100 migliori film di tutti i tempi
Alejandro Jodorowsky Prullansky, il famoso regista, poeta, drammaturgo e compositore di musica cileno-francese, una volta disse: 'Ho sempre pensato che, di tutte le arti, il cinema è l'arte più completa.' Sono d'accordo. In molti modi, il cinema in realtà è una fusione di tutte le altre importanti forme d'arte: pittura, scrittura e musica. Non può essere un caso che il cinema sia anche la più moderna delle forme d'arte. Dopo tutto, l'evoluzione di altre forme d'arte era necessaria affinché il cinema potesse nascere. Il fatto che rimanga la forma d'arte più popolare fin quasi dal momento in cui è nata, ti dice sia la sua forza che la sua debolezza: è facilmente accessibile e quindi più commercializzabile.
Con questo in mente, sono entusiasta di presentarvi l'elenco dei Cinemaholic's 100 migliori film di tutti i tempi . Prima di iniziare ad esplorare il nostro elenco dei 100 migliori film mai realizzati, ricordiamoci di nuovo che gli elenchi per loro natura non sono mai perfetti. Quindi, non pretendiamo che questo sia il Sacro Graal della lista dei migliori film in assoluto al mondo. Ma quello che posso assicurarti è che molte ricerche sono state necessarie per mettere insieme questo elenco. Sono stati presi in considerazione migliaia di titoli di film e ogni scelta finale è stata discussa. Sono sicuro che troverai molti dei tuoi film preferiti mancanti dalla lista. Mancano anche molti dei miei preferiti! Ma invece di sentirti frustrato, cogli l'occasione per vedere i film che non hai visto. Chissà, potresti finire per scoprire i tuoi nuovi preferiti!
100. Gli ombrelli di Cherbourg (1964)
Jacques Demy colora la sua opera romantica con una raffinatezza morbida e smodata che risulta un po 'hipster. Ma questo colore non è solo quello sui muri, sui vestiti e sugli ombrelli. È anche sulle guance di una giovane ragazza incredibilmente innamorata mentre attraversa la strada per salutare il suo amante e la sua assenza quando vediamo quel volto velato, la ragazza ora sposa di qualcun altro. C'è colore, anche, nel modo in cui le persone parlano, o per essere più precisi, cantano tra loro. Ma le loro conversazioni liriche non fanno rima come la maggior parte delle canzoni. Quando tutto, dalle professioni d'amore alle preoccupazioni per il denaro, è intriso di passione indistinguibile, non ti farebbe molto bene andare a pescare per rima o ragione. Mentre il film e tutte le sue rivelazioni melodiche, sostenute dalla musica ultraterrena di Michel Legrand, sono estremamente romantiche, tutte le decisioni che prendono i nostri personaggi sono, come ogni cosa nella vita, decisamente non così.
Per una trama così noiosamente nota, dopo averla vista essere la base di innumerevoli canzoni pop e soap opera, ogni fotogramma di 'Gli ombrelli di Cherbourg', pieno di malinconia, è fresco e affascinante, persino sconosciuto. Puoi attribuirlo a quanto sono genuine le emozioni e quanto è sincera la loro espressione. Operando su una scala umile come fa, 'Umbrellas' ti devasta con il più piccolo dei riflessi. Rimasi sbalordito da quanto potesse essere sostanziale l'impatto di due sedie vuote, una volta riempite dai due amanti. Nella delicatezza creata con affetto da Demy, marciamo in carnevali pieni di nastri e coriandoli, decoriamo alberi di Natale e ci scambiamo regali, nascondendo tutti i nostri sentimenti da qualche parte negli angoli dei nostri cuori, perché non importa quanto sia difficile sopportare l'assenza di qualcuno o il passato è dimenticare, tutto ciò che possiamo fare è vivere nella fantasia di oggi.
99. Trainspotting (1996)
È un po 'difficile spiegare ai cinefili come noi il fanatismo di 'Trainspotting'. È arrivato in un momento in cui la realtà della droga aveva appena iniziato a farsi strada. Si potrebbe dire che ha affascinato l'abuso di droga e, in una certa misura, è vero. Il fatto che ne è venuto fuori è stato il tentativo di Danny Boyle di mostrare gli alti e bassi dell'abuso di droghe, senza prendere posizione. 'Trainspotting' è un film cult che racconta la storia di quattro amici e del loro appuntamento con la dipendenza. Oltraggioso e bizzarro sono le uniche due parole per descriverlo. Un tossicodipendente che vuole essere pulito, solo per vacillare a ogni passo a causa del suo più profondo bisogno di sballarsi. Generosamente overdose di umorismo, il film cerca di sottolineare un fatto con assoluta serietà: nonostante i lussi che la vita offre, il giovane li nega con molta disinvoltura. E le ragioni? Non ci sono ragioni. 'Chi ha bisogno di ragioni quando hai l'eroina?'
98. The Graduate (1967)
Ah, i giorni della giovinezza! Spensierato e gioioso. Divertimento pieno di niente di cui preoccuparsi. Nessuna preoccupazione per il passato, che è stato lasciato indietro e nessuna preoccupazione per il futuro, che deve ancora venire. Benjamin Braddock ha condotto questa vita spensierata, dopo essersi laureato al college. E quando finalmente è tornato nella sua città natale, ha incontrato la signora Robinson. La fiamma di una relazione inizia a bruciare. La vita prende una piega subdola quando il giovane Ben scambia il sesso per compagnia. Diventa sottosopra, quando si innamora di sua figlia. Un film che stimola la riflessione, nelle vesti di una commedia, 'The Graduate' è uno dei film più divertenti di sempre. Interpretato da Dustin Hoffman, presenta l'iconica battuta: 'Signora Robinson, stai cercando di sedurmi?'
97. The Double Life of Veronique (1991)
Forse nessun altro regista ha capito le donne a una profondità emotiva così profonda come Krzysztof Kieslowski. L'uomo li adorava e lo mostrava con tale passione e intimità che non puoi fare a meno di sentirti innamorato del suo puro potere emotivo. 'La doppia vita di Veronique' potrebbe essere solo il suo più grande risultato artistico. Il film parla di una donna che inizia a sentire di non essere sola e che c'è una parte del suo vivere da qualche parte nel mondo in un'anima diversa. Veronique e Weronika sono le due donne identiche che non si conoscono e tuttavia condividono una connessione emotiva misteriosamente intima tra loro. La cinematografia altamente stilizzata di Slawomir Idziak dipinge il film con una sensazione teneramente malinconica che ti avvolge e non riesce a lasciarsi andare. Ci sono sentimenti ed emozioni che troviamo davvero difficile da tradurre a parole e il film dà vita a quei sentimenti inspiegabili di tristezza pensosa e solitudine. 'La doppia vita di Veronique' è una straordinaria opera d'arte che ritrae l'anima umana in tutte le sue belle fragilità e tenerezza.
96. Cinema Paradiso (1988)
Molte persone considerano il cinema un piacere, un'attività di svago, un divertimento che non ha alcuna conseguenza nella vita. Ma io, con un esercito di appassionati cinefili che mi sostengono con fervore, posso affermare con assoluta convinzione che il cinema è necessario alla vita come la vita lo è al cinema. E 'Cinema Paradiso' è un modo bellissimo, anche se ironico, per esprimere il mio punto di vista. Il regista di successo Salvatore, un giorno, torna a casa alla notizia della morte di Alfredo, sulla quale fa un flash nella sua città natale nella Sicilia degli anni '50. Il giovane e malizioso Salvatore (soprannominato Totò) scopre un amore duraturo per i film che lo attira al cinema di paese Cinema Paradiso, dove Alfredo è un proiezionista. Dopo aver preso in simpatia il ragazzo, il vecchio barbone diventa per lui una figura paterna mentre insegna meticolosamente a Toto le abilità che sarebbero il trampolino di lancio per il suo successo cinematografico.
Guardare Toto e Alfredo discutere di cinema con riverenza, e vedere Alfredo dare consigli sulla vita attraverso citazioni di film classici, è pura gioia. Attraverso la storia di formazione di Toto, 'Cinema Paradiso' fa luce sui cambiamenti nel cinema italiano e sul mercato morente del cinema tradizionale, montaggio e proiezione mentre esplora il sogno di un ragazzo di lasciare la sua piccola città per fare incursione nel mondo esterno. Uno dei migliori 'film sui film' che ci sia mai stato.
95. Qualcuno volò sul nido del cuculo (1975)
Una di quelle rare esperienze cinematografiche che ti fa provare una pletora di emozioni contemporaneamente. È divertente in alcune parti, edificante in alcune e sinceramente sconvolgente in altre. È anche una delle altre rare imprese nella narrazione semplicistica ed efficace, che racconta di Randle McMurphy, un criminale che nella speranza di sfuggire alla prigione, finge di essere malato di mente e si dichiara non colpevole per motivi di follia. Al suo arrivo in un istituto psichiatrico, si ribella contro l'autoritaria infermiera Rached (interpretata da una ferrea Louise Fletcher) in un classico scenario di ordine contro caos. Il film stabilisce che non c'è davvero nessuno migliore di Jack Nicholson stesso per interpretare personaggi con fascino e fascino in egual misura, ottenendo una meritata vittoria all'Oscar per la sua interpretazione nel film. Quello che inizia come un film duraturo e commovente, si intensifica fino a un finale tragico anche se promettente, dopo scene inquietanti che coinvolgono un suicidio e una terapia elettroconvulsiva sui pazienti. Il film, tuttavia, non lascia mai andare l'attenzione dello spettatore e il pathos per i personaggi sullo schermo, evocando emozioni autentiche e applauso per lo spirito umano che emana anche di fronte a un'autorità non corrisposta.
94. Pyaasa (1957)
Denso di idee sul cambiamento sociale e di commenti feroci sulla malizia e sugli stigmi della società in carica, 'Pyaasa' non solo incarnava l'età d'oro del cinema indiano, ma era anche un riflesso della stessa borghesia indiana. È un film che ha una sottile qualità su se stesso, dove tutte le verità sfacciate e le dure realtà della società stanno ribollendo sotto la superficie in attesa di essere esplorate ed estrapolate dal pubblico consapevole. 'Pyaasa' è un classico senza tempo non senza ragioni. Anche dopo 60 anni dalla sua pubblicazione, rimane rilevante nei tempi moderni, perché l'India continua ad essere afflitta dalle stesse maledizioni sociali - corruzione, misoginia, materialismo - che 'Pyaasa' affronta direttamente o indirettamente.
93. Modern Times (1936)
'Modern Times' è un film divertente con un messaggio potente. Portando i temi caratteristici di Chaplin di speranza e povertà, questa immagine si concentra sugli effetti negativi che le macchine e altre forme di progressi tecnologici hanno sulla gente comune, portando alla ribalta un operaio la cui vita attraversa molti colpi di scena mentre cerca di far fronte al nuovo mondo. Anche se lo slapstick è divertente da far scoppiare le lacrime, è tutto contenuto in un vaso di tristezza. 'Modern Times' utilizza elementi intelligenti e sottili per porre importanti domande filosofiche di tanto in tanto. Il climax è uno dei più toccanti in assoluto, coinvolge una triste forma di felicità e nessuna vera risposta o risoluzione. Questo film potrebbe benissimo essere l'opera meglio scritta di Chaplin, ed è sorprendente quanto siano rilevanti le idee qui presentate anche oggi. Avendo indubbiamente superato la prova del tempo, il percorso intrapreso da Modern Times per condividere i suoi pensieri è probabilmente l'aspetto migliore di questo trionfo cinematografico.
92. La sottile linea rossa (1998)
Terrence Malick Il ritorno al cinema dopo una pausa di 20 anni è stato segnato da questo dramma bellico meravigliosamente sbalorditivo che esplora, non la guerra, ma l'emozione di combattere la guerra. Il film è veramente di natura malickiana con più enfasi sulle immagini che sulla storia, permettendoti di immergerti nell'esperienza. Il genio del film sta nella visione di Malick di vedere la bellezza in qualcosa di oscuro e cruento come la guerra. Ci vuole un genio assoluto per trasformare qualcosa di così brutale e sanguinoso come la guerra in un'esperienza così ipnotica che trascende la realtà della guerra e invece ti lascia assorbire dalle emozioni dei suoi personaggi. È un'esperienza così coinvolgente che ti chiede di sentire gli esseri umani dietro pistole e bombe. Queste sono anime devastate proprio come noi, che desiderano un tocco delicato, che perdono il calore del respiro dei loro amanti e delle loro mogli pur avendo a che fare con la più brutta delle realtà lontane da loro. 'La sottile linea rossa' è semplicemente un'esperienza come nessun'altra; uno che deve essere visto, sentito e riflettuto.
91. Blade Runner (1982)
Il Final Cut di 'Blade Runner' di Ridley Scott, credo sia il più grande film distopico mai realizzato. Sebbene Metropolis sia una scelta discutibile, si devono osservare le immagini non autentiche associate al cinema espressionista tedesco. 'Blade Runner', d'altra parte, è più che perfetto per costruire un mondo che soffre di disuguaglianza finanziaria, boom demografico, carenza di qualcosa di naturale perché qui non ci si può fidare nemmeno della carne. L'illuminazione scintillante è contestualmente naturale, perché è un mondo elettronico e Jordan Cronenweth la usa in modo simile agli oggetti illuminanti di tutti i giorni nei film noir. Anche se potrebbe non porre domande di vasta portata come 'Odissea nello spazio', ma ci fa chiedere se 'gli androidi sognano pecore elettriche'.
90. Fargo (1996)
Violento, divertente, caldo e brutalmente intenso, 'Fargo' è uno dei migliori film americani degli anni '90 e uno dei più grandi drammi polizieschi mai realizzati. Il film parla di un uomo che assume due uomini per rapire sua moglie ed estorcere denaro al suo ricco suocero. Il brillante uso dell'umorismo oscuro di Coen Brothers pervade il film con un'aria di calore che conferisce un tono molto particolare al film. È questa magistrale miscela di commedia, dramma e violenza che rende 'Fargo' un'esperienza cinematografica così memorabile. Quella splendida inquadratura iniziale di un Minnesota pieno di neve, meravigliosamente complimentata da una colonna sonora inquietante dà il tono al film e stabilisce un senso di profonda tristezza che si trova sotto la violenza e l'umorismo di cui è ricco il film. Frances McDormand è chiaramente la star del film e ruba la scena, interpretando un capo della polizia incinta coinvolto in un mondo di male e brutalità ma riesce a trovare luce e speranza. 'Fargo' è un pezzo di puro cinema avvincente, emotivamente crudo, brutalmente intenso, accattivante e dolorosamente realistico.
