno più ricco di recente memoria cinematografica, Eureka si colloca ancora tra i film più belli del 2000 - e in effetti del decennio nel suo insieme: un solenne, visivamente sorprendente e unico & hellip; giapponese ritratto di dolore. Solo in un paese del genere una tale sobrietà e un'affettuosa melanconia potevano essere abbinate a un flusso tattile di umorismo, leggerezza e inconsapevole assurdismo, il tutto intessuto in un pesante arazzo di emozioni umane che semplicemente deve essere visto. Non leggere nessuna sinossi- Non esaminarla- Guarda e basta Eureka .

20. La vendetta è mia (1979)

Il regista Shohei Imamura è una figura superlativa del cinema indecente. I suoi personaggi oscuri e danneggiati e le situazioni caricate dal confronto esprimono uno spudorato fascino per la corruttibilità dell'anima umana. Vengeance is Mine traspone il racconto di Ryūzūo Saki del serial killer Akira Nishiguchi nella vita reale con una sofisticazione straziante: presentare un essere umano profondamente violento, sociopatico e tuttavia inconfondibilmente reale con tutte le nostre idiosincrasie che fanno da rete al suo nido di distruzione amorale. Il ritmo di Imamura si scontra con il flusso, come da, ma trovo che in questo caso la storia garantisca una durata estesa e alla fine offra una risoluzione metafisica unica a un lavoro così brutale, invitando il vento e la terra stessa a esprimono il loro ultimo giudizio.

19. Yojimbo (1961)

Nel regno del cinema d'azione, i piccoli scatti alle nostre calcagna sono molto simili Yojimbo . L'uso accattivante del leitmotiv da parte di Kurosawa fa scattare una molla nel passo dei suoi personaggi e funziona anche per aumentare la tensione così come qualsiasi colonna sonora di Morricone. Le sequenze d'azione nitide sono in qualche modo smorzate dal design del suono schiaffo e dall'apprezzamento dello scherno del pubblico - qualcosa di simile La spada del destino e Assassinio non avere problemi con - ma ciò che offre in cambio è una presa costantemente comica sulla base di Red Harvest - Mifune che produce una performance classica che trasuda personalità fisica e arguzia, funzionando come la chiave di volta di quello che è senza dubbio il miglior straight-up film d'azione mai realizzato.

18. Audizione (1999)

Provino è un film con un controllo febbrilmente preciso del proprio tono. L'altrimenti incostante Takashi Miike si è fatto un nome grazie a una carriera prolifica e talvolta fruttuosa che ha dato vita a classici seminali come Visitatore Q e Occhio - ma poco del suo stile da regista trasmette esteriormente la sicurezza e l'acuta abilità necessarie per realizzare qualcosa di così audacemente contorto come Provino . Molto più maturo di qualsiasi suo lavoro circostante, l'opera di Miike esplora una semplice premessa con brutale efficienza: contaminare ogni tenero momento con una tavolozza deliziosamente cupa e un ritmo inquietante che pone ogni scena sul filo del rasoio di qualcosa che sta andando orribilmente storto. Provino rappresenta un picco ipnotizzante di quel comfort giapponese infinitamente ammirevole con la produzione di film di genere: svelare il suo enigma cristallino con un effetto scioccante trascendentale. Vedere è credere.

17. Ran (1985)

Il più famoso adattamento di Shakespeare di Kurosawa, se è uno che nella mia mente si arrende troppo alla sua ispirazione. King Lear è un pezzo di scrittura impeccabile, ma sullo schermo è in ritardo rispetto a una lenta macinatura che non riesce a riconquistare la straordinaria sensazione dei primi 85 minuti. Dall'inizio alla sequenza insondabilmente profonda dell'assedio- Corse è un capolavoro: una fetta di abilità cinematografica senza precedenti nell'opera più che impressionante di Kurosawa e senza dubbio una calzatura per la Top 10. Ma dopo questo accumulo e ricompensa magistralmente gestiti Kurosawa continua la storia di Re Lear in un modo che filtra lungo noioso, svogliato e piatto nonostante gli sforzi della perfida cattiva Lady Kaede. È un vero peccato che Corse sperpera così tanto potenziale, nella mia mente comunque, sulla fedeltà, ma per lo meno la fiamma incandescente della prima metà brucia abbastanza intensamente da assicurarsi il suo posto nella top 20.

