100 migliori film di tutti i tempi

Alejandro Jodorowsky Prullansky, il famoso regista, poeta, drammaturgo e compositore cileno-francese, una volta disse: Ho sempre pensato che, tra tutte le arti, il cinema sia l'arte più completa. Sono d'accordo. In molti modi, il cinema è in realtà una fusione di tutte le altre importanti forme d'arte: pittura, scrittura e musica. Non può essere un caso che il cinema sia anche la più moderna delle forme d'arte. Dopotutto, l'evoluzione di altre forme d'arte era necessaria per la nascita del cinema. Il fatto che rimanga la forma d'arte più popolare fin dal momento in cui è nata, ti dice sia la sua forza che la sua debolezza: è facilmente accessibile e quindi più commerciabile.

Con questo in mente, sono entusiasta di presentarti l'elenco di The Cinemaholic's 100 migliori film di tutti i tempi . Prima di iniziare a esplorare la nostra lista dei 100 migliori film mai realizzati, ricordiamoci ancora che gli elenchi per loro natura non sono mai perfetti. Quindi, non affermiamo che questo sia il Santo Graal della lista dei migliori film in assoluto al mondo. Ma quello che posso assicurarti è che molte ricerche sono andate dietro a mettere insieme questo elenco. Sono stati presi in considerazione migliaia di titoli di film e ogni scelta finale è stata dibattuta. Sono sicuro che troverai molti dei tuoi film preferiti mancanti nell'elenco. Mancano anche molti dei miei preferiti! Ma invece di sentirti frustrato, cogli l'occasione per vedere i film che non hai visto. Chissà, potresti finire per scoprire i tuoi nuovi preferiti!

100. Gli ombrelli di Cherbourg (1964)

Jacques Demy colora la sua opera romantica con una raffinatezza addolcita e disordinata che sembra un po' hipster. Ma questo colore non è solo quello delle pareti, dei vestiti e degli ombrelli. È anche sulle guance di una giovane ragazza incredibilmente innamorata mentre attraversa la strada per salutare il suo amante e la sua assenza quando vediamo quel viso in un velo, la ragazza ora la sposa di qualcun altro. C'è colore, anche, nel modo in cui le persone parlano, o per essere più precisi, cantano tra loro. Ma le loro conversazioni sui testi non fanno rima come la maggior parte delle canzoni. Quando tutto, dalle professioni d'amore alle preoccupazioni per il denaro, è intrecciato con una passione indistinguibile, non ti farebbe molto bene andare a pescare per una rima o una ragione. Mentre il film e tutte le sue rivelazioni melodiche, sostenute dalla musica ultraterrena di Michel Legrand, sono struggentemente romantiche, tutte le decisioni che i nostri personaggi prendono, come ogni cosa nella vita, decisamente non lo sono.

Per una trama così noiosamente nota, dopo averla vista essere alla base di innumerevoli canzoni pop e soap opera, ogni fotogramma di 'Gli ombrelli di Cherbourg', traboccante di malinconia, è di una freschezza seducente, persino sconosciuta. Puoi attribuirlo a quanto siano genuine le emozioni e quanto sia sincera la loro espressione. Operando su una scala così umile come fa, 'Umbrellas' ti devasta con il più piccolo dei riflessi. Sono rimasto sbalordito di quanto potesse essere sostanziale l'impatto di due sedie vuote, una volta occupate dai due amanti. Nella delicatezza affettuosamente preparata da Demy, marciamo in carnevali pieni di nastri e coriandoli, decoriamo alberi di Natale e ci regaliamo a vicenda, nascondendo tutti i nostri sentimenti da qualche parte negli angoli del nostro cuore, perché non importa quanto sia difficile sopportare l'assenza di qualcuno o passato è dimenticare, tutto ciò che possiamo fare è vivere nella fantasia di oggi.

99. Trainspotting (1996)

È un po' difficile spiegare ai cinefili come noi il fanatismo di 'Trainspotting'. È arrivato in un periodo in cui la realtà della droga aveva appena iniziato a farsi strada. Si potrebbe dire che rendeva affascinante l'abuso di droghe e, in una certa misura, è vero. Il fatto che ne è venuto fuori è stato il tentativo di Danny Boyle di mostrare gli alti e bassi dell'abuso di droghe, senza schierarsi. 'Trainspotting' è un film cult che racconta la storia di quattro amici e del loro appuntamento con la dipendenza. Oltraggioso e bizzarro sono le uniche due parole per descriverlo. Un tossicodipendente che vuole essere pulito, solo per vacillare ad ogni passo a causa del suo più profondo desiderio di sballarsi. Generosamente sovradosato di umorismo, il film cerca di sottolineare un fatto con assoluta serietà: nonostante i lussi che la vita offre, i giovani li negano con molta disinvoltura. E le ragioni? Non ci sono ragioni. Chi ha bisogno di ragioni quando hai l'eroina?

98. Il laureato (1967)

Ah, i giorni della giovinezza! Spensierato e gioioso. Divertimento pieno di niente di cui preoccuparsi. Nessuna cura per il passato, che è stato lasciato indietro e nessuna preoccupazione per il futuro, che deve ancora venire. Benjamin Braddock ha condotto questa vita spensierata, dopo essersi diplomato al college. E quando finalmente tornò nella sua città natale, lì incontrò la signora Robinson. La fiamma di una relazione inizia a bruciare. La vita prende una svolta subdola quando il giovane Ben scambia il sesso per compagnia. Diventa sottosopra, quando si innamora di sua figlia. Un film stimolante, nei panni di una commedia, 'The Graduate' è uno dei film più divertenti di sempre. Interpretato da Dustin Hoffman, presenta la linea iconica: 'Mrs Robinson, stai cercando di sedurmi?'