89. Eraserhead (1977)
'Eraserhead' è un libro di testo sull'orrore atmosferico. Raccontando la storia di un uomo con strani capelli che cerca di crescere da solo una sorta di famiglia, questo film si trasforma sempre più in un incubo surreale ogni minuto che passa. Usando il suono e i primi piani per offrire un senso di paura claustrofobica e allineandolo a una trama che ha poco senso al primo sguardo, il debutto di David Lynch si rivela uno dei migliori del regista principale, il che di per sé è un elogio. Quello che fa 'Eraserhead' è creare un mondo distopico - disseminato di orribili edifici e congegni meccanici immersi in un vizioso bianco e nero - e lanciarvi dentro personaggi che sono più o meno confusi da ciò che li circonda. Mentre capire il 'significato' di questa immagine è quasi impossibile, bisogna rendersi conto che questa non è mai l'intenzione. 'Eraserhead' pone nella mente del suo pubblico una sensazione di assoluto disagio, utilizzando sia la sua grafica che lo stile surreale, e trova un modo per manipolare i loro pensieri. Solo una manciata di immagini sono così ben strutturate ma innegabilmente minacciose come questa, ed è qualcosa che solo qualcuno come Lynch potrebbe ottenere.
88. Boyhood (2014)
'Boyhood' è un affettuoso ricordo degli anni passati di gioia disinibita, ottimismo incrollabile e spumeggiante innocenza. Si basa sul derivare bellezza, gioia ed emozione dalla vita ordinaria delle persone e non da un atto drammatico (pane e burro per la maggior parte dei film). È affascinante vedere come di scena in scena, non solo ci siano cambiamenti nella fisicità dei personaggi, ma noterai anche la trasformazione nella loro moda, acconciatura, gusto musicale e, in generale, prospettive sulla vita. La 'fanciullezza', come fanno pochissimi film, trascende i confini del cinema e diventa una piccola parte della nostra stessa esistenza ed esperienza. Linklater ci ricorda ancora una volta perché è il migliore nel mondo degli affari quando si tratta di raccontare storie semplici su persone comuni.
87. Days of Heaven (1978)
L'evoluzione di Terrence Malick in un visionario cinematografico autorevole e completamente controllato è una delle cose più grandi che siano mai successe al cinema americano. È chiaro dai suoi primi lavori che voleva disperatamente saltare fuori dai confini convenzionali del cinema. Film come 'Badlands' e 'Days of Heaven' avevano una narrativa apparentemente semplice, ma questi erano film che cercavano di essere qualcosa di più. Qualcosa di più di una semplice storia. Un'esperienza. 'Days of Heaven' raggiunge questo obiettivo in modo più brillante di 'Badlands'. Molte persone hanno spesso criticato il film per la sua trama debole. Non potrei dire che abbiano completamente torto, ma la storia, comunque, non è l'aspetto più importante di un film. Ciò che Malick fa qui è usare la visualità del cinema che pone l'accento sull'umore della storia piuttosto che sulla storia stessa. Le sue intenzioni non sono di renderti emotivo usando la situazione dei personaggi, ma di farti osservare, sentire la bellezza dei paesaggi e la fragranza del suo luogo. E creare questo tipo di esperienza visceralmente commovente è a dir poco un miracolo.
86. Grave of the Fireflies (1988)
Un film commovente e toccante che è alla pari sotto ogni aspetto a cui puoi pensare, con gli altri film d'azione dal vivo che mettono in risalto il bottino di guerra. Questo film d'animazione giapponese incentrato sugli orrori della seconda guerra mondiale concentrandosi sulle vite di una coppia di fratelli, mi ha spezzato il cuore in un modo che nessun altro film è riuscito a fare, e ha continuato a calpestare i pezzi fino alla fine. Essendo un film di guerra, fa miracoli anche sul fronte umano, realizzando e sviluppando magnificamente il tenero rapporto tra Seita e Setsuko di fronte alle avversità della Seconda Guerra Mondiale. Il messaggio è forte e chiaro. Nessuna guerra è veramente vinta, e tutta la gloria che comporta vittorie è anche accompagnata da lamenti di vite innocenti distrutte nella guerra. Applaudirei il film per non essere stato apertamente manipolativo emotivamente nel farci tifare per i suoi personaggi; ma non commettere errori, il suo punto di vista potente e intransigente sulla guerra e le travestimenti subiti dalla coppia di fratelli ti ridurranno in un pasticcio singhiozzante. È COSÌ triste. Detto questo, non c'è altro modo per farlo. È la perfezione, nella sua forma più straziante.
85. Manhattan (1979)
Il romanticismo nei film di Woody Allen si è sempre sentito dolorosamente sincero e deprimentemente realistico nonostante il senso dell'umorismo deliziosamente toccante con cui li avvolge. Mentre 'Annie Hall' rimane il suo film più audace, 'Manhattan' si presenta come un'opera più matura, artisticamente. Il film vede Allen nei panni di un newyorkese annoiato e confuso, divorziato da poco, che esce con una liceale ma finisce per innamorarsi dell'amante del suo migliore amico. Allen ha leggermente attenuato l'umorismo di questo film per farci sentire veramente la tristezza che avvolge i suoi personaggi, il che lo rende un'esperienza così emotivamente drenante. È solo un ritratto profondamente toccante di relazioni instabili e di esseri umani imperfetti che lottano con se stessi e la loro esistenza, alla disperata ricerca di una felicità che non avrebbero mai riconosciuto e raggiunto. Ed è questa realizzazione dolcemente delicata e toccante della condizione umana che rende 'Manhattan' un film così potente.
84. Marketa Lazarova (1967)
L'incorporeo paesaggio onirico dell'icona ceca Franti & scaron; ek Vláčil, Marketa Lazarová, è semplicemente una delle opere d'arte più incredibili uscite dalle 20thSecolo. Il suo approccio d'avanguardia al linguaggio cinematografico si adatta a malapena ai confini di quella frase spesso dannosa, perché è qualcosa di più. Una straordinaria fusione di vista e suono, libera da convenzioni, strutture o qualsiasi regola scritta che i ribelli studiosi di cinema hanno schiaffeggiato la forma del film nel corso degli anni. In confronto, tutto il resto sembra così strettamente controllato, così innaturale e artificioso nell'esecuzione. Marketa Lazarová è cruda, viscerale e sorprendentemente dinamica. In breve: è gratuito - un vero apice delle possibilità di esplorare ogni mezzo cinematografico. Per questo, si trova tra i migliori film mai realizzati.
83. Singin ’In The Rain (1952)
Singin ’In The Rain è il musical più emblematico dell'Età d'Oro di Hollywood. È impossibile dimenticare l'immagine di Gene Kelly che balla davanti al lampione, quando parliamo dei momenti splendenti del cinema. Il film non solo celebra deliziosamente la propria competenza, ma anche il passaggio del cinema dall'essere un mezzo visivo a uno risonante e stimolante. Un risultato monumentale nel cinema Technicolor, il lavoro di regista di Kelly è stato inizialmente scartato in modo divertente da critica e pubblico. Credo che l'importanza di questo classico diventi sempre più forte di giorno in giorno, poiché il divario tra i periodi di tempo coperti dal film (vita reale e filmata) e il presente cresce sempre più. Stiamo perdendo il contatto con un'epoca importante e questo film ti riempie di nostalgia.
82. Non guardare ora (1973)
È molto difficile trovare un'opera d'arte visiva che sia ipnotica come 'Dont Look Now' di Nicolas Roeg. Per molti versi questo capolavoro è come l'orribile nano alla fine. È splendidamente avvolto in una colorazione estatica, ma ospita la parte peggiore della vita: la morte. Non importa quanto sia efficace il personaggio di Sutherland, credo che questo sia un film guidato dalle emozioni, poiché Roeg pone la ricerca dell'amore perduto su una storia conclusiva. La fondazione gotica è un potentissimo espediente per esclamare l'importanza dei legami su cui si basa, quello dell'amore paterno e familiare, oltre che nel dare una forma vaga ai fantasmi che infestano il protagonista. 'Alcuni posti sono come le persone, alcuni brillano e altri no'.
81. Fight Club (1999)
Ogni tanto arriva un'opera d'arte che definisce la psiche di una generazione. Per quanto riguarda il cinema, gli anni '50 avevano 'Rebel Without A Cause', gli anni '60 avevano 'The Graduate' e gli anni '70 avevano 'American Graffiti'. E anche due decenni dopo, 'Fight Club' si adatta all'etica cupa, scontenta e anti-establishment della nostra generazione come un guanto. Come tanti grandi film, 'Fight Club' è molto divisivo e può essere interpretato filosoficamente in molti modi distinti: alcuni lo trovano per definire la virilità contemporanea, mentre altri pensano che glorifichi la violenza e il nichilismo.
Essenzialmente un thriller, il film è raccontato dal punto di vista di un protagonista senza nome che soffre di insonnia e scontento del suo lavoro monotono che incontra un impetuoso produttore di sapone di nome Tyler Durden. Durden e il protagonista iniziano presto un 'Fight Club' clandestino come un modo per i membri scontenti della società di sfogare la loro rabbia. Ma presto i piani di Tyler e le relazioni del narratore sfuggono al suo controllo, portando a un climax esplosivo (letteralmente!)
Insieme all'atteggiamento diabolico che si propaga, 'Fight Club' è anche un segno distintivo di una certa regia della leggenda contemporanea David Fincher. La tavolozza dei colori cupa, il montaggio nitido e il lavoro di ripresa brillante hanno ispirato un'orda di thriller oscuri che seguono il film. Un film spartiacque degli anni '90.
80. Before Sunset (2004)
Ecco la verità sull'evoluzione umana che nessuno ti dirà: l'umanità presto perderà l'arte della conversazione. I progressi tecnologici hanno un grande effetto collaterale: le persone sono sempre meno interessate a realizzare conversazioni reali, perché hanno la tecnologia dietro cui nascondersi. Ed è proprio per questo che la serie Before resisterà per i decenni a venire. Una serie di film che parlano di due persone impegnate in una vera conversazione sono una rarità anche per questa generazione. In futuro, tali film non verranno affatto realizzati. Ecco perché le generazioni future guarderanno indietro alla trilogia di Before con soggezione e meraviglia. E non sarei sorpreso se la trilogia trovasse il suo meritato posto non solo nella storia del cinema, ma anche nella biblioteca di ogni scuola di cinema.
Tra i tre film di Before, 'Before Sunset' spicca perché è il più straziante. Un film che tratta intrinsecamente del desiderio umano più forte: il desiderio di stare con qualcuno con cui potresti passare il resto della tua vita. Se guardi da vicino, 'Before Sunset', alla fine, diventa uno specchio, guardandoti dentro, puoi giudicare le tue relazioni: dove hai sbagliato? Chi era effettivamente 'quello' per te? Quali opportunità ti sei perso? Cosa avrebbe potuto essere? È uno dei film più rari in cui la tua esperienza nella vita arricchirà e nutrirà la tua esperienza con il film.
79. The Matrix (1999)
Un'idea geniale e intelligente resa sullo schermo dai Wachowski, che ha portato a un film che ha reso molti spettatori diffidenti nei confronti della realtà in cui si sono trovati. È vero, una volta che 'The Matrix' è stato realizzato, non si poteva tornare indietro, è cambiato cose. Non solo il film ha aperto nuovi orizzonti nella sua storia, ma ha anche rivoluzionato il modo in cui sono stati concepiti i film di fantascienza e d'azione. Il successo di 'Matrix' come film risiede anche nel modo in cui si diletta magistralmente tra temi come la filosofia, l'esistenzialismo e persino la religione, per tutto il tempo indossando le sembianze di un film d'azione e di fantascienza. La capacità di Neo di manipolare la realtà simulata per eseguire imprese apparentemente impossibili e l'uso del 'bullet time', una tecnica di azione che ora è a dir poco iconica, aggiunge all'ingegnosità del film. Il genere potrebbe essere troppo imbottito ora, ma quando è uscito per la prima volta, è sicuro che il pubblico non aveva visto niente di simile.
78. Il settimo continente (1989)
Definire 'Il settimo continente' di Michael Haneke un film dell'orrore mi sembra molto sbagliato, ma è così che viene definito dalla maggior parte delle persone che lo hanno visto. È difficile discutere con loro, perché la visione di questo film lascia una sensazione di disperazione, depressione e paura. Avendo a che fare con una famiglia che odia il mondo e la vita in generale, questo classico del 1989 assume una posizione fredda e distante per isolare ulteriormente i tre giocatori dal resto della società, il che lentamente ma inesorabilmente fa sì che il pubblico si senta profondamente per loro come loro l'esistenza prende una svolta oscura. Essendo uno dei film più inquietanti mai apparsi sul grande schermo, il pezzo d'esordio di Haneke schernisce lo spettatore e non lo lascia mai andare. Se il pubblico lo chiama un film dell'orrore, lo fa riferendosi a un film di paura che è diverso da qualsiasi altro. Coperto di ambiguità e realismo, Il settimo continente è una rivisitazione personale, intima e terrificante di una storia vera che ti lascia in silenzio, perché per almeno un paio di minuti dopo che è finita, diventi incapace di pronunciare una sola parola.
77. Zodiac (2007)
'Zodiac' non è il tuo thriller convenzionale; è lento e si concentra più sull'umore e sui personaggi che sulla trama. C'è un'aura che David Fincher crea così tanto che puoi sentire l'atmosfera del film nelle tue ossa. Non è un film che ti lascerà felice quando finirà. È anche un film in cui il cattivo vince, i buoni perdono. Ed è per questo che è così buono. Non solo buono, ma un capolavoro moderno. Quando un film riesce a farti tremare per due ore e mezza e ti lascia a pensare per giorni, deve avere molte cose giuste che i thriller di routine non ce l'hanno. A mio parere, 'Zodiac' è il miglior film di Fincher, dove lui, con la sua disciplina e gamma di abilità, mostra perché a volte 'meno è meglio'.
76. Magnolia (1999)
'Magnolia' è senza dubbio di gran lunga il lavoro più personale di Paul Thomas Anderson. L'atmosfera isterica che Anderson infonde nel film porta una certa fluidità emotiva al melodramma che è così incredibilmente avvincente e catartico nella sua energia. Il film si svolge interamente nella San Fernando Valley con vari personaggi interconnessi che attraversano fasi diverse della loro vita, lottando per affrontare i propri demoni interiori e conflitti emotivi. Anderson ama queste persone, le conosce e le capisce, ma le presenta senza scusarsi chi sono; esseri umani completamente nudi, crudi e puri, che affrontano e superano le loro paure e fragilità più profonde. Ciò che rende 'Magnolia' così speciale è che è un film che racconta così tanto del suo regista. Ci viene data una sbirciatina nella vita di Anderson, il posto a cui appartiene e le persone nella sua vita. C'è così tanto di Anderson in tutto il film. Un film come 'Magnolia', se fosse stato diretto da qualsiasi altro regista, sarebbe sembrato datato e sarebbe sembrato più o meno un prodotto del suo tempo, ma con Anderson non fa che aumentare il fascino del film.