16. Principessa Mononoke (1997)

Il fascino dark fantasy di Hayo Miyazaki non è mai stato particolarmente complesso. Qualsiasi film con un messaggio di solito non riesce a comunicarlo in modo sofisticato e, come ha detto bene Orson Welles: 'Potrebbe essere scritto sulla testa di uno spillo'. Il messaggio schietto e palese di Principessa Mononoke , tuttavia, suona un po 'più vero nel cuore che nella mente. La divisione attentamente costruita di Miyazaki tra uomini e mostri guida un confronto affascinante con il modo in cui gli antichi vedevano il nostro mondo e come l'inevitabile collasso delle loro civiltà potrebbe un giorno rispecchiare la nostra. La mistica e il misticismo dei suoi personaggi è il nucleo che permette Mononoke per trascendere le insidie ​​tradizionalmente insulse dei film di messaggi - per far scivolare la sua linea onnipresente senza una parola, ogni azione le dona gravità e, così facendo, rinforza l'impatto cinematografico di ciò che è sullo schermo. La relazione mutualistica qui in mostra parla del profondo talento di Hayo Miyazaki come regista e del fatto che il suo lavoro è più che un'abbagliante creatività scatenata.

15. Un pomeriggio d'autunno (1962)

Penso, per me da commentare Un pomeriggio d'autunno , sarebbe sprecare il fiato che ho già passato a esaminare il film che Ozu ha realizzato più di un decennio prima che egli effettivamente rifece qui per essere il suo film finale. Un pomeriggio d'autunno è altrettanto elegiaco, sottile e malinconico: riesce a far evolvere diversi concetti proposti nel primo film e ad ampliarli. Si allontana da alcuni elementi dell'originale per concentrarsi su altre idee, offrendo una rara opportunità per un grande artista di inserire profondità simili nello stesso stampo. Ozu avrebbe trascorso tutta la sua carriera realizzando film molto simili, riuscendo tuttavia a scavare ogni volta nuove aree di interazione umana, producendo alcuni dei più grandi film mai realizzati. Lasciandosi dietro un'eredità così venerabile, l'uomo avrebbe potuto concludere la sua corsa come voleva. Un pomeriggio d'autunno è il perfetto accostamento alla sua scintillante opera.

14. Throne of Blood (1957)

Un adattamento magistrale se mai ce ne fosse uno , Trono di sangue prende l'impareggiabile Macbeth di Shakespeare e forgia un testo artistico che sta da solo. La discesa controllata e devastante umana di Toshiro Mifune nella follia omicida rimane uno dei ruoli migliori dell'uomo e Kurosawa stesso aggiunge al suo film immagini eccezionali che sono quasi fuori luogo con un regista dissociato dalla pratica iconoclasta centralizzata. Eppure è l'immaginario di Trono di sangue questo lo rende così imponente. Così avvincente e soprannaturale. L'attacco culminante vede una delle migliori conclusioni sul personaggio mai tratte da un film e la consolida come un'opera d'arte che in qualche modo elude completamente l'ombra imponente del suo gioco genitore.