97. La doppia vita di Veronique (1991)

Forse nessun altro regista ha capito le donne a una profondità emotiva così profonda come ha fatto Krzysztof Kieslowski. L'uomo li amava e li ha mostrati con tale passione e intimità che non puoi fare a meno di sentirti innamorato del suo crudo potere emotivo. 'La doppia vita di Veronique' potrebbe essere solo il suo più grande successo artistico. Il film parla di una donna che inizia a sentire che non è sola e che c'è una parte di lei che vive da qualche parte nel mondo con un'anima diversa. Veronique e Weronika sono le due donne identiche che non si conoscono eppure condividono tra loro una connessione emotiva misteriosamente intima. La cinematografia altamente stilizzata di Slawomir Idziak dipinge il film con una sensazione teneramente malinconica che ti avvolge e non riesce a lasciarti andare. Ci sono sentimenti ed emozioni che facciamo davvero fatica a esprimere a parole e il film dà vita a quegli inspiegabili sentimenti di pensosa tristezza e solitudine. 'La doppia vita di Veronique' è un'opera d'arte straordinaria che ritrae l'anima umana in tutte le sue belle fragilità e tenerezza.

96. Cinema Paradiso (1988)

Molte persone considerano il cinema un'indulgenza, un'attività di svago, un divertimento che non ha alcuna conseguenza nella vita. Ma io, con un esercito di ferventi cinefili a sostenermi con fervore, posso affermare con assoluta convinzione che il cinema è tanto necessario alla vita quanto la vita lo è al cinema. E 'Cinema Paradiso' è un modo bello, anche se ironico, per sottolineare il mio punto. Il regista di successo Salvatore torna un giorno a casa con la notizia della morte di Alfredo, e torna alla sua città natale nella Sicilia degli anni '50. Il giovane e dispettoso Salvatore (soprannominato Totò) scopre un amore duraturo per il cinema che lo attira al cinema di paese Cinema Paradiso, dove Alfredo è un proiezionista. Dopo essersi innamorato del ragazzo, il vecchio ragazzo diventa una figura paterna per lui mentre insegna scrupolosamente a Toto le abilità che sarebbero state il trampolino di lancio per il suo successo cinematografico.

Guardare Totò e Alfredo discutere di cinema con riverenza e vedere Alfredo dare consigli sulla vita attraverso citazioni di film classici, è pura gioia. Attraverso la storia di formazione di Toto, 'Cinema Paradiso' mette in luce i cambiamenti nel cinema italiano e il mestiere morente del cinema tradizionale, del montaggio e della proiezione mentre esplora il sogno di un ragazzo di lasciare la sua piccola città per fare un'incursione nel mondo esterno. Uno dei migliori 'film sui film' che ci siano mai stati.

95. Qualcuno volò sul nido del cuculo (1975)

Una di quelle rare esperienze cinematografiche che ti fanno provare una miriade di emozioni contemporaneamente. È divertente in alcune parti, edificante in alcuni e sconvolgente in altri. È anche una delle altre rare imprese in una narrazione semplicistica ed efficace, che racconta di Randle McMurphy, un criminale che nella speranza di sfuggire al carcere, finge di essere malato di mente e si dichiara non colpevole per follia. Al suo arrivo in un istituto psichiatrico, si ribella all'autoritaria infermiera Ratched (interpretata da una d'acciaio Louise Fletcher) in un classico scenario di ordine contro il caos. Il film stabilisce che in effetti non c'è nessuno migliore per interpretare personaggi con colpi e fascino in egual misura dello stesso Jack Nicholson, ottenendo una meritata vittoria all'Oscar per la sua interpretazione nel film. Quello che inizia come un film duraturo e commovente, si trasforma in un finale tragico anche se promettente, dopo scene inquietanti che coinvolgono un suicidio e una terapia elettroconvulsiva sui pazienti. Il film, tuttavia, non lascia mai perdere l'attenzione e il pathos dello spettatore per i personaggi sullo schermo, evocando un'emozione genuina e il tifo per lo spirito umano che emana anche di fronte all'autorità non corrisposta.

94. Pyaasa (1957)

Denso di idee di cambiamento sociale e di feroci commenti sulla malizia incombente e sugli stigmi della società, 'Pyaasa' non solo incarnava l'età d'oro del cinema indiano, ma era anche un riflesso della stessa borghesia indiana. È un film che ha una qualità sottile su se stesso, in cui tutte le verità sfacciate e le dure realtà della società ribollono sotto la superficie sottostante in attesa di essere esplorate ed estrapolate da un pubblico attento. 'Pyaasa' è un classico senza tempo non senza ragioni. Anche dopo 60 anni dalla sua uscita, rimane rilevante nei tempi moderni, perché l'India continua ad essere afflitta dalle stesse maledizioni della società - corruzione, misoginia, materialismo - che 'Pyaasa' affronta direttamente o indirettamente.