75. Rosemary’s Baby (1968)
'Rosemary’s Baby' è un'opera d'arte oscura e contorta che gioca con l'innocenza per creare un senso di orrore. Avendo a che fare con una donna che ha avuto complicazioni durante la gravidanza, il film prende una strada completamente nuova con la sua trama, consentendo agli elementi rituali di svolgere un ruolo importante. C'è così tanto di questo film da amare, a partire dai personaggi ben scritti fino all'ambiente distante e minaccioso che circonda ogni incidente che si verifica. C'è sempre una sensazione di tensione in tutto il film, e questo è in parte grazie alla cinematografia silenziosa e persistente eseguita con lo stile registico di Polanski. Mia Farrow offre qui la migliore interpretazione della carriera come Rosemary Woodhouse, una donna che diventa più debole mentre lotta con i dolori che derivano dal portare un bambino. Nel complesso, l'atmosfera catturata da questo film è eguagliata da pochi altri, e il modo in cui penetra nella tua pelle è davvero qualcos'altro.
74. Il buono, il brutto e il cattivo (1966)
Personaggi affascinanti interpretati da attori leggendari, azione di pistolero sfrenata e brutale, musica coinvolgente e cinematografia intensa: la terza parte della trilogia dei 'dollari', che si dice sia la nascita degli spaghetti western, è il cinema indulgente, accattivante e divertente. Blondie or No Name (The Good), un pistolero professionista e Tuco (The Ugly), un fuorilegge ricercato, formano un'alleanza riluttante quando scoprono un dettaglio importante su una scorta d'oro nascosta da un fuggitivo confederato. che Angel Eyes (The Bad), un sicario, è incaricato di uccidere. Il viaggio del trio costituisce il punto cruciale di una trama avvincente che termina con uno sguardo fisso in stile western classico. Clint Eastwood nei panni di Blondie è l'immagine del machismo, Lee Van Cleef nei panni di Angel Eyes è la personificazione del male ed Eli Wallach nei panni di Tuco aggiunge una complessità del personaggio di impulso e rabbia agli atti più semplici ma più appariscenti Good Vs Evil delle due star più grandi. Ma le redini sono per sempre il regista nelle mani di Sergio Leone: usa ampi scatti lunghi e un'intensa cinematografia ravvicinata come richiesto per creare tensione nel procedimento. Un film che definisce il genere Quentin Tarantino, uno dei massimi esponenti del western moderno, un tempo chiamato 'Il film più diretto al mondo'.
73. The Travelling Players (1975)
Per troppo tempo, l'epopea intima e delicatamente assemblata di Theo Angelopoulos era nota a pochi appassionati di cinema e, forse, apprezzata anche da meno. La sua maestosa e graduale erezione di un monumento cinematografico al nostro rapporto esoterico e criptico con il tempo è comprensibilmente, non per tutti. Ma per i curiosi tra noi, è noto per fornire conforto, dare saggezza e dono una percezione che aiuta a trovare costanti a cui aggrapparsi in questo mondo universalmente e crudelmente dinamico. Tra le molte cose che questo film riesce a fare, c'è la sua comprensione incontaminata delle rivelazioni nel racconto di 'Oreste'. La mitologia associata alla figura tragica è catturata con un'umiltà che intorpidisce la mente e tuttavia, il film riesce a trasportarci attraverso la sua visione flessibile in una visione malinconica e persistente della Grecia della metà del XX secolo. La sua eleganza temporale giustifica la visione della storia stando accanto alla troupe: dall'esterno verso l'interno. Tendi sia a percepirne l'asprezza che a riflettere sulla sua creazione. È una rara lezione di storia antifascista perché non ci dice mai cosa pensare. Ci mostra solo cosa provare. Angelopoulos e il direttore della fotografia Giorgos Arvanitis ci collocano in luoghi mozzafiato e li lavano via con la devastante cattiveria del periodo. 'The Travelling Players' è una gemma umile e rara che sembra essere stata salvata da strade piene di tumulti e sopravvissuta alla fame. In termini più semplici, non ce lo meritiamo.
72. Cache (2005)
Michael Haneke è spesso accusato di aver sempre a che fare con narrazioni cupe. Questa caratterizzazione è completamente ingiusta perché ciò che fa essenzialmente è fornire intuizioni umane nell'oscurità che ci avvolge tutti, come le nostre percezioni imperfette conducono a un isolamento agonizzante e come le nostre delusioni riducono le nostre possibilità di superare detto isolamento. 'Caché' non è solo un documento enorme e bruciante che indica la malvagità del massacro della Senna del 1961 e la nostra disumanità come società, ma anche uno studio del carattere poeticamente universale. Georges, il nostro protagonista, percepisce la vita e la sua presenza come un essere sociale in un distorto senso di gioia. Scappa dalla comodità di fidarsi e comunicare con gli altri. Apprezza la sua alienazione, proprio come allontana tanti che lo tengono così a cuore. Con questo, Haneke prende in giro la generazione che desidera essere lasciata sola. La sua macchina fotografica a volte è insolitamente distante, proprio come molti di noi lo sono in relazione a ciò che ci circonda. Ma sotto il suo controllo, dobbiamo affrontare la nostra indecenza, la nostra sconsideratezza, la nostra realtà. Uno dei pezzi di cinema più impegnativi che tu abbia mai visto.
71. Spirit of the Beehive (1973)
Il maestro spagnolo Victor Erice ha realizzato solo tre lungometraggi prima di andare in pensione. Ancora vivo oggi, i suoi film come El Sur, Quince 'Tree of the Sun' e soprattutto Spirit of the Beehive, il suo indefinibile debutto, fanno desiderare a tutti che stesse ancora facendo film. Un racconto parabilico di due bambini, uno che esplora la sua esistenza con un fascino innocente e spesso sconcertante e l'altro ossessionato dal film 'Frankenstein' che viene proiettato nel loro teatro locale. Il suo ritratto mistificante del cuore della Spagna è lasciato in allettante ambiguità dalla direzione tipicamente neutra di Erice, che raramente si avventura nel metodo cinematografico a favore dell'osservazione silenziosa. Il lavoro che ne risulta è sconcertante, avvincente e ti lascerà interrogativo sull'enigma intrinseco della vita stessa: le sue domande senza risposta, i suoi grandi misteri e la loro sconcertante inattaccabilità. Per lasciarti completamente devastato o incomparabilmente commosso, non c'è dubbio che uno dei due estremi 'Spirit of the Beehive' sarà un'esperienza importante.
70. Tutti gli uomini del presidente (1976)
Watergate. Una parola che ha abbassato il sipario sulla presidenza di Richard Nixon e ha fatto capire alla gente che anche una persona della statura del presidente può abbassarsi il più possibile per portare a termine le sue cose. Mentre gli amici del presidente erano impegnati a ripulire il casino che aveva creato, c'erano due giornalisti che ne avevano sentito l'odore. Nonostante le minacce incombenti, hanno lavorato instancabilmente, perseguito anche il più piccolo degli indizi e, a volte, si sono messi in pericolo nel processo per portare i fatti alla gente. Basato sull'omonimo libro, scritto dai giornalisti Bob Woodward e Carl Bernstein, 'All the President’s Men' è un'osservazione astuta di ciò che dovrebbe essere il vero giornalismo. Diretto da Alan J Pakula, questo film è stato nominato per otto premi dell'Accademia, vincendone tre e incidentalmente perdendo il miglior film a favore di 'Rocky'.
69. Army of Shadows (1969)
Penso che un ottimo punto di paragone da fare per i nuovi arrivati al lavoro di Jean-Pierre Melville sia quello di Stanley Kubrick. Entrambi praticano un'estrema precisione tecnica ed emanano assoluta fiducia in ogni bobina di lavoro che svolgono durante carriere lunghe e creativamente redditizie. Detto questo, una lamentela a buon mercato ma impegnativa che chiunque può presentare al regista americano è la sua 'senz'anima'. Un posto vacante di espressione umana. Questo non è il caso di Melville. In 'Army of Shadows', i personaggi di Melville bruciano di un'amara scintilla alimentata dalla disperazione che fa trasudare ogni loro azione con l'umanità. Nel mondo mortale del movimento della Resistenza in tempo di guerra, una mossa falsa può portare alla distruzione totale ed è con la grazia e il controllo virtuosistico sopra menzionati sul suo cinema che Melville cuce i semi di un mondo completamente credibile e convincentemente morto. 'Army of Shadows' è uno dei lavori più tranquilli, intriganti e monumentali usciti dal cinema francese e perdere un classico così criminalmente trascurato significherebbe farti un grave disservizio.
68. The Shining (1980)
Con il suo adattamento del classico di Stephen King, Stanley Kubrick ha creato nel 1980 un film che ha ridefinito il genere horror. Qui, non è solo la storia oi personaggi che temono la nascita. L'ambiente e il modo in cui è stato girato aiutano meravigliosamente a permettere alla tensione che intorpidisce la mente di penetrare nelle menti del pubblico. Il film segue Jack Torrence, un custode appena nominato all'Overlook Hotel, e la sua famiglia mentre trascorrono un periodo di completo isolamento nel misterioso edificio. Attraverso prestazioni straordinarie e un eccellente lavoro di ripresa, Kubrick si assicura che i contenuti del film penetrino in profondità nel nostro subconscio. Il modo in cui manipola il suono e l'atmosfera è assolutamente incredibile e crea per due ore e mezza indimenticabili e agghiaccianti. Il mondo di 'Shining' è meravigliosamente scuro, ti afferra saldamente per il colletto durante tutto il suo terzo atto mozzafiato.
67. Chinatown (1974)
Ci sono film noir e neo-noir e proprio tra quei due, siede Jake Gittes, vestito ordinatamente con un fedora croccante per complimentarmi con quel sorriso sul suo viso. Pur essendo un grande ammiratore di Polanki, c'è sempre qualcosa che non corrisponde al prodotto finale dei suoi film. Tranne Chinatown. Questo capolavoro fondamentale non solo ha creato un'identità per se stesso, ma è sempre considerato dai registi che ne prendono in prestito lo stile per creare un'identità per il loro film. Polanski è un mago al lavoro, che ci inganna con indizi distinguibili così come il ritmo e l'ambientazione classici noir. Ma poi arriva l'ultimo atto di Chinatown, che rompe così rapidamente ogni convenzione originariamente collegata a film polizieschi simili, ti rimane un senso opprimente di shock e disperazione. Il suo fallimento nel battere Il Padrino II ancora mi lascia perplesso, ma dopo mezzo secolo la gente ha dimenticato la Sicilia, ma mai Chinatown.
66. Satan Tango (1994)
Confessione numero uno: non ho quasi mai visto il capolavoro tentacolare e prodigioso di Béla Tarr. Uno presumerebbe il suo status di cinefilo preferito di tutti i tempi e l'eccezionale reputazione che ha accumulato tra i circoli delle case d'arte americane e tra alcuni dei critici cinematografici più informati di tutto il mondo mi incuriosirebbe. Ma l'assoluta immensità della sua durata (circa 432 minuti) e il ritmo da lori che avevo tanto apprezzato in 'Werckmeister Harmonies' di Tarr sembravano scoraggianti. Confessione numero due: ho visto 'Sátántangó', per la prima volta, in una volta. Sono stato ipnotizzato dal suo senso pragmatico del mondo reale e dal suo senso del cinema paziente e prudente. Osservava più di quanto riflettesse e contemplasse più di quanto fornisse dichiarazioni ben formulate. Il suo mitico e cupo realismo era troppo bello per essere vero e troppo brutale per essere realizzato con un tale occhio per la bellezza.
Tutto quello che volevo fare alla fine era chiudere tutte le finestre e avvolgermi nell'oscurità perché il film per me era stato come quel pazzo in chiesa e il suo lamento aveva troppo senso. Confessione numero tre: sono entusiasta di riferire che le sagaci riflessioni sociali e politiche di 'Sátántangó' hanno cominciato a rendersi chiare per me mentre ci sono tornato più volte. Un'estate trascorsa a divorare il romanzo di László Krasznahorkai, che funge da materiale di partenza per il film, è stata particolarmente memorabile. Tutto quello che posso fare ora è sperare di continuare a raccogliere i frutti di questo felice incidente.
65. L'esorcista (1973)
'L'esorcista' di William Friedkin è perfettamente diretto. L'uomo è famigerato per un percorso di carriera irregolare che vede i classici cadere con shlock (e spesso i due gruppi si incrociano per alcune affascinanti esplorazioni di spudoratezza cinematografica). Con il suo film migliore, Friedkin ha deciso di girare un dramma che per caso parlava di possessione demoniaca: cucire pathos per i suoi personaggi complessi e tradurre visceralmente il testo dell'autore originale William Peter Blatty intrappolato tra credenza e dubbio paralizzante. Il risultato finale di due meravigliosi artisti che lavorano al massimo del loro gioco per offrire un classico scintillante del cinema americano: uno che eclissa quasi tutti i film del suo genere (a parte forse l'inconscionabilmente orribile 'Wake in Fright' o il tour-de fortuito di Tobe Hooper -vigore Il massacro della sega a catena del Texas ). Semplicemente sensazionale.
64. Suspiria (1977)
'Perché nei nostri sogni, entriamo in un mondo che è interamente nostro' - J.K. Rowling. E se una delle menti più contorte del cinema decidesse di spruzzare il suo subconscio su un pezzo di film. Suspiria di Dario Argento è considerato sfidare la logica cinematografica con la sua storia stranamente strutturata. Ma credo che sia un capolavoro neo-espressionista che cattura la vera essenza del cinema, che è farci sentire veramente, veramente vivi. Argento comprende il valore dello spazio e quindi mostra una maggiore attenzione verso la cinematografia e la scenografia, che sono gli abitanti dominanti del suo film. 'Suspiria' non rappresenta solo lo stile di Argento, ma tutto l'horror italiano, un genere stimolato dall'estetica dell'arte.
63. A Man Escaped (1956)
Impeccabilmente preciso e incredibilmente economico, l'occhio di bue così raro di Robert Bresson è stato colpito da 'A Man Escaped' del 1956. Il picco dei poteri mutevoli dell'uomo come regista, segue i tentativi dell'agente della resistenza francese Fontaine di sfuggire a una prigione nazista sempre più pericolosa e trova un significato in ogni singolo fotogramma. Dalla rappresentazione incredibilmente umana del protagonista del non attore François Letterrier, le cui guance incavate e gli occhi spaccati esprimevano in modo così convincente il peso schiacciante della vita in tempo di guerra, al minimalismo di Bresson che riesce a coltivare un'intimità bruciante tra il pubblico e detto uomo disperato : Dai frequenti punti di vista e dalle composizioni eleganti che non si sono abbandonate alle tecniche in cui il lavoro circostante di Bresson a volte è annegato. Non taglierei un singolo fotogramma - e quindi il film serve come una modalità di educazione assolutamente vitale per i registi in erba: A dipingi qualcosa di così vivido e denso senza che sia mai prepotente.