13. Tokyo Story (1953)

Parlando di punti di riferimento degli anni '50, ci sono pochi film che gestiscono così indomabilmente le tue aspirazioni di cineasta come Tokyo Story . Un picco scintillante della filmografia impeccabile di Yasujiro Ozu, sempre al suo meglio, è un film che esercita un linguaggio cinematografico disarmantemente semplice per ottenere effetti penetranti e intimi. Il pubblico si è seduto con i personaggi: silenziosi guardoni di una famiglia che sta lentamente escludendo la vecchia generazione gradualmente degradante dalle loro vite. Ozu dà voce a tutti i suoi personaggi, compone momenti di rivelazione eleganti e di forte impatto e muove la telecamera solo una volta per 136 minuti interi. Non esiste un film oggettivo 'migliore' o addirittura 'eccezionale', ma per quelli di voi che scelgono cosa guardare sulla base di tali siti, devo aggiungere che Tokyo Story è il lavoro più votato su Rotten Tomatoes, con un'incredibile media di 9,7 punti. È sufficiente dire che il suo sguardo paziente e riflessivo sulla vita e sull'età ha toccato moltissimo in modo incommensurabile e garantisce a chiunque legga questo elenco di provarlo da solo.

12. Fuochi nella pianura (1959)

Da Kon Ichikawa, forse la figura più avvincente umanistica del cinema giapponese del dopoguerra, Incendi nella pianura racconta la storia di un uomo perso in una battaglia persa nel calore della seconda guerra mondiale. È un film coraggioso nella sua solitudine, che descrive situazioni di guerra in un paesaggio vuoto, assente dalla vita e brulicante del vuoto del terrore, ogni angolo recante un'altra figura di Odissea destinata ad accompagnare o distruggere il nostro eroe stagionato. E, come per il poema epico di Omero, la presa di Ichikawa sul quadro più ampio crea un mondo densamente emotivo, in cui il nostro eroe è un pezzo di puzzle che viene spostato e motivato da generali lontani dalle linee del fronte. È un film che puzza nel suo isolamento, che manca di casa e spinto ad atti amorali dal terrore della sopravvivenza. Lavoro magistrale di una figura pittoresca ma nondimeno vitale dell'industria negli anni '50.

11. Samurai Rebellion (1967)

Un punto di forza fondamentale del dramma di Masakai Kobayashi è che gli permette di cuocere a fuoco lento, quasi fino al limite. Le sue composizioni meticolose e le azioni impeccabilmente tempestive circondano sempre più il conflitto centrale, comprimendo ogni centimetro di respiro fino a quando tutto ciò che resta è la necessità di agire, una risorsa fondamentale per gli ideali morali sempre presenti dei suoi personaggi. Nel Ribellione dei samurai , l'atto stesso è a portata di mano anche dopo aver letto il titolo, ma l'uomo ci gioca per ogni secondo - un pubblico pungente con piccoli fitte verso la prima spada che viene estratta prima di risolversi finalmente in una vicenda amara, brutale e alla fine sanguinosa che continua con lo spietato rigore Kobayashi se la cava così bene: un'incomparabile capacità sia di costruire l'inevitabilità terminale della situazione dei suoi personaggi sia di entrare in empatia con loro in ogni fase del percorso. È in Samurai Rebellion che questo umanesimo selettivo raggiunge le sue vette più suggestive e si sposa con il culmine della carriera di uno dei più grandi artisti giapponesi.

10. Eros + Massacre (1969)

Di tutti i registi della New Wave sinonimo di psicosessualità, nessuno ha mai eguagliato il labirinto elettrizzante della diabolica creatività di Yoshishige Yoshida. Al contrario, Oshima e Imamura si limitano a combattere gli stessi soggetti, uno più convincente dell'altro, con solo Kiju che riesce a perforare il punto cruciale della loro contemplazione esistenziale con una spavalderia sorprendentemente cinematografica. Da nessuna parte questa affascinante maestria della narrativa psicosessuale e dell'estetica che evoca è più abbondante che in Eros + Massacre , L'epica parabola Avant-Garde di 215 minuti di Yoshida, un'incomprensibile euforia di vista, suono e tocco palpabile ...