93. Tempi moderni (1936)

'Tempi moderni' è un film umoristico con un messaggio potente. Portando i temi caratteristici di Chaplin della speranza e della povertà, questa immagine si concentra sugli effetti negativi che i macchinari e altre forme di progresso tecnologico hanno sulla gente comune, portando alla ribalta un operaio la cui vita attraversa molti colpi di scena mentre cerca di affrontare il nuovo mondo. Sebbene lo slapstick sia divertente da strappare lacrime, è tutto contenuto in un vaso di tristezza. 'Tempi moderni' utilizza elementi intelligenti e sottili per porre importanti domande filosofiche di tanto in tanto. Il climax è uno dei più toccanti di sempre, coinvolge una triste forma di felicità e nessuna vera risposta o risoluzione. Questo film potrebbe benissimo essere l'opera meglio scritta di Chaplin, ed è sorprendente quanto le idee qui presentate siano rilevanti anche oggi. Avendo indubbiamente superato la prova del tempo, il percorso intrapreso da Modern Times per condividere i suoi pensieri è probabilmente l'aspetto migliore di questo trionfo cinematografico.

92. La sottile linea rossa (1998)

Il ritorno di Terrence Malick al cinema dopo una pausa di 20 anni è stato caratterizzato da questo dramma di guerra meravigliosamente sbalorditivo che esplora non la guerra, ma l'emozione di combattere la guerra. Il film è veramente di natura malick, con più enfasi sulla grafica che sulla storia, permettendoti di immergerti nell'esperienza di esso. Il genio del film sta nella visione di Malick di vedere la bellezza in qualcosa di oscuro e cruento come la guerra. Ci vuole un genio assoluto per trasformare qualcosa di brutale e sanguinoso come la guerra in un'esperienza così ipnotica che trascende le realtà della guerra e ti consente invece di immergerti nelle emozioni dei suoi personaggi. È un'esperienza così coinvolgente che ti chiede di sentire gli esseri umani dietro pistole e bombe. Queste sono anime devastate proprio come noi, desiderose di un tocco delicato, che mancano del calore del respiro dei loro amanti e mogli mentre devono affrontare la più brutta delle realtà lontane da loro. 'The Thin Red Line' è semplicemente un'esperienza come nessun'altra; uno che deve essere visto, sentito e riflettuto.

91. Blade Runner (1982)

Il Final Cut di 'Blade Runner' di Ridley Scott, credo sia il più grande film distopico mai realizzato. Sebbene Metropolis sia una scelta discutibile, bisogna osservare le immagini non autentiche associate al cinema espressionista tedesco. 'Blade Runner', d'altra parte, è più che perfetto nella costruzione di un mondo che soffre di disuguaglianza finanziaria, boom demografico, carenza di qualcosa di naturale perché qui non ci si può fidare nemmeno della carne. L'illuminazione scintillante è contestualmente naturale, perché è un mondo elettronico e Jordan Cronenweth lo usa in modo simile agli oggetti illuminanti di tutti i giorni nei film noir. Anche se potrebbe non porre domande di vasta portata come 'A Space Odyssey', ma ci fa chiedere se gli androidi sognano pecore elettriche.

90. Fargo (1996)

Violento, divertente, caldo e brutalmente intenso, 'Fargo' è uno dei migliori film americani degli anni '90 e uno dei più grandi drammi polizieschi mai realizzati. Il film parla di un uomo che assume due uomini per rapire sua moglie ed estorcere denaro al suo ricco suocero. L'uso brillante dell'umorismo oscuro da parte dei fratelli Coen pervade il film con un'aria di calore che conferisce un tono molto particolare al film. È questa magistrale miscela di commedia, dramma e violenza che rende 'Fargo' un'esperienza cinematografica così memorabile. Quella splendida scena di apertura di un Minnesota innevato, magnificamente accompagnata da una colonna sonora inquietante, dà il tono al film e stabilisce un senso di profonda tristezza che si nasconde dietro la violenza e l'umorismo di cui è ricco il film. Frances McDormand è chiaramente la star del film e ruba la scena, interpretando un capo della polizia incinta coinvolto in un mondo di malvagità e brutalità, ma riesce a trovare luce e speranza. 'Fargo' è un pezzo emotivamente crudo, brutalmente intenso, teneramente divertente e dolorosamente realistico di puro cinema avvincente.

89. Gomma da cancellare (1977)

'Eraserhead' è un pezzo da manuale sull'horror atmosferico. Raccontando la storia di un uomo con strani capelli che cerca di crescere una specie di famiglia da solo, questo film si trasforma sempre di più in un incubo surreale ogni minuto che passa. Usando il suono e i primi piani per offrire un senso di paura claustrofobica e allineandolo a una trama che non ha molto senso a prima vista, il debutto di David Lynch si rivela uno dei migliori in assoluto del maestro regista, il che di per sé è un grande elogio. Quello che fa 'Eraserhead' è creare un mondo distopico - schizzato di brutti edifici e congegni meccanici immersi in un feroce bianco e nero - e gettarvi personaggi che sono più o meno confusi dall'ambiente circostante. Mentre capire il significato di questa immagine è quasi impossibile, bisogna rendersi conto che questa non è mai l'intenzione. 'Eraserhead' pone nella mente del suo pubblico una sensazione di totale disagio, usando sia la sua grafica che lo stile surreale, e trova un modo per manipolare i loro pensieri. Solo una manciata di immagini sono meravigliosamente strutturate ma innegabilmente minacciose come questa, ed è qualcosa che solo qualcuno come Lynch potrebbe realizzare.