62. To Kill A Mockingbird (1962)
In tempi come questi, non c'è film migliore di 'To Kill A Mockingbird' per spiegare ai neo-nazisti il vero significato di casta, credo e razza. Ambientato nelle linee temporali di un'America divisa in modo razziale, un uomo afroamericano viene accusato di aver violato la modestia di una donna bianca. Al culmine delle ingiustizie razziali, quando un tribunale pieno di bianchi abbaia per il suo sangue, tocca a un uomo combattere la sua causa. Un uomo bianco, di nome Atticus Finch. Ha combattuto valorosamente per sostenere il fatto che tutti gli uomini sono creati uguali nel tribunale, sia esso di colore o no. I suoi sforzi diventano vani, poiché il tribunale dichiara l'uomo colpevole. Ma ciò che resta indietro con lo spettatore è la lezione che Atticus Finch inculca ai suoi figli. Cioè, 'non capisci mai veramente una persona finché non consideri le cose dal suo punto di vista'. Basato sull'omonimo bestseller di Harper Lee, 'To Kill A Mockingbird' è uno dei più grandi film di tutti i tempi.
61. La finestra sul cortile (1957)
Ciò che distingue un film thriller capolavoro dalle normali acque di scolo accumulate regolarmente su di noi, è che in quest'ultimo i colpi di scena arrivano in un lampo, poggiando più sul nostro shock che sulla veridicità del colpo di scena per avere un impatto. Ma in film come 'La finestra sul cortile', le piccole cose evidenti dal fotografo professionista L.B. su sedia a rotelle. 'Jeff' Jeffries guarda fuori dal finestrino posteriore accumularsi goccia a goccia finché non si allagano, facendo sospettare all'innocuo Jeff che un uomo che vive dall'altra parte del cortile abbia commesso un omicidio. Hitchcock usa magistralmente la sua macchina fotografica come gli strumenti di un illusionista per mantenere i suoi spettatori tesi, ingannare e indovinare fino a quando lo sbalorditivo non rivela. Attraverso lo stalking ossessivo di Jeff sul suo argomento di interesse, Hitchcock commenta gli errori del voyeurismo, quanto possa essere allettante e l'oscurità del solitario stile di vita urbano che porta ad esso. Ancora più incredibilmente, è tanto un commento sul voyeurismo dello spettatore quanto quello di Jeff; mentre siamo affascinati dall'attrazione di Jeff. Guardare quando non si è osservati è una gioia malvagia; Hitchcock lo sa, lo ammira e ci coinvolge con esso.
60. 4 mesi 3 settimane e 2 giorni (2007)
Alcuni film ti commuovono; alcuni ti fanno ridere; alcuni ti spezzano il cuore. '4 mesi, 3 settimane e 2 giorni' appartengono a una categoria speciale di film: quelli che ti rendono ansioso e nervoso. Come avrai intuito, questi film sono probabilmente i più rari di razza rara. Il film segue due amici che cercano di organizzare un aborto nel brutale regime comunista Ceausescu della Romania. Viscerale e intransigente, il film ti afferra per la collottola e non ti lascia mai andare. Guardare questo film è come provare la sensazione straziante che si prova quando si attende nervosamente che uno dei propri cari esca da una sala operatoria dopo un intervento chirurgico. Non è solo il cinema realistico al suo meglio; è anche uno dei film che cambiano la vita che vedrai mai.
59. L'anno scorso a Marienbad (1961)
Film del 1961 di Alan Resnais 'Last Year At Marienbad' è quanto di più vicino siamo riusciti a visualizzare un sogno, ed è fatto nel modo più strano possibile. La musica che fa da sottofondo per la maggior parte del runtime funziona come un sedativo che mette il pubblico in uno stato di sonnolenza. Nonostante ciò, è praticamente impossibile tenere gli occhi lontani dallo schermo, perché c'è così tanto da fare in tutta l'immagine, anche se viene mostrato solo poco. Mi piace pensare a 'L'anno scorso a Marienbad' come un film immaginato dal subconscio, per la sua natura ripetitiva e confusa. Anche i personaggi sono confusi riguardo al bizzarro mondo in cui sono stati messi. È un pezzo maturo e sofisticato, e trovo la trama centrale - che coinvolge un uomo e la sua relazione con una donna strana che ricorda distintamente di aver incontrato l'anno prima, anche se lei non ricorda la stessa cosa di lui - molto coinvolgente, originale, passionale, romantico, onirico e, naturalmente, brillante.
58. Fragoline di bosco (1957)
Sei mai stato in viaggio in cui non hai niente di meglio che guardare fuori dalla finestra? Per un certo periodo di tempo, guardi la vista all'esterno, prima che i tuoi pensieri entrino di corsa e ciò che è fuori è ora solo un modello - non attira più la tua attenzione. Così accade con Isak Borg, il protagonista del classico pezzo d'atmosfera di Bergman che ha trovato il suo posto in innumerevoli liste dei migliori film di tutti i tempi, tra cui uno compilato da Stanley Kubrick nel 1963. Sta viaggiando con sua nuora per ricevere la laurea di 'Doctor Jubilaris' dalla sua alma mater. Non le piace e ha intenzione di lasciare suo figlio. Ma il nostro professore, interpretato dal brillante Victor Sjöström, non è molto interessato al futuro. Il suo pensiero e di conseguenza il film, catapultato dalle tante persone che incontra nel suo viaggio, gettano luce solo sul suo passato. Visti attraverso l'obiettivo indulgente e sicuro di Bergman, i suoi ricordi sono semplici, familiari e umani. Non glorificano la sua vita né rifiutano i suoi successi. Sono disordinati, come la maggior parte dei nostri e deliberatamente distorti. Quando finalmente arriva sul posto per ricevere l'onore, ci rendiamo conto che non ha mai avuto bisogno di una ricompensa. Lo aveva già raccolto in quelle fragole raccolte con la sua dolce metà d'infanzia, il mercante che lo ricordava, il rapporto travagliato con sua moglie, il buono e il cattivo, il redentore e l'imperdonabile. Come noi, nella forma di questo film misterioso e inspiegabilmente commovente.
57. Le regole del gioco (1939)
L'ingegnosa e pungente commedia dei modi di Jean Renoir riesce a reggere sorprendentemente bene dopo tutti questi anni, pur rimanendo giocosa e inquietante come sempre. È stato evitato al momento della sua uscita sia dalla critica che dal pubblico, con il risultato che Renoir ha tagliato una parte significativa del film dopo la disastrosa premiere, una parte che comprendeva principalmente il personaggio di Octave, interpretato dallo stesso Renoir. Non sorprende la sua crescita di statura da allora. Il film, nella sua astuta e autorevole giocoleria di personaggi, temi, toni e ambientazione, è sempre delirantemente divertente, ma mai meno diligente o meno sontuosamente realizzato del meglio del cinema mondiale del periodo. Le sue immagini scrupolosamente forgiate pulsano di raffinatezza, ma lo sforzo non viene mai visto e il film ti lascia a bocca aperta per la meraviglia di quanto fossi profondamente impigliato nella sua atmosfera abilmente costruita. Il direttore della fotografia Jean Bachelet e Renoir giocano con la macchina da presa in un modo che conferisce ariosità al film, ma il loro controllo inarrestabile è ciò che lo rende un'impresa costantemente intrigante. Se tutto ciò non bastasse, dovresti sapere che Alain Resnais una volta ha detto che il film è stata la singola esperienza più travolgente che abbia mai avuto al cinema. Sarebbe difficile trovare una raccomandazione più brillante.
56. Il terzo uomo (1949)
Il film noir è un genere associato a film che sfoggiano vicoli bui, personaggi segreti e seducenti, un senso di mistero e un bianco e nero cremoso per rivestire tutto. Sebbene molte di queste immagini siano intriganti e offrano un buon momento, pochi provano qualcosa di innovativo e diverso. Il terzo uomo è uno dei più grandi film noir mai realizzati, perché racconta la sua incredibile storia in modo eccezionalmente buono, facendo uso di impressionanti inclinazioni olandesi, luci sorprendenti e musica meravigliosa. Il film ha a che fare con un uomo e la sua indagine condotta da sé sull'omicidio del suo amico finanziariamente benestante. La trama di Il terzo uomo è caratterizzato da romanticismo, umorismo oscuro, colpi di scena e suspense. Nel suo cuore il film può essere definito una dolce storia d'amore, ma con tutto il resto gettato dentro, quell'infatuazione è lasciata al dubbio. Interpretando una sceneggiatura magistralmente scritta, l'opera magnum di Carol Reed è quella che ti tiene sul bordo della sedia per tutto il percorso dal suo primo atto umile e spensierato fino alla fine che potrebbe benissimo essere il finale più intelligente di qualsiasi immagine tu '' vedrò mai.
55. Cries and Whispers (1972)
Il tragico dramma familiare di Ingmar Bergman tratta di una tristezza che è allo stesso tempo immacolata disperata e febbrilmente urgente. Non è costruito con pazienza scena per scena e consegnato su un piatto entro la fine. Ti viene fatto inalare fin dall'inizio del film che presenta i protagonisti e il loro dolore incrollabile e infiammabile con splendidi primi piani che rendono vividamente evidente il loro soffocante disagio. Tutto questo è ricoperto da una pletora spietata di rosso, nella forma del cremisi con cui sono dipinte le pareti della casa in cui si svolge la storia. Bergman ci rende consapevoli del fetore di morte che circonda le donne con una direzione così imponente che una morte reale non è motivo di allarme. Il desiderio intrinsecamente violento delle donne ha reso tutto nel film un ricordo inquietante e intriso di sangue nella mia mente. Le immagini costantemente affascinanti di Sven Nykvist sono mitigate dalla scrittura sottile di Bergman e dalle performance magistralmente vissute dagli attori. La luminosa Liv Ullman sembra mistificare e affascinare ogni volta che la telecamera è puntata su di lei, mentre le incredule Ingrid Thulin e Harriet Andersson sono così incontaminate nel loro lavoro che sembra invasivo entrare in contatto con i loro sentimenti. Bergman non ci dà idee chiare da portare a casa, ma ci nega tutte le altre sensazioni oltre a quelle provate dai suoi personaggi. Ci chiediamo fino a che punto arriva il suo accesso alle nostre emozioni e lo estende ad ogni svolta. In definitiva, 'Cries and Whispers' non deve essere creduto, deve essere vissuto.
54. C'era una volta il West (1968)
Forse è la colonna sonora inquietante di Morricone o forse la visione di Delli Colli vasta quanto l'Occidente o forse la grinta incrollabile che si agita agli occhi di Bronson e Fonda e forse è il culmine di tutti questi aspetti in quasi ogni fotogramma del maestro Sergio Leone . Se hai bisogno di un western che abbia sia la bellezza di John Ford che la selvaggia spietata di Sam Peckinpah, allora semplicemente non c'è nessuno vicino a Leone. Nella sua opera magnum, riesce a realizzare ciò che in precedenza gli aveva portato 3 film, per creare un mondo mistico in mezzo al nulla. Anche se potrebbe non esserci nulla di spirituale in superficie, il film ha degli dei. Corone degli dei che sfoggiano piene di 10 galloni di polvere da sparo e sabbia che ingoiano con l'acqua. Inoltre, il casting di Henry Fonda come antagonista è stata probabilmente la decisione di quel decennio, poiché i suoi gelidi occhi blu erano diversi da qualsiasi cosa a cui l'Occidente avesse mai assistito.
53. Annie Hall (1977)
Nessuno può affermare di comprendere l'enigma confuso e divorante che è l'amore come Woody Allen. E nessun film di Woody Allen si avvicina a mostrarlo nella sua gloria genuina e stravagante di questa storia di Alvy Singer, un comico nevrotico e nichilista di New York che si innamora `` più che amore '' con la ditzy, volubile, allegra Annie Hall e poi ne cade fuori. Il film esplora anche le differenze di genere nella sessualità attraverso il tipo di relazione 'Yin e Yang' di Alvy e Annie. Alla fine, anche Alvy accetta l'amore come 'irrazionale, folle e assurdo' ma necessario nella vita. L'uso di molteplici tecniche narrative innovative, come la rottura improvvisa della quarta parete, la rapida alternanza di passato e presente attraverso tagli lisci, mostrando nei sottotitoli come si sentono Alvy o Annie mentre parlano effettivamente qualcosa di completamente diverso, e l'aggiunta di un ' storia nella storia 'come culmine, eleva la storia già avvincente. 'Annie Hall' è probabilmente il primo romanzo veramente modernista sulla celluloide e ha ispirato una generazione di commedie romantiche al suo posto. Nessuno è affascinante come quello che cercano di imitare.
52. M (1931)
L'avvento della tecnologia di registrazione vocale, un fenomeno per il quale la testata stava come 'The Jazz Singer' del 1927, portò a un'assurda saturazione dei dialoghi nei film. La tecnologia è stata data per scontata come un aggiornamento diretto, piuttosto che uno strumento da utilizzare insieme al linguaggio cinematografico consolidato. Fritz Lang, un uomo che ha iniziato la sua carriera nel cinema muto con una serie di opere magistrali tra cui Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen e l'eccezionale Metropolis. La sua migrazione al suono raggiunse il suo apice in 'M' del 1931, un film che contrariamente a tutte le fonti circostanti aveva eliminato quasi tutto il rumore ambientale. Il risultato è un talkie silenzioso con un'atmosfera in modo schiacciante senza vita: uno che così efficacemente sostiene la sua narrativa. La storia in questione colpisce un bambino assassino e l'incompetenza del governo tedesco nel catturarlo, formando la propria corte canguro per punire l'assassino. Ciò che Lang comunica qui è di un'incredibile maturità nel messaggio: la giustizia che merita di essere servita completamente minata dal contesto politico dell'epoca, con la politica di eutanasia registrata dal Partito Nazionalsocialista e ideali sempre più violenti che si manifestano come un tumore vizioso sulle accuse del popolo. . L'esibizione di Peter Lorre, ricca di pathos e di un umanesimo torturato, aiuta a martellare a casa il profondo inganno di 'M', uno che rimane incommensurabilmente commovente anche ai giorni nostri.
51. 12 Angry Men (1957)
La risposta sul fatto che il ragazzo fosse colpevole o meno, non lo sapremo mai. Ma una cosa che 12 Angry Men afferma è che la logica prevarrà sempre sull'intuizione, se c'è un uomo sano di mente in un mondo di sciocchi. E la stoltezza è una malattia o semplicemente un sottoprodotto dell'ignoranza? Il dramma di Sidney Lumet non ti chiede di usare il tuo cervello sul cuore, ma si sforza di raggiungere un punto in cui puoi prendere una decisione, lavorando entrambi in tandem. Insieme alla sua sceneggiatura avvincente, che si trova orgogliosamente nel curriculum di ogni scuola di cinema in tutto il mondo, il lavoro di ripresa e la messa in scena sono usciti da un classico della New Wave giapponese. Vantando un'indimenticabile performance del cast corale, 12 Angry Men è un monumento del cinema americano.