9. Il mio vicino Totoro (1988)

Brillante con la magia dell'infanzia, My Neighbor Totoro è un film infinitamente gioioso. L'ho scoperto solo alla fine all'età di 18 anni, ma la sua incredibile bellezza e capacità di meravigliami mi ha invitato di nuovo in una mente più giovane, o forse solo in una meno cinica. Il fardello spesso pesante dell'esperienza umana ci lascia o esigente evasione o desiderio di realismo continuo, ma ciò che Totoro fa che lo eleva al di sopra forse di qualsiasi altro film animato mai realizzato è completamente ignorare i desideri del suo pubblico e presentare una storia che invece ti permette di venire a allettante con il suo design visivo lussureggiante, i personaggi dinamici e la scoperta dei tesori nascosti della natura accanto ai suoi protagonisti. Piuttosto che fare appello al bambino che eravamo una volta, Totoro si permette di attingere a una più ampia sensazione di avventura e speranza investita nel mistero più profondo del nostro pianeta. La ricompensa per tale fede è un diamante scintillante di Japanimation: luminoso, universalmente commovente e assolutamente per eccellenza.

8. Il volto di un altro (1966)

Una misteriosa diagnosi epocale della vita moderna attraverso il mirino silenziosamente addestrato della fantasia oscura, il volto di un altro esplora l'esperienza di un uomo sfigurato dopo che il suo nuovo volto miracoloso inizia a sopraffare la sua vecchia personalità. Il lavoro di Teshigahara è sempre abbastanza sfumato da apparire a distanza di un braccio mentre artiglia silenziosamente il fondo con le sue dita scheletriche e il suo capolavoro del 1966 è quello che più si avvicina a rivelare la sua vera natura: portare le composizioni minacciose del regista e le crude immagini dell'orrore direttamente nella metropoli e guardare nella sua città abisso con la stessa visione distaccata che ha così vividamente portato in vita Travis Bickle in Taxi Driver un decennio dopo. Un lavoro per rivaleggiare con Persona ed eclipse Seconds nello stesso anno per la sua provocazione provocatoria di desiderio, personalità e identità - The Face of Another è un cinema vitale: un trionfo imponente del metodo e del lavoro di Teshigahara così strettamente avvolti nel suo impeccabile idee e atmosfera sarebbe criminale divulgare altri suoi segreti. Guarda tu stesso ...

7. Rashomon (1950)

Una delle mie porte d'accesso personali al cinema mondiale, quella di Akira Kurosawa Rashomon è diventato così parte integrante della cultura cinematografica che è stato introdotto il linguaggio per descrivere l'effetto psicologico che i suoi personaggi portano: ognuno di loro fornisce testimonianze contrastanti a un raccapricciante caso di stupro / omicidio. La vitalità di Kurosawa è in piena mostra, con tecniche di fotocamera pionieristiche come scattare direttamente al sole e velarlo attraverso un groviglio di fogliame in modo che ogni scena nella foresta fosse astratta come la sua controparte in tribunale. La semplicità disarmante di Rashomon's L'irresistibile gancio della trama lascia spazio a commenti sulla verità umana, la moralità e una ricca esperienza cinematografica con le famose dimostrazioni di Kurosawa di spada furiosa. C'è poco da aggiungere al dialogo che circonda Rashomon oltre a quello che continua a sentirsi decenni avanti rispetto ai suoi tempi. Si può solo immaginare la sensazione di andare a vedere in questo modo nel lontano 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri è forte quanto i film. Iniziando con un'inquadratura che colpisce quanto si possa immaginare, il regista Masakai Kobayashi crea un fenomeno che rimane uno dei film più universalmente elogiati di tutti i tempi: classifica tra i film con i punteggi più perfetti sulla stragrande maggioranza dei siti degli utenti, nonostante ciò che ho avuto per primo supponeva che l'appello stesse calando. È un'esplorazione meticolosamente paziente e subdolamente ispirata nel codice dell'onore giapponese, una ferita ancora sussultante nel dopoguerra del 1962 a cui Kobayashi si avvicina non solo come un connazionale, ma come un essere umano. Ogni goccia di sangue versata Harakiri parla dell'odio straziante dell'artista per la morte e la violenza: quasi come se gli provasse dolore mettere sullo schermo una tale brutalità. Nel mondo di oggi, una direzione così fermamente umana è divina da vedere e funziona come una chiave di volta per la conclusione del film. Senza la devozione di tutte le persone coinvolte, Harakiri sarebbe stato dimenticato come un altro dramma ingannevole, ben costruito ma per il resto umile. Harakiri si siede qui oggi perché Masakai Kobayashi si preoccupa più di quanto si possa immaginare e penso che, nella sua eleganza tagliente e beata, lo collochi tra i più grandi film degli anni '60.