88. Fanciullezza (2014)

'Boyhood' è un tenero ricordo degli anni passati di gioia disinibita, ottimismo incrollabile e innocenza spumeggiante. Si basa sul derivare bellezza, gioia ed emozione dalla vita ordinaria delle persone e non da atti drammatici intensificati (pane e burro per la maggior parte dei film). È affascinante vedere come da scena a scena, non solo ci siano cambiamenti nella fisicità dei personaggi, ma noterai anche la trasformazione della loro moda, acconciatura, gusto musicale e, in generale, prospettive sulla vita. 'Boyhood', in un modo che pochissimi film fanno, trascende i confini del cinema e diventa una piccola parte della nostra stessa esistenza ed esperienza. Linklater ci ricorda ancora una volta perché è il migliore nel mondo degli affari quando si tratta di raccontare storie semplici sulla gente comune.

87. Giorni di paradiso (1978)

L'evoluzione di Terrence Malick in un visionario cinematografico autorevole e completamente controllato è una delle cose più grandi che siano mai successe al cinema americano. È chiaro dai suoi primi lavori che desiderava disperatamente saltare fuori dai confini convenzionali del cinema. Film come 'Badlands' e 'Days of Heaven' avevano narrazioni apparentemente semplici, ma questi erano film che cercavano di essere qualcosa di più. Qualcosa di più di una semplice storia. Un'esperienza. 'Days of Heaven' ottiene questo risultato in modo più brillante di 'Badlands'. Molte persone hanno spesso criticato il film per la sua trama debole. Non potrei dire che abbiano tutti torto, ma la storia, comunque, non è l'aspetto più importante di un film. Quello che Malick fa qui è usare la visualità del cinema che pone l'accento sullo stato d'animo della storia piuttosto che sulla storia stessa. Le sue intenzioni non sono di farti emozionare usando la difficile situazione dei personaggi, ma di farti osservare, sentire la bellezza dei paesaggi e la fragranza del suo luogo. E creare un'esperienza del genere visceralmente commovente è a dir poco un miracolo.

86. Tomba delle lucciole (1988)

Un film toccante e toccante che è alla pari in ogni aspetto a cui puoi pensare, con gli altri film d'azione dal vivo che mettono in risalto il bottino di guerra. Questo film d'animazione giapponese era incentrato sugli orrori della seconda guerra mondiale concentrandosi sulle vite di una coppia di fratelli, mi ha spezzato il cuore in un modo che nessun altro film è riuscito a fare, e ha continuato a calpestare i pezzi fino alla fine. Essendo un film di guerra, fa miracoli anche sul fronte umano, realizzando e sviluppando magnificamente la tenera relazione tra Seita e Setsuko di fronte alle avversità della seconda guerra mondiale. Il messaggio è forte e chiaro. Nessuna guerra è veramente vinta, e tutta la gloria che comporta vittorie è accompagnata anche dai lamenti di vite innocenti distrutte nella guerra. Apprezzerei il film per non essere stato apertamente emotivamente manipolativo nel farci fare il tifo per i suoi personaggi; ma non commettere errori, il suo punto di vista potente e intransigente sulla guerra e sui travestimenti subiti dai due fratelli ti ridurrà a un pasticcio singhiozzante. È COSÌ triste. Detto questo, non c'è altro modo in cui lo avrei. È la perfezione, nella sua forma più straziante.

85. Manhattan (1979)

Il romanticismo nei film di Woody Allen è sempre stato dolorosamente veritiero e deprimente realistico, nonostante il senso dell'umorismo deliziosamente struggente con cui li avvolge. Mentre 'Annie Hall' rimane il suo film più audace, 'Manhattan' si presenta come un'opera più matura, artisticamente. Il film vede Allen nel ruolo di un newyorkese annoiato e confuso, divorziato da poco, che esce con una liceale ma finisce per innamorarsi dell'amante del suo migliore amico. Allen ha leggermente attenuato l'umorismo per questo film per farci sentire veramente la tristezza che inghiotte i suoi personaggi, il che lo rende un'esperienza così emotivamente drenante. È solo un ritratto profondamente toccante di relazioni vacillanti e di esseri umani imperfetti che lottano con se stessi e la propria esistenza, alla disperata ricerca di una felicità che non avrebbero mai riconosciuto e raggiunto. Ed è questa consapevolezza dolcemente delicata e toccante della condizione umana che rende 'Manhattan' un film così potente.

84. Marketa Lazarova (1967)

Il paesaggio onirico incorporeo dell'icona ceca František Vláčil, Marketa Lazarová, è semplicemente una delle opere d'arte più incredibili uscite dai 20^thSecolo. Il suo approccio d'avanguardia al linguaggio cinematografico si adatta a malapena ai confini di quel giro di parole spesso dannoso, perché è qualcosa di più. Una straordinaria fusione di vista e suono, svincolata da convenzioni, strutture o regole scritte, studiosi di cinema ribelli hanno schiaffeggiato la forma del film nel corso degli anni. In confronto, tutto il resto sembra così strettamente controllato, così innaturale e artificioso nell'esecuzione. Marketa Lazarová è cruda, viscerale e sorprendentemente dinamica. In breve: lo è libero – un vero apice delle possibilità di esplorare ogni centimetro di mezzo cinematografico. Per questo, si trova tra i più grandi film mai realizzati.