50. City Lights (1931)
Non molti dei primi registi hanno il riconoscimento e la popolarità nella cultura odierna di cui gode Chaplin. Ciò potrebbe essere dovuto a molte ragioni. I suoi film parlano all'uomo qualunque e sono incredibilmente esilaranti, ma soprattutto, le sue storie guardano le situazioni malinconiche in una luce umoristica. È il caso di quella che è probabilmente la sua foto più personale, 'City Lights', che racconta la storia di un vagabondo e dei suoi sforzi per impressionare e aiutare una povera ragazza cieca di fiori. Lo fa sotto una facciata, fingendo di essere un uomo ricco per attirare la sua attenzione, ma si mette nei guai mentre lo fa. Quando un film continua ad essere divertente e toccante ai giorni nostri come lo era oltre 75 anni fa, di solito significa che c'è qualcosa che sta facendo bene. 'City Lights' ha lasciato il segno nel mondo con la sua rappresentazione della povertà e della vita durante i duri anni della Depressione, che è così ben eseguita e ha sentito che non manca mai di commuovere il pubblico, dando loro la speranza di un domani migliore.
49. Vieni e vedi (1985)
La seconda metà di un team di registi incredibilmente abili, il regista Elem Kilmov, era sposato con Larisa Shepitko, la virtuosa luminosa dietro 'Wings' e 'The Ascent'. Quando è morta così tristemente in un incidente d'auto, Kilmov ha terminato il lavoro sul suo eccezionale progetto incompiuto 'Farewell' (che avrebbe potuto facilmente prendere questo posto) - e penso che ciò che rende tutto questo contesto così potente è il modo in cui il dolore dell'uomo sanguina dentro ogni fotogramma del suo lavoro. Il cinema di Kilmov ribolle di rabbia e disperazione inespresse: Hulking nel suo peso travolgente di emozioni - e pochi film mai realizzati hanno pulsato con un sentimento così potente come Vieni a vedere . Probabilmente, il miglior film di guerra mai realizzato, la sua rappresentazione infernale dell'invasione della Bielorussia da parte della Wehrmacht riecheggia di esplosioni assordanti, immagini da incubo e un mondo che si sta lentamente prosciugando di vita - le sue scene sono girate in una luce meravigliosa e vuota. Eppure, in tutta questa angoscia, Kilmov trova la sua strada per la comprensione nella sua conclusione trascendentalmente matura. Forse, nel suo impegno a contemplare la transitorietà della vita, sta finalmente trovando la forza di seppellire le ossa della sua defunta moglie. Si può solo sperare.
48. Il settimo sigillo (1957)
Dalle prime immagini dell'iconico documento di Bergman su fede, paura e contentezza, c'è un incantesimo lanciato su di te. Lo sguardo duro e granuloso del mare, della costa e su di esso di un coraggioso cavaliere e il suo fatidico incontro con la personificazione della morte definisce la chiarezza dell'obiettivo del film, anche se lascia spazio a un'ambiguità seducente, quasi terrificante, che sia costantemente presente. Beneficiando di una performance magnetica dell'incomparabile Max von Sydow e di una banda di attori che elevano il materiale sorprendente di Bergman, basato sulla sua opera 'Wood Painting', a livelli inaspettati, 'The Seventh Seal' nei suoi magri 90 minuti ha l'influenza di una vecchia favola tramandata di generazione in generazione che spinge l'immaginazione molto più espansiva di quanto essa stessa possa sperare di contenere. Il bianco e nero brillante e nitido di Gunnar Fischer assicura che l'intensità straziante striscia sotto la nostra pelle. La fluidità simile a un flusso è il risultato di una narrazione dispiegata con sublime fiducia e una tangibile levigatezza. Può essere una storia del tutto semplice, che ciononostante ospita idee preziose nel suo seno, ma è cucita con un tessuto così intricato e audace, non puoi fare a meno di guardarlo più e più volte per tradurlo in un ricordo duraturo.
47. La Dolce Vita (1960)
Il virtuoso cautamente, pazientemente e poeticamente ammorbidito di Fellini è in piena mostra nel suo vincitore della Palma d'Oro che nel suo glamour pieno di sentimento e oscuro cattura un modo di vivere che sembra troppo sfuggente e per certi versi troppo reale. Il suo ritmo sottolinea il senso di assenza di meta del protagonista e ci obbliga a immergerci nella disposizione sinfonica della vivacità della vita e di quanto sia fugace tutto ciò. Questo protagonista è interpretato da Marcello Mastroianni, il migliore in carriera, che utilizza questo dono del tempo per riempirsi gli occhi di un'irresistibile stanchezza del mondo. Mettere in discussione il significato di alcune sezioni de 'La Dolce Vita' che possono sembrare prive di importanza filosofica o rilevanza narrativa significa rifiutare la possibilità di lasciarsi travolgere dai dettagli piccanti e quindi contemplarne le conseguenze. Mentre la celeste partitura di Nino Rota ci trasporta nel mondo vertiginoso di Roma, visto attraverso l'occhio illusorio di Fellini, vedi solo ciò che lui vuole che tu veda e diventa rapidamente ciò che vuoi vedere anche tu.
46. Psycho (1960)
Gli esseri umani, nella migliore delle ipotesi, possono essere descritti come peculiari. La mente umana, che è capace di molte cose sbalorditive, è anche capace di degenerare se stessa oltre la comprensione. 'Psycho' di Alfred Hitchcock non ha bisogno di presentazioni perché tiene la testa alta, in mezzo a cinema senza tempo. Oltre ad essere un classico, è anche un triste commento alla morale fallimentare degli esseri umani. E non è Norman Bates, intendiamoci! La presa caustica della signora Bates che ha messo la vita di Norman in stasi durante la sua infanzia e alla fine l'età adulta è un promemoria di come l'amore possa essere soffocante. Notoriamente, il signor Hitchcock ha adottato strane politiche per 'Psycho', che includevano il divieto di entrare in ritardo nel film. È stato adottato per garantire piena giustizia alla pulsante scena culminante del film. Un thriller nella sua forma più vera, 'Psycho' è la storia di un figlio, sua madre e il loro malsano legame di possessività. Hitchcock era così ferocemente guardingo riguardo al finale, che ha promosso il film con questo slogan - 'Non rivelare il finale - È l'unico che abbiamo!'
45. Solaris (1972)
'Solaris' di Tarkovsky è molto simile ai fenomeni rappresentati nel film. Dal lasciarmi perplesso con il suo concetto profondamente radicato, all'evolversi in un'entità dalla quale non posso separarmi, è un'esperienza che mi fa riflettere sulla natura ignara di ogni molecola che costituisce l'universo. Forse siamo consapevoli delle dimensioni scientifiche, ma uno strumento può calcolare la quantità di amore o di dolore che si trattiene in un nanogramma del cuore? Qualcosa può trovare la cellula cerebrale in cui risiede un ricordo indimenticabile? Dalla musica affascinante di Bach nella sequenza di apertura alla scena perenne dell'autostrada, l'uso del tempo da parte di Tarkovsky per distaccare lo spettatore dal funzionamento di un mondo normale è magistrale. Solaris è un regno in cui le emozioni ti spingono a fare un giro con la follia, ma chi non si emozionerebbe quando la follia è bella da toccare e abbastanza viscerale da assolverti da te stesso.
44. Schindler's List (1993)
Un film importante che trae grande beneficio dal talento di Spielberg per il drammatico, è un'esperienza altrettanto inquietante e sensibile. Il film è, come molti altri in questa lista, un masterclass in qualcosa che mi piace chiamare narrazione semplicistica e di forte impatto. La narrazione segue Oskar Schindler, un uomo d'affari tedesco che ha salvato la vita a più di mille ebrei impiegandoli nelle sue fabbriche durante l'Olocausto. Tutti e tre i protagonisti, Liam Neeson nei panni di Oskar Schindler, Ralph Fiennes nei panni di Amon Goth e Ben Kingsley nei panni di Itzhak Stern, sono in una forma formidabile, regalando la più sincera delle esibizioni. Una scena in particolare verso la fine del film, dove Schindler crolla considerando quante altre vite avrebbe potuto salvare, è profondamente commovente e rimane impressa nella mia mente come una delle scene più potenti e piene di cuori del cinema. Il fatto che il film sia stato girato in bianco e nero, con un uso raro e occasionale del colore per simboleggiare o evidenziare un elemento di importanza, accresce l'esperienza. Facilmente, il miglior film di Spielberg, rimane un'esperienza di visione di film essenziale.
43 Lawrence d'Arabia (1962)
Il cinema come mezzo continua a diventare più grandioso. Con una tecnologia all'avanguardia a loro disposizione, i registi di oggi ci offrono alcune esperienze cinematografiche viscerali. Ma ci sono alcuni film realizzati prima che la CGI fosse in voga, la cui scala pura e monumentale non ha trovato un pari. L'epico dramma storico di David Lean basato sulla vita di T. E. Lawrence , una delle figure più famose della Gran Bretagna, è uno di questi film. Interpreta Pater O'Toole nei panni di Lawrence e racconta le sue avventure nella penisola arabica durante la prima guerra mondiale. Fin dall'inizio, David Lean dipinge un'immagine in movimento splendente del deserto infinito in tutto il suo splendore, aiutato dal direttore della fotografia Freddie Young e da un'avvincente colonna sonora di Maurice Jarre. Ma non sacrifica in alcun modo l'emozione per la stravaganza. Nel suo cuore, 'Lawrence d'Arabia' è uno straordinario studio del personaggio di Lawrence: le sue lotte emotive con la violenza personale inerente alla guerra, la sua identità e la sua lealtà divisa tra la sua nativa Gran Bretagna e il suo esercito e i suoi nuovi compagni all'interno. le tribù arabe del deserto. Questa qualità genuina rende 'Lawrence d'Arabia' uno dei film più influenti mai esistiti.
42. The Searchers (1956)
Probabilmente il più grande western mai realizzato, il miglior film della grande carriera di John Ford, 'The Searchers' è un classico americano, tra i migliori film emersi dagli anni Cinquanta. Sebbene ammirato e rispettato all'epoca, il suo potere lacerante e sbalorditivo non fu riconosciuto per alcuni anni, ma all'inizio degli anni Settanta fu salutato come un classico del genere e forse il miglior western mai realizzato. Certamente il tempo ha eroso parte del potere del film, ma non quella performance imponente e furiosa di Wayne, né il razzismo all'interno del film che alimenta la rabbia e la rabbia. La narrativa guida del film, Ethan e la sua ricerca è senza tempo, potente oggi come lo era allora, forse ancora di più perché molti dei sottili punti della storia sono ora chiari.
41. Pather Panchali (1955)
Il film che ha portato alla luce il cinema indiano nel mondo e ha dato al cinema uno dei migliori autori, Satyajit Ray. Basato sul romanzo di Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' racconta la storia di una famiglia impoverita, che cerca di sopravvivere attraverso molte avversità della vita. Si può sostenere che romanticizzi la povertà, poiché lo spettatore è testimone delle molte prove che la famiglia deve affrontare, guadagnandosi da vivere. Nonostante ciò, sono i momenti, intervallati dalla musica del maestro Ravi Shankar, che rimangono con lo spettatore. Il rapporto affettuoso tra Appu e sua sorella Durga, la sequenza del treno che è uno dei momenti salienti del film, porta il film a un livello completamente diverso. 'Pather Panchali' nel corso degli anni è diventato uno dei film di culto e compare regolarmente nelle liste dei migliori film di tutti i tempi, e meritatamente.
40 Casablanca (1942)
Il classico film americano per eccellenza. C'è forse qualcosa di così contagioso nel suo fascino che te ne innamori ancora, anche dopo tutti questi anni. A parte il suo immenso fattore di rivisualizzazione, la sua memorabile colonna sonora (As Time Goes By!) E dialoghi estremamente citabili costituiscono un argomento forte. In poche parole, è un piacere quando tutti gli elementi di una fantastica esperienza cinematografica sono presenti nella giusta quantità!
La trama è a dir poco semplice, quasi al limite del banale, a volte. Un uomo cinico e con il cuore spezzato che gestisce la discoteca più famosa di Casablanca si trova a un bivio quando la signora che amava si presenta con suo marito. Gli espedienti della trama qui sono le famose lettere di transito, ma la storia parla esattamente dei due amanti ambientati sullo sfondo delle prime fasi della seconda guerra mondiale e della dura decisione affrontata dal personaggio di Bogart, di restare o lasciarsi andare. Tuttavia, come in molti film di questo genere, l'esecuzione fa il trucco, trasformando 'Casablanca' in uno dei drammi romantici più avvincenti di tutti i tempi che è anche incredibilmente ben interpretato; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman sono di prim'ordine e sono abilmente supportati da giocatori come Paul Henreid, Claude Rains e Conrad Veidt.
39. Barry Lyndon (1975)
Quando si guarda al cinema come a una forma d'arte, non si può negare la perfezione di Barry Lyndon, dalla splendida cinematografia, alle scene affascinanti, dalla musica eccezionale alla regia potente. Come una storia, parla della vita di un giovane nell'Europa del XVIII secolo mentre sale i gradini verso l'aristocrazia, solo per essere ricondotto giù dalla sua malvagità. L'immagine ha dentro di sé alcune delle scene più belle mai girate, che fanno un uso sbalorditivo di luce, colori, caratteristiche fisiche, ecc. Non c'è modo migliore per riassumere la vita di una persona che guardarla oggettivamente, e questo è ciò che questo film ha fatto usando un narratore inaffidabile. È freddo e distante, raramente dà al pubblico la possibilità di provare sentimenti per il protagonista. Da questa prospettiva, Barry Lyndon è un sontuoso studio del personaggio, con personaggi ricchi, un tocco realistico e un modo poetico di comunicare le emozioni. È semplicemente il cinema al suo meglio.
38. Il generale
Uno dei titoli più antichi della lista, 'The General', serve a ricordare che molti capolavori d'azione moderni sono seduti in un'ombra lunghissima nientemeno che dal genio della commedia muta Buster Keaton. Vantando un'opera impressionante come persino Charlie Chaplin, l'amabile vagabondo di quest'ultimo artista si scambia di posto con una cavalcata di personaggi deliziosamente sciocchi nel caso di Keaton; il tutto circondato da una irta curiosità cinematografica che ha ampliato i confini del mezzo in film come Sherlock Jr. e The Cameraman. Tutto questo senza nemmeno menzionare la sua opera magnum, The General: A seguito di un ingegnere confederato del 1927 che si precipita ad avvertire la sua parte dell'avanzata delle truppe dell'Unione durante la guerra civile americana. La sua narrazione forma un modello per il recente 'Mad Max: Fury Road' di George Miller e praticamente ogni film sul gatto e topo mai realizzato, resistendo con la sua commedia esilarante, gli effetti speciali impressionanti e lo stuntwork spavaldo che vede Keaton mettere la sua vita in pericolo di più più di una volta per l'adulazione del suo pubblico amorevole. The General rimane uno dei, se non il, miglior film d'azione mai realizzato, uno che si diverte con ogni grammo del suo essere e riesce a evocare altrettanti momenti superbamente gestiti di scala epica per rivaleggiare con qualsiasi gioco di CG fatto oggi.