5. Seven Samurai (1954)

Il film più acclamato mai uscito dal Giappone, Seven Samurai ha lasciato un segno indelebile sul mezzo e ha ancora radici nel cinema d'azione di oggi. Il climax multicamera inzuppato dalla pioggia di Kurosawa non eclissa del tutto la profondità profetica dell'assedio al castello di Ran, ma continua a influenzare il modo in cui mettiamo insieme sequenze d'azione, anche se gli editori contemporanei potrebbero non notare la sua influenza. Molto al di sopra del suo potere culturale duraturo si trova la caratterizzazione avvincente di Seven Samurai: la creazione di un intero mondo di personaggi ricchi aiutata enormemente dall'estensione del metodo meticoloso di Kurosawa anche alla parte più piccola per rendere la sua visione del Giappone feudale il più avvincente possibile. Questo crogiolo intrinsecamente artigianale di azione magistrale e narrazione luminosa si traduce in un pezzo di cinema seminale che colpisce, elettrizza e alla fine ci lascia con un finale di film coraggioso e potente come io abbia mai visto. Un punto fermo nel pantheon del cinema internazionale.

4. Pale Flower (1964)

Se non fosse stato per solo due parole sparse in un elenco dei grandi film giapponesi, il nome Masahiro Shinoda non sarebbe insinuato entro dieci piedi da questo elenco. Considerando i suoi contributi al grande cinema giapponese, è un vero peccato, e pensare che un simile capolavoro è quasi sfuggito alla ricerca significa dire qualcosa di quanti film là fuori chiedono di essere riscoperti. Lodato al momento del rilascio e tranquillamente rilasciato dalla Criterion Collection, Fiore pallido è uno dei più grandi film gialli di tutti i tempi. Guardare semplicemente un giocatore d'azzardo e il suo amore ritrovato cadere in una spirale di degrado e distacco alimentata dalla disperazione: rimane uno dei lavori più audaci e visionari per sfuggire alle labbra della New Wave giapponese: uno che è tagliente come un assassino. inquadrare uno alla fine e questo offre un effetto cinematografico altrettanto trascendentale di qualsiasi lavoro meno estremo di Ozu o Kurosawa. Shinoda non sarà mai considerato uno dei grandi, almeno dal pubblico in generale, ma spero che le persone siano spinte a scoprire il suo cinema da questo crogiolo di perfezione criminale: un'opera grezza e senza catene come i balli eccessivamente stimolati di controcultura eccessiva e allo stesso tempo profondamente delicati e controllati come qualsiasi film che abbia mai visto. È meticoloso, miracoloso e inconsapevolmente sottinteso. Risolvilo.