83. Cantando sotto la pioggia (1952)

Singin' In The Rain è il musical più importante dell'età d'oro di Hollywood. Impossibile dimenticare l'immagine di Gene Kelly che balla vicino al lampione, quando si parla dei momenti brillanti del cinema. Il film non solo celebra deliziosamente la propria abilità, ma anche il passaggio del cinema dall'essere un mezzo visivo a uno risonante e stimolante. Un risultato monumentale nel cinema Technicolor, lo sforzo registico di Kelly è stato inizialmente scartato in modo divertente da critica e pubblico. Credo che la rilevanza di questo classico cresca di giorno in giorno, man mano che il divario tra i periodi di tempo coperti dal film (vita reale e in bobina) e il presente cresce sempre più. Stiamo perdendo il contatto con un'era importante e questo film ti brulica della sua nostalgia.

82. Non guardare ora (1973)

È molto difficile trovare un'opera d'arte visiva ipnotica come 'Dont Look Now' di Nicolas Roeg. Per molti versi questo capolavoro è come l'orribile nano alla fine. È meravigliosamente drappeggiato in una colorazione estatica, ma ospita la parte peggiore della vita: la morte. Non importa quanto sia efficace il personaggio di Sutherland, credo che questo sia un film basato sulle emozioni, poiché Roeg pone la ricerca dell'amore perduto su una storia conclusiva. La fondazione gotica è un espediente potentissimo per esclamare l'importanza dei legami su cui fa affidamento, quello dell'amore paterno e familiare, nonché per dare una vaga forma ai fantasmi che perseguitano il protagonista. Alcuni posti sono come le persone, altri brillano e altri no.

81. Fight Club (1999)

Ogni tanto arriva un'opera d'arte che definisce la psiche di una generazione. Per quanto riguarda il cinema, gli anni '50 avevano 'Rebel Without A Cause', gli anni '60 avevano 'The Graduate' e gli anni '70 avevano 'American Graffiti'. E anche dopo due decenni, 'Fight Club' si adatta come un guanto all'etica cupa, scontenta e anti-establishment della nostra generazione. Come tanti grandi film, 'Fight Club' è molto divisivo e può essere interpretato filosoficamente in molti modi distinti: alcuni lo trovano per definire la virilità contemporanea, mentre altri pensano che glorifichi la violenza e il nichilismo.

Essenzialmente un thriller, il film è raccontato dal punto di vista di un protagonista senza nome che soffre di insonnia e scontento del suo lavoro monotono che incontra un impetuoso produttore di sapone di nome Tyler Durden. Durden e il protagonista iniziano presto un 'Fight Club' sotterraneo come un modo per i membri scontenti della società di sfogare la loro rabbia. Ma presto i piani di Tyler e le relazioni del narratore sfuggono al suo controllo, portando a un climax esplosivo (letteralmente!)

Insieme all'atteggiamento diabolico che si diffonde, 'Fight Club' è anche un segno distintivo di una direzione da asso della leggenda contemporanea David Fincher. La cupa tavolozza dei colori, il montaggio nitido e l'ottimo lavoro di ripresa hanno ispirato un'orda di thriller oscuri dopo il film. Un film spartiacque degli anni '90.

80. Prima del tramonto (2004)

Ecco la verità sull'evoluzione umana che nessuno ti dirà: l'umanità perderà presto l'arte della conversazione. I progressi tecnologici hanno un grande effetto collaterale: le persone sono sempre meno interessate a intavolare conversazioni reali, perché hanno la tecnologia dietro cui nascondersi. Ed è proprio per questo che la serie Before resisterà per i decenni a venire. Una serie di film su due persone impegnate in una vera conversazione è una rarità anche per questa generazione. In futuro, tali film non verranno realizzati affatto. Ecco perché le generazioni future guarderanno indietro alla trilogia di Before con stupore e meraviglia. E non sarò sorpreso se la trilogia troverà il suo meritato posto non solo nella storia del cinema, ma anche nella biblioteca di ogni scuola di cinema.

Tra i tre film di Before, 'Before Sunset' spicca perché è il più struggentemente bello. Un film che parla intrinsecamente del desiderio umano più forte: il desiderio di stare con qualcuno con cui potresti passare il resto della tua vita. Se guardi da vicino, 'Before Sunset', in definitiva, diventa uno specchio, guardando in cui puoi giudicare le tue relazioni: dove hai sbagliato? Chi era in realtà quello per te? Quali opportunità ti sei perso? Cosa avrebbe potuto essere? È uno dei film rari più rari in cui la tua esperienza di vita arricchirà e alimenterà la tua esperienza con il film.

79. La matrice (1999)

Un'idea ingegnosa e intelligente resa sullo schermo dai Wachowski, che ha portato a un film che ha reso molti spettatori diffidenti nei confronti della realtà in cui si sono trovati. È vero, una volta che 'The Matrix' è stato realizzato, non si poteva tornare indietro, è cambiato le cose. Non solo il film ha aperto nuovi orizzonti nella sua storia, ma ha anche rivoluzionato il modo in cui i film di fantascienza e d'azione sono stati concepiti in seguito. Il successo di 'The Matrix' come film risiede anche nel modo in cui si diletta magistralmente tra temi come la filosofia, l'esistenzialismo e persino la religione, mentre indossa le sembianze di un film d'azione e di fantascienza. La capacità di Neo di manipolare la realtà simulata per eseguire prodezze apparentemente impossibili e l'uso del bullet time, una tecnica d'azione che ora è a dir poco iconica, si aggiunge all'ingegnosità del film. Il genere potrebbe essere esagerato ora, ma quando è uscito per la prima volta, è sicuro dire che il pubblico non aveva visto niente del genere.