37. Blow Up (1966)
Il tempo ? Gli oscillanti anni Sessanta. Il luogo? Londra. La città che abbaglia e abbaglia. Vivace e affascinante. Sesso, droga e rock'n'roll. Tutto sommato, un giorno nella vita di Thomas, un fotografo di moda che vive una vita di, diciamo, dubbia moralità. In una giornata ricca di eventi, mentre passa in rassegna le fotografie di una coppia che ha catturato in modo piuttosto surrettizio in un parco, vi scopre un cadavere. Va nello stesso posto e trova il corpo dell'uomo della coppia. Spaventato, torna nel suo studio per trovarlo saccheggiato ma con una foto rimasta, quella del cadavere. Il giorno successivo, il corpo scompare. Chi lo ha ucciso? E perché il corpo è scomparso? Perché Thomas ha sentito di essere seguito? 'Blow Up' è l'atto di classe del regista Michelangelo Antonioni che ha ispirato molti registi nel corso degli anni, tra cui Brian De Palma e Francis Ford Coppola.
36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)
La vertiginosa e surreale epifania dell'amore e del crepacuore non è mai stata esplorata nel modo e nel grado di successo con cui lo fa 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Rigoglioso con bellissime immagini e una colonna sonora creativa simile alla colonna sonora dell'era del muto, è impossibile spiegare tutto su 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Senza dubbio il film è stratificato con una narrativa difficile da seguire - anche se in realtà, è semplice una volta che inizi a seguire - è uno di quei film che è riccamente gratificante semplicemente perché non puoi impedirti di svenire per il concetto altamente ponderato e profondamente commovente. film che è. Ma la vera star dello spettacolo è il suo scrittore, Charlie Kaufman , che nella forma di 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind', potrebbe benissimo aver scritto la sceneggiatura più profondamente brillante mai realizzata nella storia del cinema. Un film che non è solo unico a modo suo, ma anche rivisualizzabile all'infinito con qualcosa di nuovo da trovare in ogni visione.
35. Taxi Driver (1976)
In 'Taxi Driver', Martin Scorsese ci regala uno dei protagonisti più disturbati, improbabili ma stravaganti dei nostri tempi in Travis Bickle. Il film lo segue mentre diventa un tassista per far fronte alla sua insonnia e lo vede essere lentamente sopraffatto da tutta la follia della città che lo circonda. Il vero modo in cui Taxi Driver vince come film è il modo in cui riesce a insinuarsi verso di te, facendosi strada lentamente attraverso lo squallore e l'orrore che sembrano affrontare Travis Bickle. In questo, si guadagna giustamente la sua distinzione come thriller psicologico più che come dramma, spesso lavorando su più livelli rispetto ai due. Il film può essere un orologio inquietante per alcuni, a causa del suo soggetto oscuro, un trattamento ancora più oscuro e una manciata di violenza, ma per gli spettatori disposti a guardare oltre, è a dir poco un brillante tentativo di comprendere la parte del psiche umana che il più delle volte si manifesta sotto forma di vigilantismo. Voglio dire, chi non medita sull'innalzarsi all'inesattezza dei nostri tempi e restituirla? È quella profonda fantasia di realizzazione dei desideri con cui 'Taxi Driver' gioca in modo molto efficace. Il film è ora ampiamente considerato come uno dei film più importanti mai realizzati e ha introdotto al mondo la forza che era Scorsese.
34. Paths Of Glory (1957)
Prima che Stanley Kubrick marciasse per esplorare gli aspetti inspiegabili della società che non solo trascendevano il tempo, ma anche le aspettative degli spettatori da se stessi, ha realizzato questo avvincente pezzo di guerra che considero accanto a 'Vieni e vedi'. A differenza di quest'ultimo, Paths of Glory estrae la sua straziante interpretazione di WW dalla stessa superficialità dell'umanità, che ha dominato le ultime opere di Kubrick. Nel mondo di Kubrick, i demoni non sono coperti di sangue e fango, ma di medaglie e orgoglio, e l'inferno scava nel più sacro dei luoghi, la corte. In un'epoca in cui l'industria aveva adottato l'attraente 3 strisce, la monocromia di Kubrick dipingeva la guerra con una sola sfumatura. I corpi, gli stracci, le baracche, il fumo, la cenere, tutto mimetizzato con la vista comune di angosciosa agonia.
33. Tre colori: rosso (1994)
La parte più triste della morte di un artista è quando pensi che il loro lavoro finale sia il più grande di sempre. È stato il caso dell'autore polacco Krzysztof Kieslowski e del suo ultimo film 'Red'. Kieslowski aveva già annunciato il suo ritiro dalla regia dopo la prima del film a Cannes nel 1994, ma è la sua tragica scomparsa quasi due anni dopo aver annunciato il suo ritiro che lo rende ancora più profondamente triste. 'Red' è l'ultima puntata della sua acclamata trilogia 'Three Colors' e parla di una giovane donna che incontra un vecchio dopo aver colpito accidentalmente il suo cane con la sua auto. Il vecchio è un giudice in pensione, distaccato dalla vita e da ogni genere di emozioni e passa il suo tempo a spiare le altre persone. Tra i due si sviluppa un improbabile legame con sottili sfumature romantiche. 'Rosso' parla di possibilità e coincidenze che ci colpiscono ogni giorno e del nostro fallimento nel riconoscerne la bellezza e il significato. C'è un inspiegabile senso di malinconia che percorre tutto il film sulla tragedia del destino e del tempo umani e su come noi come persone nel mondo siamo tutti collegati in un modo o nell'altro. 'Red' è un'impresa sorprendente nel cinema ed è semplicemente uno dei più grandi film mai realizzati.
32. Il tesoro della Sierra Madre (1948)
Come suggerisce il nome, spesso associamo la caccia al tesoro all'avventura pulsante e alla scarica di adrenalina ad essa associata. Ma ci sono pochissime storie che parlano delle emozioni che le persone subiscono mentre intraprendono un viaggio per ottenere quell'oro. Si dice spesso che le avversità fanno emergere il tuo vero carattere. 'Il tesoro della Sierra Madre' racconta una storia in cui la brama dell'oro porta cambiamenti sgradevoli nei personaggi, portando alla fine alla loro desolazione individuale. Mentre l'attenzione è sull'avidità che corrompe la coscienza, è lo studio del carattere umano in situazioni avverse che rimane con lo spettatore. Un tragico racconto di avidità e tradimento, questo film ha vinto l'Academy Award come miglior regista, miglior sceneggiatura adattata e miglior attore non protagonista. Negli anni, questo è diventato un classico di culto per gli amanti del cinema di tutto il mondo.
31. Pulp Fiction (1994)
Pulp fiction, un termine che viene indicato alle riviste o ai libri che mettono in evidenza la violenza, il sesso e il crimine. Questi elementi hanno fatto vendere le riviste come frittelle calde. Tarantino ha preso questi elementi, li ha mescolati attorno a tre storie e ha creato una narrazione che era nientemeno che un genio cinematografico. Uno dei film di cultura pop più unici che siano stati realizzati, lo spettatore viene presentato al mondo del sicario della mafia Vincent Vega, il suo compagno di criminalità e motormouth Jules Winnfield, la moglie del gangster Mia Wallace, il pugile Butch Coolidge e rimane senza parole con il suo trattamento elegante del crimine e della violenza. Uno degli aspetti più importanti del film che ha contribuito al suo successo è stata la performance di Samuel L. Jackson. Come il sicario Jules Winnfield che cita i versi della Bibbia come battute finali, è stato fenomenale. Uno dei più grandi film di quest'epoca, 'Pulp Fiction' è diventato un libro di testo per aspiranti registi di tutto il mondo.
30. La battaglia di Algeri (1966)
Pochi film hanno esercitato il fardello della politica in un modo che arricchisce il loro effetto cinematografico, ma lascia che sia il brillante maestro italiano incendiario Gillo Pontecorvo a prendere il punto focale ancora bollente dell'oppressione coloniale francese della fine degli anni '50 del popolo algerino e trasformarlo in qualcosa assolutamente avvincente. I paralleli ancora preveggenti che l'osservazione ammirevolmente neutra di Pontecorvo del terrore e del terrorismo commessi da entrambe le parti attinge oggi rende l'esperienza della 'Battaglia di Algeri' un'affascinante sfida intellettuale alla nostra comprensione della guerra in bianco e nero, a-la freddezza impalante di Miklós La filmografia indelebile di Jancsó. Inoltre, le sue tecniche di montaggio dei cinegiornali sono una pietra miliare nella comunicazione filmica e nella mia mente hanno fatto un uso molto più forte delle frenetiche tecniche di taglio della Nouvelle Vague rispetto a molte delle sue testate esplorative. Una volta vista, mai dimenticata: 'La battaglia di Algeri' è semplicemente un pezzo fondamentale del cinema mondiale.
29. Goodfellas (1990)
È il sogno di un regista creare un film epocale per il periodo in cui è stato realizzato. Ma per Martin Scorsese è un'abitudine. Per ogni decennio è stato un A-Lister, ha realizzato un film considerato tra i più grandi del periodo. Ha realizzato 'Taxi Driver' negli anni '70, 'Toro scatenato' negli anni '80, 'Quei bravi ragazzi' negli anni '90, 'The Departed' negli anni 2000 e 'The Wolf Of Wall Street' negli anni 2010. Ed è il dramma gangsteristico del 1990 basato sulla storia vera del socio mafioso Henry Hill che è diventato uno dei punti di riferimento del genere. Il film, narrato in prima persona da Hill, racconta la sua ascesa e caduta come parte della mafia di New York dal 1955 al 1980. In contrasto con tutta la stravaganza gangsteristica in 'Godfather' o 'Scarface', 'Goodfellas' si occupa del autentiche minuzie della vita quotidiana dei gangster, concentrandosi tanto sul rapporto di Hill con sua moglie Karen quanto sulle sue imprese con i suoi compagni di gang. Ma Scorsese usa tutte le frecce nella sua faretra di trucchi per rendere questa relazione allettante, come questo leggendario scatto lungo , alcuni dialoghi memorabili e un atto esplosivo di Joe Pesci nei panni di Tommy DeVito, il tempestoso socio di Hill. Quando si tratta di genere crime, 'Goodfellas' è il massimo.
28. Raging Bull (1980)
Martin Scorsese è noto per aver raffigurato nei suoi film storie di protagonisti spezzati, imperfetti e spesso autodistruttivi. E ha spesso setacciato gli annali della storia per trovare i suoi eroi caduti in storie vere. 'Raging Bull' è la storia della vita del leggendario pugile Jake LaMotta, la cui rabbia autodistruttiva e ossessiva, la gelosia sessuale e l'appetito animalesco, che lo avevano reso un campione sul ring, hanno distrutto il suo rapporto con sua moglie e la sua famiglia. Il film è interamente girato in bianco e nero, per ritrarre in modo veritiero l'epoca in cui è stato ambientato e l'atmosfera oscura e deprimente che ha definito. Scorsese si aspettava che questo sarebbe stato il suo progetto finale. Quindi, era meticolosamente esigente nel suo filmmaking. Altrettanto dedito è stato Robert De Niro, che interpreta il ruolo principale. Ha guadagnato 60 libbre e si è effettivamente allenato come pugile. Assorbe i manierismi brevi di LaMotta con perfezione ardente mentre si immerge completamente nel personaggio. Ha ricevuto un meritato per i suoi guai. Questo è il più grande trionfo di Scorsese-De Niro. Un magnum opus intenso e potente.
27. Il Padrino: Parte II (1974)
Nella storia delle seconde puntate, pochi film sono stati conosciuti per essere all'altezza della gloria del primo, per non parlare di superarli in alcuni aspetti. Se viene stilato un elenco di film di questo tipo, 'Il padrino: parte II' sarà il suo fiore all'occhiello. Essere all'altezza dell'eredità del primo è stato un compito enorme in sé, ma questa continuazione della saga di 'Il Padrino' non solo è riuscita in questo, ma ha anche ampliato la sua eredità per diventare una parte della più grande storia americana sulla criminalità organizzata mai raccontata. Il film presenta due narrazioni parallele; uno che si occupa di Michael Corleone come nuovo capo dell ''azienda di famiglia' di Corleone, il secondo che mostra un eccellente Robert De Niro da giovane Vito Corleone e la sua ascesa al potere. Le due storie sono abilmente intrecciate, fornendo una narrativa allettante che non allenta una volta la presa sullo spettatore. Al Pacino fa alcuni dei suoi lavori migliori qui, il suo sguardo ritrovato virtualmente mastica lo scenario ogni volta che fa un'apparizione sullo schermo. Uno di quei film quasi perfetti che possono essere guardati indipendentemente dal tempo, dal luogo e dalla tua ultima visione, e finisci comunque per sottometterti e ammirarlo. Se la parte I è il santo altare, la parte II è il pane e il vino.
26. Arancia meccanica (1971)
La prima cosa che probabilmente viene in mente quando viene chiesto di descrivere questo film in una parola è 'inquietante'. L'unico film della lista che oso rivisitare, mi sono sorpreso a sussultare più volte mentre guardavo questo film. 'A Clockwork Orange' è un commento sociale nella sua forma più intransigente, che fornisce immagini crude da cui non ci si può mai riprendere. È oscuro, contorto e non fornisce redenzione a chi lo cerca in un film con probabilmente la più cupa interpretazione di una distopia in termini sociali. E qui, credo, sta il successo del film nel portare a casa un messaggio inquietante. Non convenzionale in qualsiasi modo tu possa immaginare, ci fornisce protagonisti che sono dispettosi fino al midollo e indulgono in atti di 'ultraviolenza' e stupro; commenta lo stato socio politico delle cose nel modo più duro che puoi immaginare, ti mette in uno stato di confusione mentre Alex DeLarge (interpretato da un carismatico Malcolm McDowell) è sottoposto a modi disumani di ricondizionamento e finisce di lasciare il pubblico in un farrago di tutte le cose che questa inquietante esperienza ti fa sentire subito. Veramente, un'opera di proporzioni kubrickiane.
25. Vertigo (1958)
La storia di 'Vertigo' è questa: l'ex detective Scotty (James Stewart) soffre di acrofobia a causa di un incidente avvenuto durante il suo dovere. Viene avvicinato da un vecchio amico per tenere d'occhio sua moglie Madeleine che crede essere posseduta. Inizialmente scettica, Scottie diventa presto ossessionata in modo autodistruttivo dalla bella dama, che sembra essere molto più di quello che lascia. La genialità di Alfred Hitchcock sta nel fatto che i suoi film più grandi, emozionanti da guardare la prima volta, sembrano aprire un nuovo livello di comprensione per lo spettatore ad ogni sbirciatina successiva. Certo, con una rapida occhiata, 'Vertigo; è un misterioso omicidio psicologico ben congegnato. Ma mentre lo guardi più e più volte, i suoi temi di aggressività maschile e di costruzione dell'immagine femminile nella mente di un uomo iniziano a dispiegarsi come una scatola infinita e ti avvolgono. Probabilmente il film più finemente invecchiato mai realizzato, la brillantezza a lenta combustione di Vertigo è testimoniata dal fatto che dopo l'apertura a recensioni contrastanti, il film è ampiamente considerato come uno dei più grandi film mai realizzati. Un capolavoro del maestro del thriller.