3. Woman in the Dunes (1964)

Se Kiju Yoshida e il suo Eros + Massacre è il paladino della psicosessualità artistica, allora Hiroshi Teshigahara Donna tra le dune è mitico al confronto. Trasposto dal celebre romanzo originale del collaboratore di lunga data Kōbō Abe, il metodo quasi malizioso di Teshigahara è qui sia nel modo più dispettoso che tortuoso. Le luci fioche dell'umanità repressa brillano attraverso le sabbie mobili che circondano i nostri due protagonisti: persone costrette allo stato più primordiale dell'essere per amore di una sopravvivenza amareggiata. Infatti in Donna tra le dune , resilienza è sottomissione. Niente è sacro. Nessun posto è al sicuro dagli occhi crudeli degli abitanti del villaggio quasi onniassenti che condannano i nostri eroi alla loro fossa infernale. È un concetto perfetto, eseguito in modo impeccabile in modo cinematografico da Hiroshi Teshigahara e che produce quella che ritengo sia la colonna sonora più efficace del leggendario compositore Toru Takemitsu. Riunendo tre artisti incredibilmente fiduciosi nella stessa vena di De Niro, Scorsese e Schrader Tassista - Donna tra le dune è la sua bestia, in parti uguali, umana e ineluttabilmente terrificante. Un'opera d'arte spaventosa ed essenziale.

2. Tarda primavera (1949)

Tarda primavera è una rivelazione della moderna monotonia: un esorcismo di demoni che questo luogo e questo tempo richiedono non solo di essere tenuti sotto chiave, ma anche nascosti come se non esistessero. Sebbene il desiderio doloroso di esprimere questi terrori non sia mai completamente sciolto, possiamo rilevare nell'angolo di ogni occhio, tra le parole di ogni riga e spesso ronzio silenziosamente al centro di ogni stanza. E così per un mondo così superficialmente saturo di sorrisi a trentadue denti e tenere melodie: quella di Ozu Tarda primavera Alberga anche un'atmosfera di totale disperazione: la paura che non saremo accettati, che ogni espressione possa portare alla sconfitta e quindi è meglio definire irrevocabile il percorso invece di correre il rischio e stare in mezzo ai binari. La sua pietra di paragone di ritorno delle generazioni in conflitto è il fulcro di La tarda primavera dramma gestito con cura, ma penso che qui, più di qualsiasi altro suo lavoro (o forse di qualsiasi film prodotto dai decenni circostanti): Ozu è riuscito a trovare un finale perfetto. Raggiungere una chiara sintesi dei tuoi temi e dei sentimenti dei tuoi personaggi non è un'impresa facile, ancora di più trovare un momento singolarmente sconvolgente come è nato qui, e quindi suggerisco a tutti nell'oscillazione di scrittura drammatica, regia, produzione o semplicemente bastoncini di interesse cinefilo Tarda primavera proprio in cima alla loro lista di controllo. Fidati di me: ti convincerà.

1. Alto e basso (1963)

High & Low è un'impresa cinematografica intrinsecamente impossibile. Si estende dopo un elemento sfuggente con un nucleo così conflittuale che sembra non ci sia nulla da trovare. In superficie manca il potere sfumato ma comunque travolgente di Seven Samurai, così come il lento inferno ardente che imperversa in un silenzio mortificante alla fine della tarda primavera. In verità, High & Low combina entrambi: camminare in modo così incerto tra la gente comune per paura di incorrere in più malattie, depravazione e dipendenza - a più avidità, gelosia e amoralità spietata intorno a quella melma senza fine dietro ogni angolo di strada. È un film terrorizzato da ciò che vede nella condizione umana, qualcosa che chiaramente fa male a Kurosawa da mettere sullo schermo - ed è la sua corrente fluttuante di auto-repressione creativa che assicura la sua venerabile importanza. High & Low ha l'audacia di confrontarsi con la crudeltà banale e senza speranza che si annida in tutti i nostri cuori, a quanto sia brutto e opprimente il mondo intero nella sua saturazione di self-service senz'anima. Forse, per aver finalmente voltato pagina e averlo riconosciuto, diventiamo persone migliori nel processo. Capire che va bene avere paura, purché si accetti la presenza dell'inspiegabile. L'irrepagabile. Che alla fine, l'unico conforto che potresti mai trovare è il perdono. Se hai intenzione di guardare un film in questa lista: fallo così.

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