78. Il settimo continente (1989)

Definire 'Il settimo continente' di Michael Haneke un film horror mi sembra molto sbagliato, ma è così che viene definito dalla maggior parte delle persone che lo hanno visto. È difficile discutere con loro, perché la visione di questo film lascia senza speranza, depressi e spaventati. Avendo a che fare con una famiglia che odia il mondo e la vita in generale, questo classico del 1989 assume una posizione fredda e distante per isolare ulteriormente i tre giocatori dal resto della società, il che lentamente ma inesorabilmente fa sì che il pubblico si senta profondamente per loro come loro l'esistenza prende una svolta oscura. Essendo uno dei film più inquietanti mai apparsi sul grande schermo, il pezzo d'esordio di Haneke schernisce lo spettatore e non lo lascia mai andare. Se il pubblico lo chiama un film dell'orrore, allora lo fa riferendosi a un film spaventoso diverso dagli altri. Coperto di ambiguità e realismo, Il settimo continente è una rivisitazione personale, intima e terrificante di una storia vera che ti lascia in silenzio, perché per almeno un paio di minuti dopo la fine, diventi incapace di pronunciare una sola parola.

77. Zodiaco (2007)

'Zodiac' non è il tuo thriller convenzionale; è lento e si concentra più sull'umore e sui personaggi che sulla trama. C'è un'aura che David Fincher costruisce così tanto che puoi sentire l'atmosfera del film nelle tue ossa. Non è un film che ti lascerà felice quando finirà. È anche un film in cui il cattivo vince, i buoni perdono. Ed è per questo che è così buono. Non solo buono, ma un capolavoro moderno. Quando un film riesce a farti torcere per due ore e mezza intere e lasciarti pensare per giorni, deve avere molte cose giuste che i thriller di routine non fanno. Secondo me, 'Zodiac' è il miglior film di Fincher, dove lui, con la sua disciplina e la sua gamma di abilità, mostra perché a volte meno è di più.

76. Magnolia (1999)

'Magnolia' è senza dubbio l'opera più personale di Paul Thomas Anderson di gran lunga. L'atmosfera isterica che Anderson infonde nel film porta una certa fluidità emotiva al melodramma che è così incredibilmente avvincente e catartico nella sua energia. Il film si svolge interamente nella San Fernando Valley con vari personaggi correlati che attraversano diverse fasi della loro vita, lottando per affrontare i propri demoni interiori e conflitti emotivi. Anderson ama queste persone, le conosce e le comprende, ma le presenta senza scusarsi per quello che sono; esseri umani completamente nudi, grezzi e puri, che affrontano e superano le loro paure e fragilità più profonde. Ciò che rende 'Magnolia' così speciale è che è un film che racconta così tanto del suo regista. Ci viene data una sbirciatina nella vita di Anderson, nel luogo a cui appartiene e nelle persone della sua vita. C'è così tanto di Anderson in tutto il film. Un film come 'Magnolia', se fosse stato diretto da qualsiasi altro regista, sarebbe sembrato datato e sembrava più o meno un prodotto del suo tempo, ma con Anderson non fa che aumentare il fascino del film.

75. Il bambino di Rosemary (1968)

'Bambino di rosmarino' è un'opera d'arte oscura e contorta che gioca con l'innocenza per creare un senso di orrore. Avendo a che fare con una donna che sta vivendo complicazioni durante la gravidanza, il film prende una strada completamente nuova con la sua trama, consentendo agli elementi rituali di svolgere un ruolo importante. C'è così tanto da amare in questo film, a partire dai personaggi ben scritti fino al lontano ambiente cupo che circonda ogni incidente che si verifica. C'è sempre una sensazione di tensione in tutto il film, e questo è in parte dovuto alla cinematografia silenziosa e persistente eseguita con lo stile registico stretto di Polanski. Mia Farrow offre la migliore interpretazione della carriera qui nei panni di Rosemary Woodhouse, una donna che diventa più debole mentre lotta con i dolori che derivano dal portare un bambino. Nel complesso, l'atmosfera catturata da questo film è eguagliata da pochi altri, e il modo in cui penetra nella tua pelle è davvero qualcos'altro.

74. Il buono, il brutto e il cattivo (1966)

Personaggi incantevoli interpretati da attori leggendari, azione sfrenata e brutale da pistolero, musica accattivante e cinematografia intensa: la terza parte della trilogia 'Dollars', che si dice sia la nascita degli spaghetti western, è il cinema indulgente, accattivante e divertente al suo meglio. Blondie o No Name (The Good), un pistolero professionista e Tuco (The Ugly), un fuorilegge ricercato, formano un'alleanza riluttante quando entrambi scoprono un dettaglio importante su una scorta d'oro nascosta da un confederato in fuga. che Angel Eyes (The Bad), un sicario, è incaricato di uccidere. Il viaggio del trio costituisce il punto cruciale di una trama avvincente che si conclude con un classico sguardo fisso in basso in stile western. Clint Eastwood nei panni di Blondie è l'immagine del machismo, Lee Van Cleef nei panni di Angel Eyes è la personificazione del male ed Eli Wallach nei panni di Tuco aggiunge una complessità caratteriale di impulso e rabbia agli atti più semplici ma più appariscenti di Good Vs Evil delle due stelle più grandi. Ma le redini sono per sempre il regista nelle mani di Sergio Leone: usa inquadrature lunghe tentacolari e un'intensa fotografia ravvicinata come richiesto per creare tensione nel procedimento. Un film che ha definito il genere Quentin Tarantino, uno dei massimi esponenti del western moderno, un tempo definito Il film più diretto al mondo.