24. Hiroshima, amore mio (1959)
Nato dalla mente del visionario francese della Rive Gauche Alain Resnais, 'Hiroshima mon amour' è un film che piange con potere trascendentale. La sua storia del tempo si intreccia con la memoria e le cicatrici di entrambi avvenute a Hiroshima durante la seconda guerra mondiale, raccontata attraverso due persone - una francese e una giapponese - mentre tentano di ricostruire il messaggio prevalente della devastazione causata lì. Tranne che non c'è niente da guadagnare, intellettualmente o emotivamente, da una tale follia. È un lavoro intriso di dolore internazionale che va oltre il conflitto stesso e nelle verità e repressioni che perseguitano gli esseri umani ogni giorno. Attraverso i riverberi dell'esplosione atomica, troviamo una piccola parte di ciò che è così sbagliato in noi stessi. Il fatto che Resnais capisca semplicemente questa intoccabile confusione, piuttosto che tentare di risolverla, è ciò che rende 'Hiroshima mon amour' uno dei grandi capolavori del cinema.
23. Random Balthazar (1966)
Il desolato capolavoro di Robert Bresson è un esercizio di sentimenti. Si allontana dalla definizione di un protagonista chiaro o di un tema centrale a meno che non si conti la forza miracolosa della natura che è Balthazar e se si assume il valore nominale del film, non lo si fa. Ma se gli permetti di essere il tuo punto di accesso al panorama emotivo e tematico del film, è difficile uscirne senza ricompensa. Lo stile visivo peculiare, snello e alla moda di Balthazar sembra quasi affascinante a posteriori; la sua placida fragilità avvolta in un rassegnato, singolarmente saggio senso di controllo. Anche la sua palpabile onestà cela uno sforzo studiato per trattenersi un po ', per nutrire nella sua semplicità di ambientazione e di carattere una ricchezza lasciata al pubblico da scoprire e in alcuni casi mozzafiato, immaginare. Poiché gli attori parlano così poco della loro situazione, sperimentiamo atti di crudeltà casuali e irragionevoli e sentiamo la tristezza soffocante per loro. In una forma in cui anche gli artisti più affermati mirano solo ad aumentare i sensi degli spettatori conformandosi a ciò che è provato e testato, le immagini di Bresson mi hanno fornito un modello lirico su cui basare la grandezza della mia compassione, per valutare anche quanto sia consapevole quella compassione .
Tutto questo mi riporta al mio pensiero originale. Assegnare un significato a ogni momento in 'Balthazar' non dipende dal fatto che assumiamo che i suoi contenuti siano allegorie di natura sociale o addirittura politica, ma dal modo in cui ci rendono sentire apprezzando la loro complessità e tranquillità, invece di fare affidamento sull'esposizione insensata a cui ricorre la maggior parte dei film. Ha perfettamente senso, quindi, che il protagonista sia l'omonimo asino.
22. Andrei Rublev (1966)
Credo che 'Andrei Rublev' sia il più grande esempio del concetto di scultura nel tempo dell'autore russo Andrei Tarkovsky. Gran parte del suo ultimo lavoro era astratto, poiché si occupava di temi e visualizzazioni incredibilmente personali, che erano sparsi per periodi di tempo. Con 'Andrei Rublev', Tarkovsky ha catturato il tempo stesso e poi l'ha accarezzato con le sfumature più profonde dell'anima di un artista. Tarkovsky è probabilmente l'unico regista in grado di raggiungere i risultati più alti nel rappresentare la repressione di un artista. Esplora i regimi oppressivi della Russia che sono indigeni nel paese come la sua profonda letteratura che ha sorprendentemente messo in discussione le questioni più convincenti riguardanti lo spirituale e il metafisico. Molti dei tratti successivi di Tarkovsky, comprese le riprese del flusso della natura, possono essere osservati nel viaggio di Andrei Rublev. È un film che ti riprende, ti frantuma e ti fa pensare, sia durante il film che molto tempo dopo che i titoli di coda sono finiti.
21. L’ Avventura (1960)
Come ti senti riguardo a un mistero irrisolto? O una storia incompiuta? Cerchi la chiusura cercandola disperatamente? O accetti i fatti e poi vai avanti? Non è che la vita è tutto? Compromesso e andare avanti? Il film che ha portato Michelangelo Antonioni al riconoscimento in tutto il mondo, 'L'Avventura' è la storia di una giovane donna che scompare, durante un viaggio in barca a vela attraverso la costa della Sicilia. La ricerca di lei riunisce il suo ex amante e migliore amica e inizia una relazione inquietante. Mentre la storia è intessuta intorno alla ricerca di una donna scomparsa, il suo vero scopo è costruire una narrazione, senza essere centrata su un evento importante e comunque essere in grado di affascinare il pubblico. Le vere motivazioni dei personaggi centrali non vengono mai spiegate completamente e alla fine del film, lo spettatore è costretto ad accettare che alcuni eventi rimangono inspiegabili, proprio come fa la vita. Un capolavoro indiscutibile!
20. Senza fiato (1960)
Molto prima che Quentin Tarantino si facesse strada nella scena indie americana con il suo approccio selvaggiamente anticonformista al cinema che ha migliorato l'attenzione dello stile sulla sostanza, c'era quest'uomo di nome Jean Luc-Godard che ha affrontato senza paura le grammatiche cinematografiche tradizionali e le ha spezzate incautamente verso il basso, ridefinendo e plasmando i film nel modo in cui li vediamo oggi con un film intitolato 'Breathless'. Forse nessun altro film è riuscito a catturare la follia fugace della giovinezza in un modo che 'Breathless' fa con la sua energia spericolata e l'atmosfera inebriante. L'uso bizzarro dei tagli di salto esalta la follia intrinseca della premessa mentre Godard ti allontana ferocemente dai suoi personaggi, chiedendoti di concentrarti sugli aspetti frammentati della trama invece che sulla storia nel suo insieme. 'Breathless' è uno dei film più importanti della storia del cinema e sebbene continui a polarizzare cinefili e critici, non si può negare l'influenza che ha sul cinema moderno.
19. Seven Samurai (1958)
Akira Kurosawa è uno dei registi più originali, influenti e referenziati che siano mai vissuti. Roger Ebert una volta disse di Kurosawa 'Si potrebbe sostenere che questo più grande dei registi ha dato lavoro a eroi d'azione per i successivi cinquant'anni' e non avrebbe potuto essere più vero. 'A Fistful Of Dollars' di Sergeo Leone, che si dice abbia dato vita al genere Spaghetti Western, è stato ispirato da 'Yojmbo' di Kurosawa. Anche il nostro ingresso attuale è uno spartiacque tecnico e creativo e ha ispirato innumerevoli rivisitazioni dirette, così come molti elementi visivi nel cinema moderno . Il dramma epico racconta la storia di sette ronin (samurai senza padrone) che prendono le armi per difendere una civiltà povera che non ha più posto per loro dalle incursioni dei banditi nel 16 ° secolo in Giappone, che culmina in una feroce battaglia culminante. Ma la genialità di 'Seven Samurai' sta nel fatto che racconta una serie di storie ben congegnate che spaziano tra i generi all'interno del dramma principale. In tutto il film sono presenti elementi di azione, avventura, romanticismo e formazione. Consiste anche di personaggi riccamente sviluppati come una bistecca rara, che in seguito sarebbero diventati elementi base di più generi. Veramente un'opera d'arte stimolante.
18. L'albero della vita (2010)
'The Tree of Life' è la più alta forma di cinema: semplicemente non racconta una storia ma mira a cambiare la tua vita. È un film che richiederà tempo per crescere su di te, e quando lo farà, troverai difficile non pensarci costantemente. Una poesia cinematografica di straordinaria portata e ambizione, 'The Tree of Life' non chiede al suo pubblico di osservare, ma anche di riflettere e sentire. Nella sua forma più semplice, è una storia del viaggio per trovare se stessi. Nella sua forma più complessa, è una meditazione sulla vita umana e sul nostro posto nel grande schema delle cose. Non importa in quale fede credi o se credi in un'entità superiore. Il vero senso di meraviglia nel film nasce dalla magia che è la vita stessa. L'aspetto più bello del film è che migliora con il tempo, come un buon vino.
17. Primo piano (1990)
Il defunto grande autore iraniano Abbas Kiarostami ha visto spesso bellezza e poesia negli episodi più assurdamente banali della vita umana. Con trame apparentemente semplici e ambientazioni naturalistiche, Kiarostami ha esplorato temi universali che trascendevano senza soluzione di continuità le barriere culturali a causa del tipo di umanità in cui il suo cinema era intrinsecamente avvolto. 'Close Up' è senza dubbio la sua opera più compiuta e una delle opere più originali e creative di arte cinematografica mai prodotta. Il film prende la forma di una docu-fiction per raccontare il processo a vita reale di un uomo che ha impersonato il regista iraniano Mohsen Makhmalbaf. Il cast include persone che sono state effettivamente coinvolte nel processo, interpretando se stesse nel film. 'Close Up' è una sorprendente esplorazione dell'identità umana vista attraverso gli occhi di un uomo comune che lotta per affrontare se stesso e la sua vita e per disperata tristezza e genuino amore per l'arte del cinema, si mette nei panni del suo idolo per sapere come ci si sente ad essere veramente vivi, ammirati e rispettati. Questo è il cinema di prim'ordine.
16. Jeanne Dielman, 23 anni, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)
Questo lungometraggio d'avanguardia francese con Delphine Seyrig nel ruolo del protagonista non è una semplice esperienza cinematografica. È più vicino a un esercizio, un test, e ti influenza in modi che pochi altri film hanno fatto prima o dopo. Il pezzo indipendente si concentra su tre giorni nella vita di una casalinga solitaria e travagliata, mentre attraversa il suo rigido programma pieno di faccende domestiche banali. È una madre e una vedova che la sera fa sesso per gentiluomini per guadagnarsi da vivere. I problemi sorgono quando, il secondo giorno, la sua routine viene leggermente disturbata, portando ad una sorta di effetto domino che si riflette nelle ore successive. Jeanne Dielman attira uno nel suo mondo lento e meditativo con la distintiva firma registica di Akerman, che coinvolge l'atmosfera diegetica e un'aura ipnotica portata dalla personalità calma, sottile e paziente del capolavoro, che è una dolorosa celebrazione della monotonia dell'esistenza.
15. Rashomon (1950)
Uno dei film più anticonvenzionali e sperimentali dell'epoca, 'Rashomon' osserva il maestro al lavoro, impegnandosi con le sue capacità di narrazione. Per dirla semplicemente, è il resoconto di un incidente che si è verificato attraverso quattro punti di vista estremamente diversi, quelli degli accusati, delle vittime e di coloro che si dichiarano testimoni oculari. Si distingue per tutti i motivi tecnici con un montaggio quasi impeccabile e una regia magistrale, ma il film si assicura le sue vittorie sulle questioni tematiche di cui si occupa; le domande sull'esistenza di una verità assoluta. La verità è davvero così oggettiva e iniqua come si crede, o c'è qualche soggettività ad essa collegata? Normalmente, è oggettivo, o almeno è ampiamente considerato come tale, apparentemente non ha altre versioni di esso. Questo film lo mette in discussione in un modo che lo spettatore stesso rimane esasperato dalle domande, commentando spesso anche come le persone a volte non sono completamente oneste nemmeno con se stesse. È tematicamente complesso come sembra, ma apparentemente semplice come vuoi che sia.
14. Stalker (1979)
Tenendo a bada i suoi discendenti minori, tra cui la serie televisiva di grande successo 'Westworld', la colossale influenza di 'Stalker' sulla narrazione visiva non può essere sopravvalutata. Le idee - filosofiche, spirituali e scientifiche - così come la loro abile e gloriosa esplorazione cinematografica in 'Stalker' hanno trovato le loro impressioni su molti fantascienza a venire dopo. Non sono tanto lo scivolamento, che induce la trance e in alcuni punti, il ritmo astratto o l'uso stimolante della seppia monocromatica al di fuori della 'Zona' e i colori impressi dei luoghi in Estonia, che sono stati rispecchiati nel lavoro di registi come Terrence Malick e Lav Diaz, per citarne alcuni, ma la pazienza e l'umiltà durature. Consegnando in gran parte i regni filosofici al pubblico, Tarkovsky lascia così tanto spazio agli spettatori per scoprire da soli le molteplici sfaccettature metafisiche del film, che anche la sua impareggiabile poesia letterale e visiva sembra tanto un'invenzione della nostra fabbricazione quanto la sua e dei suoi collaboratori. Eppure, il film rimane in disparte, guidandoci nei misteri imperscrutabili della mente e del cuore, e non finiamo mai per svelarli, perché la via retta non è mai quella giusta.
13. Fanny e Alexander (1982)
Quasi 35 anni dopo la sua uscita iniziale, il lungometraggio da regista finale di Bergman è altrettanto affascinante da analizzare quanto lo era per i critici di tutto il mondo all'epoca che sembravano tutti lottare per assicurarsi che le loro opinioni su di esso venissero ascoltate. Queste opinioni erano molto più divisive di quanto lo siano oggi, ma il posto del film nella filmografia di Bergman sembra ancora difficile da definire. È diverso, per tono, struttura e grandezza, tutto ciò che Bergman aveva fatto fino a quel momento. Ma è anche un'indubitabile fusione di tutti i suoi istinti tematici e visivi incrociati in questo arazzo che afferma la vita di una famiglia all'inizio del 1900 in Svezia. La sua esuberanza pittoresca sembra attirare tutta la tua attenzione al primo sguardo con le sue variazioni profondamente coinvolgenti di rossi, verdi e gialli caldi e delicati che formano una tavolozza di colori così inebriante che la sua assenza - quando tutto è drappeggiato di bianchi, neri e blu aspri - sembra punitivo. Le cronache meticolosamente elaborate di Bergman irradiano con la verve di un picnic in famiglia e possiedono la familiarità dei legami umani tenuti insieme per decenni da un affetto genuino e fragile. In questa interpretazione generosamente montata della vita, la nascita e la morte sono entrambe accidentali. Nel piccolo mondo che abitano questi personaggi, come la maggior parte di noi, le gioie circonferenziali sono tutto ciò che si può sperare e sono sufficienti per loro, come dovrebbero essere per noi. È tutta un'illusione? Guardando questo gigantesco insieme fare tali meraviglie, si potrebbe pensare di sì. Se lo è, credimi, non vuoi che venga distrutto.