73. I giocatori in viaggio (1975)

Per troppo tempo, l'epopea intima e delicatamente assemblata di Theo Angelopoulos è stata conosciuta da pochi appassionati di cinema e forse apprezzata da ancora meno. La sua maestosa e graduale erezione di un monumento cinematografico alla nostra relazione esoterica e criptica con il tempo è comprensibilmente, non per tutti. Ma per i curiosi tra noi, è noto che fornisce conforto, presta saggezza e regala una percezione che aiuta a trovare costanti a cui aggrapparsi in questo mondo universalmente e crudelmente dinamico. Tra le molte cose che questo film riesce a ottenere è la sua comprensione incontaminata delle rivelazioni nel racconto di 'Oreste'. La mitologia associata alla figura tragica è catturata con un'umiltà stordente e tuttavia, il film riesce a trasportarci attraverso la sua visione flessibile fino a una visione malinconica e persistente della Grecia della metà del XX secolo. La sua eleganza temporale giustifica la visione della storia stando accanto alla troupe: dall'esterno verso l'interno. Tendi sia a percepirne la durezza sia a riflettere sulla sua creazione. È una lezione di storia antifascista rara perché non ci dice mai cosa pensare. Ci mostra solo cosa provare. Angelopoulos e il direttore della fotografia Giorgos Arvanitis ci collocano in luoghi mozzafiato e li spazzano via con la malvagità devastante del periodo. 'The Traveling Players' è una gemma umile e rara che sembra essere stata salvata da strade piene di rivolte e sopravvissuta alla fame. In termini più semplici, non lo meritiamo.

72. Cassa (2005)

Michael Haneke è spesso accusato di avere sempre a che fare con narrazioni cupe. Quella caratterizzazione è completamente ingiusta perché ciò che essenzialmente fa è fornire intuizioni umane sull'oscurità che ci avvolge tutti, su come le nostre percezioni imperfette portano a un isolamento agonizzante e su come le nostre delusioni riducono le nostre possibilità di superare tale isolamento. 'Caché' non è solo un documento enorme e bruciante che indica la malvagità del massacro della Senna del 1961 e la nostra disumanità come società, ma anche uno studio del carattere poeticamente universale. Georges, il nostro protagonista, percepisce la vita e la sua presenza come essere sociale in un distorto senso di gioia. Fugge dal conforto della fiducia e della comunicazione con gli altri. Gode ​​della sua alienazione, proprio come aliena tanti che lo tengono così caro. Con ciò, Haneke prende in giro la generazione che desidera essere lasciata sola. La sua macchina fotografica a volte è insolitamente distante, proprio come molti di noi lo sono in relazione a ciò che ci circonda. Ma sotto il suo controllo, dobbiamo affrontare la nostra indecenza, la nostra sconsideratezza, la nostra realtà. Uno dei film più impegnativi che tu abbia mai visto.

71. Lo spirito dell'alveare (1973)

Il maestro spagnolo Victor Erice ha realizzato solo tre lungometraggi prima di ritirarsi. Ancora vivi oggi, i suoi film come El Sur, Quince 'Tree of the Sun' e soprattutto Spirit of the Beehive, il suo indefinibile debutto, ci fanno desiderare che stesse ancora facendo film. Una storia parabalica di due bambini, uno che esplora la sua esistenza con un fascino innocente e spesso sconcertante e l'altro ossessionato dal film 'Frankenstein' che è stato proiettato nel loro teatro locale. Il suo ritratto mistificante del cuore della Spagna è lasciato in una seducente ambiguità dalla regia tipicamente neutrale di Erice, che raramente si avventura nel metodo cinematografico a favore dell'osservazione silenziosa. Il lavoro che ne risulta è sconcertante, avvincente e ti lascerà a interrogarti sull'enigma intrinseco della vita stessa: le sue domande senza risposta, i suoi grandi misteri e la loro sconcertante inattaccabilità. Per lasciarti completamente devastato o incomparabilmente commosso, non c'è dubbio che l'estremo 'Spirit of the Beehive' sarà un'esperienza importante.

70. Tutti gli uomini del presidente (1976)

Watergate. Una parola che ha abbassato il sipario sulla presidenza di Richard Nixon e ha fatto capire alla gente che anche una persona della statura del presidente può chinarsi il più possibile per portare a termine le sue cose. Mentre i compari del presidente erano impegnati a ripulire il pasticcio che aveva creato, c'erano due giornalisti che ne hanno sentito l'odore. Nonostante le minacce incombenti, hanno lavorato instancabilmente, hanno perseguito anche la più piccola delle piste e, a volte, hanno messo in pericolo se stessi nel processo per portare i fatti alla gente. Basato sull'omonimo libro, scritto dai giornalisti Bob Woodward e Carl Bernstein, 'All the President's Men' è un'osservazione acuta di ciò che dovrebbe essere il vero giornalismo. Diretto da Alan J Pakula, questo è stato nominato per otto premi accademici, vincendone infine tre e perdendo incidentalmente il miglior film a favore di 'Rocky'.