12. Apocalypse Now (1979)
Ci sono film di guerra che mostrano le complessità della guerra (come 'Enemy At The Gates'), altri che rimproverano e detestano l'idea di essa (come 'The Pianist') e poi c'è l'audace 'Apocalypse Now', che non offre opinione o conclusione, ma invece mette a nudo una rappresentazione grafica degli orrori della guerra mentre glorifica i soldati che ne prendono parte. Il dibattito infuria fino ad oggi se 'Apocalypse Now' sia a favore della guerra o contro la guerra. Amore o odio; la cosa certa è che te lo ricorderai. Una delle produzioni più problematiche nella storia di Hollywood, il montaggio finale dello sceneggiatore e regista Francis Ford Coppola è diventato il suo lavoro tecnicamente più brillante. La semplice premessa è semplice: il capitano Willard deve 'terminare con estremo pregiudizio' il colonnello Kurtz che è entrato in territorio nemico ed è diventato assente. Ma è il debilitante viaggio di Willard attraverso gli strazianti campi di battaglia del Vietnam (enfatizzato dalla fotografia mozzafiato di Vittorio Storaro) che rimane impresso nella mente anche dopo i titoli di coda. Con una scena memorabile dopo l'altra e interpretazioni definitive di Martin Sheen nei panni di Willard, Marlon Brando nei panni di Kurtz e Robert Duvall come 'appassionato di napalm' Il tenente colonnello Kilgore, 'Apocalypse Now' come ha giustamente affermato Coppola 'non riguarda il Vietnam. È il Vietnam ”.
11. I 400 colpi (1959)
'I 400 colpi' di François Truffaut è una vera opera d'arte che nasce dal vero dolore. Un lavoro veramente sincero e profondamente personale, Truffaut ha dedicato il film al suo padre spirituale e al teorico del cinema di fama internazionale André Bazin. Di natura distintamente autobiografica, la stessa infanzia di Truffaut è stata travagliata e questo si riflette molto distintamente nel film. All'esterno, il film parla della delinquenza giovanile e adolescenziale che è spesso guidata dalla negligenza sociale e dei genitori. Guarda un po 'più a fondo e troverai un film sulla speranza; spero che sia intenso e terapeutico. Antoine Doinel, il protagonista, è in qualche modo una cruda rappresentazione della società stessa, una società che nasconde i propri fallimenti dietro regole, punizioni e giudizi. Il film scorre come un fiume e accompagna il pubblico in un viaggio di speranza, disperazione, empatia e persino pura rabbia. Se hai mai voluto vedere che aspetto ha un capolavoro, non guardare oltre 'The 400 Blows'.
10. Mulholland Drive (2001)
David Lynch non è un regista. L'uomo è un sognatore. E 'Mulholland Drive' è il sogno più grande che abbia mai sognato. Un sogno che racchiude in sé ogni emozione che racchiude l'esistenza umana. È difficile spiegare o descrivere un film come 'Mulholland Drive' perché questo è un film sull'esperienza e su ciò che ne ricavi, piuttosto che una trama basata su una narrativa convenzionale che ti nutre di risposte che potresti portare a casa con gioia. Lynch ha spesso affermato che la sua visione di un film è fondamentalmente costruita su numerose idee e sentimenti. E questo diventa una porta per la comprensione di un film complesso e stratificato come 'Mulholland Drive'. È un labirinto di sogni, ambizioni, desideri e incubi. Lynch sa cosa ci terrorizza di più e cosa ci spinge alla pura follia. Ed è questo riflesso inquietantemente intimo del subconscio umano che rende 'Mulholland Drive' un'opera d'arte così profondamente straziante. Uno che ti avvolge con un senso di calore e tenerezza prima di tagliarti il cranio.
9. Ladri di biciclette (1948)
'La semplicità è la massima raffinatezza' - Leonardo Da Vinci. Uno dei compiti più difficili nel fare un film è capire quando terminare il film. Il finale di Bicycle Thieves è così tonalmente sincronizzato con l'inizio, in quanto partiamo da Antonio, un uomo comune che emerge dalla folla per Antonio, un uomo comune, che si dissolve tra la folla. La vita nella Roma del dopoguerra si era trasformata ogni giorno in una lotta, e non c'era quasi nessuno che riuscisse a uscire da quella palude di miseria. Ci sono pochissimi film che forniscono un'introspezione profonda come Ladri di biciclette. È un film che ti spezzerà il cuore e allo stesso tempo ti ispirerà a vivere la vita al massimo. Raramente, un film così semplice nella sua premessa è così brillantemente efficace nel suo messaggio. È praticamente impossibile dimenticare il film dopo averlo visto. Anche se il risultato più importante del film è il numero di registi indipendenti che ha ispirato, che fino ad oggi citano 'Ladri di biciclette' come ispirazione.
8. Tokyo Story (1953)
'Tokyo Story' è ciò a cui aspira ogni regista che vuole raccontare una storia significativa. Ovviamente, tutti falliscono! Non c'è esempio migliore di un film che rende una storia epica in modo così semplice ma magistrale, efficace e indimenticabile. Con 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu ha realizzato qualcosa che è il sogno di ogni regista vivente: risiedere per sempre nel cuore e nella mente del pubblico. Chiunque abbia visto 'Tokyo Story' saprà di cosa sto parlando. Il film racconta la storia di un'anziana coppia tradizionale giapponese che visita i propri figli a Tokyo solo per arrivare alla dura consapevolezza che i loro figli sono troppo occupati con le loro vite per prendersi cura di loro e sono diventati immensamente distanti da loro, culturalmente ed emotivamente . Ciò che è altrettanto fantastico del film è il suo tema universale a cui chiunque, ovunque può relazionarsi. Lo stile di regia di Ozu assicura anche che tu sia assorbito da una storia che offre intuizioni profonde sul cambiamento della psiche umana con i tempi che cambiano. Semplicemente geniale!
7. In the Mood For Love (2000)
'In the Mood For Love' è semplicemente la più grande storia d'amore mai messa in un film. Periodo. Potrebbe facilmente essere stata un'opera teatrale o anche una poesia. Con immagini belle e accattivanti e musica squisita e penetrante, 'In The Mood For Love' racconta la complessa storia di due semplici individui. Due individui che passano attraverso la paura e il richiamo dell'innamoramento; e una volta innamorato, il dolore di lasciarlo incompleto. 'In the Mood for Love' rappresenta l'amore nella sua forma più vulnerabile. E così facendo, rivela le nostre vulnerabilità e quanto siamo impotenti di fronte all'amore. Raramente un film così discreto e così riservato ha un tale impatto dopo la visione.
Non sono sicuro che il regista Wong-Kar-Wai intendesse realizzare il film che ha realizzato, considerando che per lo più ha girato il film senza una sceneggiatura. Se guardi alla storia, le opere d'arte più significative sono incidenti felici. Conta 'In the Mood For Love' tra loro.
6. 8 1/2 (1963)
Il numero otto e mezzo nella filmografia del maestro italiano, questa soffocante, succulenta epopea di fantasie, incubi e una realtà fin troppo confusa è come un biscotto - decisamente assurdo nella sua forma e cotto in un modo che non consente di divorarlo interamente una volta. Il suo lavoro di macchina da presa spaventoso e irrequieto complimenta la visione cosciente di Fellini di un regista che tenta di canalizzare le molte esperienze alteranti che ha avuto nel corso della sua vita annodata nel suo nuovo film. Per quanto semi-autobiografico possa essere, '8 1/2' attraversa il suo pubblico con tutta la sua affascinante complessità intatta a un ritmo così radicale, che mi sono ritrovato a tentare di decostruire le sue immagini astutamente composte allo scopo di trovare il mio posto in La specificità torreggiante di Fellini, ma non è mai stato in grado di atterrare saldamente a terra.
Sfruttando l'ombreggiata gravità di Marcello Mastroianni, la pura elettricità di Fellini può essere travolgente. Ti aggrappi alla tua percezione di un momento particolare e riconosci la sua ricchezza sensuale solo per scoprire che il regista è passato a un'altra sequenza svolazzante e deliziosamente in bilico. Le sue idee sugli artisti e la loro sconcertante e ridicola ossessione per se stessi possono sembrare datate - o peggio, irrilevanti - ma l'audacia della loro costruzione ed espressione non è mai perduta. Ci strega e ci seduce, non ci permette mai di staccare gli occhi da esso e poi ci scivola tra le dita mentre ci rendiamo conto che non l'abbiamo mai avuto a portata di mano. Fellini non è molto diverso dalla chiaroveggente Maya del film che sembra sapere quello che pensano tutti: un'abilità attribuita dalla sua assistente alla telepatia. Quando il nostro protagonista, Guido, interroga l'assistente su come lo fa, lui nota chiaramente: 'In parte è un trucco e in parte reale. Non lo so, ma succede. ' Nessuna parola potrebbe essere più adatta per descrivere il film.
5. Persona (1966)
Penso che sia giusto dire che 'Persona' ha rotto il cinema da solo. Essendo un film horror in superficie, il classico del 1966 di Ingmar Bergman è più uno studio dell'identità individuale che altro. Facendo uso di tecniche di montaggio innovative, angoli di ripresa nitidi, espressioni fredde, dialoghi coinvolgenti e una splendida regia, questo film racconta nel modo più ambiguo possibile la storia di una famosa attrice che perde la voce e l'infermiera che si prende cura di lei in una casa isolata, dove le loro personalità distintive iniziano lentamente a fondersi l'una con l'altra. Essendo l'impresa più 'cinematografica' del regista, 'Persona' si assicura di stravolgere ogni regola convenzionale del cinema per cercare di produrre un'esperienza fresca e avvincente. Con alcune delle più grandi recite mai messe in scena sulla celluloide, l'atmosfera del film ci aiuta ad apprezzare le domande che abbiamo a riguardo spostando in modo intelligente la nostra attenzione sull'arte messa in gioco. Semplicemente non esiste niente come 'Persona', e questo potrebbe benissimo essere un dato di fatto.
4. Il Padrino (1972)
Forse, il film più influente mai realizzato. Uno degli adattamenti più rari che è effettivamente migliore del materiale originale - in questo caso l'omonimo romanzo di Mario Puzo - il film è sopravvissuto nel corso dei secoli ed è un classico nel vero senso della parola che continua a migliorare con ogni visualizzazione. Il film racconta una famiglia mafiosa guidata da Don Vito Corleone e si concentra sulla transizione di suo figlio mentre rileva l'azienda di famiglia alla morte del patriarca. Senza dubbio, le interpretazioni sono uno dei maggiori punti di forza di questo film, con grandi come Marlon Brando nei panni di Vito Corleone e Al Pacino nei panni di Michael Corleone che ridefiniscono gli standard di recitazione con le loro interpretazioni. Tutto il resto, in particolare la sceneggiatura e l'atmosfera che definisce la cinematografia e la colonna sonora, sono prevedibilmente A-rate e definiscono il genere. Giustamente, non esiste un cinefilo che non abbia visto questo capolavoro di un film. È l'altare dove andiamo a pregare.
3. Citizen Kane (1941)
Il Santo Graal del cinema americano. 'Citizen Kane' ha definito quasi ogni aspetto che comprende l'arte del cinema. Un film che ha infranto innumerevoli convenzioni del cinema solo per crearne di nuove. Fin dai suoi tecnicismi innovativi, tra cui l'illuminazione, il suono e le immagini, fino al suo stile di narrazione altamente innovativo, 'Citizen Kane' ha cambiato il modo in cui sono stati realizzati i film. Il film è uno studio del personaggio profondamente profondo che prende la forma di un dramma misterioso svelando le verità della vita di un enigmatico magnate dell'editoria la cui ultima parola ha suscitato l'interesse di un giornalista. Si mette in viaggio, esplorando un essere umano che una volta ha iniziato la sua vita con ambizioni e desideri grezzi, ma presto soccomberà ai poteri seducenti dell'avidità e dell'autorità. 'Citizen Kane' è un'opera d'arte immensamente potente che sta travolgendo la sua esplorazione di temi profondi e cattura gli aspetti emotivi infinitamente complessi del vivere la vita come essere umano.
2. The Mirror (1975)
Potrebbe l'arte essere così personale da non riuscire a distinguerla dal suo creatore? Questa è una domanda che mi ha colpito la prima volta che ho visto 'Lo specchio' di Andrei Tarkovsky. Questa è un'opera d'arte in cui l'artista si dà completamente al suo lavoro che non riesci a distinguere tra lui e il lavoro che sta facendo. È quasi come se Tarkovsky respirasse l'intero film. Gli autori hanno realizzato i loro capolavori, cambiando e plasmando il cinema come lo vediamo oggi, ma Tarkovsky ha fatto un passo oltre e ha raggiunto l'irraggiungibile; dando vita alla sua arte. 'The Mirror' è solo il respiro del cinema. Potevi vedere Tarkovsky, la sua famiglia, la cultura in cui è cresciuto. In effetti, potresti riuscire a vederci dentro, tua madre e c'è questa sensazione di Deja Vu che ti colpisce, guardando questi luoghi. È quasi come se tu fossi stato lì, forse nella vita o in un sogno perso da qualche parte. E per un artista creare qualcosa di personale e intimo è qualcosa che va davvero oltre le parole. È un film che conferma ciò che abbiamo sempre saputo: il cinema è la più grande forma d'arte.
1. 2001: Odissea nello spazio (1967)
Come ogni altra voce di questo elenco, anche '2001' è una lezione di regia. Diversi registi, tra cui artisti del calibro di Christopher Nolan e Denis Villeneuve, hanno parlato di come il film sia stato la loro ispirazione. Quindi, sì, il film è una meraviglia tecnica. Ma non è questo il motivo per cui il film è in cima a questa lista di tanti grandi film. Si trova in cima perché è un film che ha avuto il coraggio di andare in un posto dove nessun film è mai stato prima. Diavolo, nessuno sapeva nemmeno che esisteva un posto del genere in cui il cinema poteva mirare ad andare. E se mai l'arte del cinema ha richiesto una ragione o una prova per corroborare che il suo scopo di esistenza è molto più del semplice intrattenimento, allora eccolo qui: l'assolutamente avvincente e supremamente mitico, '2001: Odissea nello spazio'.
Stanley Kubrick ha ampliato gli orizzonti del cinema con quasi tutti i suoi film. Con '2001: Odissea nello spazio' ha anche dato un nuovo significato a ciò che il cinema può ottenere. La maggior parte dei registi usa il cinema come mezzo per raccontare una storia. Ma Kubrick ha usato il cinema per mettere in discussione. Cosa ha chiesto? Tutto, da Dio allo scopo della nostra esistenza. Sebbene '2001: Odissea nello spazio' sia un film di fantascienza molto intelligente di per sé, è anche molto di più. Credo che sia un film che è più una ricerca filosofica per determinare se Dio esiste. Parla di mirare in alto!
.