69. L'esercito delle ombre (1969)

Penso che un ottimo punto di confronto da fare per i nuovi arrivati ​​nel lavoro di Jean-Pierre Melville sia quello di Stanley Kubrick. Entrambi praticano un'estrema precisione tecnica ed emanano assoluta fiducia in ogni bobina di lavoro che hanno svolto nel corso di carriere lunghe e creativamente redditizie. Detto questo, una lamentela economica ma impegnativa che chiunque può presentare al regista americano è la sua 'assenza di anima'. Un posto vacante di espressione umana. Questo non è il caso di Melville. In 'Army of Shadows', i personaggi di Melville ardono di un'amara scintilla alimentata dalla disperazione che fa trasudare umanità ogni loro azione. Nel mondo mortale del movimento Wartime Resistance, una mossa falsa può portare alla distruzione totale ed è con la grazia e il controllo virtuosistico sopra menzionati sul suo cinema che Melville cuce i semi di un mondo completamente credibile e convincentemente morto. 'Army of Shadows' è uno dei pezzi più silenziosi, intriganti e monumentali usciti dal cinema francese, e perdere un classico così criminalmente trascurato significherebbe renderti un grave disservizio.

68. Lo splendente (1980)

Con il suo adattamento del classico di Stephen King, Stanley Kubrick ha creato nel 1980 un film che ha continuato a ridefinire il genere horror. Qui, non sono solo la storia o i personaggi a far nascere la paura. L'ambiente e il modo in cui è stato filmato aiutano meravigliosamente a permettere a una tensione insensibile di penetrare nelle menti del pubblico. Il film segue Jack Torrence, un custode appena nominato all'Overlook Hotel, e la sua famiglia mentre trascorrono un periodo di totale isolamento nel misterioso edificio. Attraverso prestazioni straordinarie e un eccellente lavoro di ripresa, Kubrick si assicura che i contenuti del film sprofondino nel nostro subconscio. Il modo in cui manipola il suono e l'atmosfera è assolutamente incredibile e crea per due ore e mezza indimenticabili e da brivido. Il mondo di 'The Shining' è meravigliosamente scuro, che ti afferra saldamente per il colletto durante l'intero suo terzo atto mozzafiato.

67. Chinatown (1974)

C'è un film noir e un neo-noir e proprio tra questi due c'è Jake Gittes, vestito in modo ordinato con un fedora croccante per complimentarsi con quel sorriso sul suo viso. Nonostante sia un grande ammiratore di Polanki, c'è sempre qualcosa che non corrisponde al prodotto finale dei suoi film. Tranne Chinatown. Questo capolavoro seminale non solo ha creato un'identità per se stesso, ma è sempre considerato dai registi che ne prendono in prestito lo stile per creare un'identità per il loro film. Polanski è un mago al lavoro, che ci inganna con ruoli distinguibili, oltre a ritmo e ambientazione noir classici. Ma poi arriva l'ultimo atto di Chinatown, che abbatte così rapidamente ogni convenzione originariamente collegata a simili film gialli, che ti rimane un travolgente senso di shock e disperazione. Il suo fallimento nel battere il Padrino II mi lascia ancora perplesso, ma dopo mezzo secolo la gente ha dimenticato la Sicilia, ma mai Chinatown.

66. Il tango di Satana (1994)

Confessione numero uno: non ho quasi mai visto il capolavoro tentacolare e prodigioso di Béla Tarr. Si potrebbe presumere che il suo status di favorito cinefilo di tutti i tempi e l'eccezionale reputazione che ha accumulato nei circoli della casa d'arte americana e tra alcuni dei critici cinematografici più informati di tutto il mondo mi incuriosissero. Ma l'immensità della sua durata (circa 432 minuti) e il ritmo da loris che avevo tanto apprezzato in 'Werckmeister Harmonies' di Tarr sembravano scoraggianti. Confessione numero due: ho visto 'Sátántangó', per la prima volta, d'un fiato. Sono stato ipnotizzato dal suo senso pragmatico del mondo reale e dal suo paziente, prudente senso del cinema. Osservava più di quanto riflettesse e contemplava più di quanto non fornisse affermazioni ben formate. Il suo mitico e cupo realismo era troppo bello per essere vero e troppo brutale per essere realizzato con un tale occhio per la bellezza.

Tutto quello che desideravo fare entro la fine era chiudere tutte le mie finestre e avvolgermi nell'oscurità perché il film per me era stato come quel pazzo nella chiesa e il suo lamento aveva troppo senso. Confessione numero tre: sono entusiasta di riferire che le sagaci riflessioni sociali e politiche di 'Sátántangó' hanno iniziato a rendersi chiare per me quando ci sono tornato ripetutamente. Un'estate trascorsa a divorare il romanzo di László Krasznahorkai, che funge da materiale di partenza per il film, è stata particolarmente memorabile. Tutto quello che posso fare ora è sperare di continuare a raccogliere i frutti di questo felice incidente.

65. L'esorcista (1973)

'L'esorcista' di William Friedkin è perfettamente diretto. L'uomo è famigerato per un percorso di carriera irregolare che vede i classici cadere a pezzi (e spesso i due gruppi si incrociano per alcune affascinanti esplorazioni della spudoratezza cinematografica). Con il suo miglior film, Friedkin ha deciso di girare un dramma che per caso riguardava la possessione demoniaca: cucire pathos per i suoi personaggi complessi e tradurre visceralmente il testo dell'autore originale William Peter Blatty intrappolato tra credenza e paralizzante dubbio. Il risultato finale di due meravigliosi artisti che lavorano al top del loro gioco per offrire un classico scintillante del cinema americano: uno che eclissa quasi tutti i film del suo genere (tranne forse l'inconsapevolmente terrificante 'Wake in Fright' o il fortuito tour-de di Tobe Hooper -forza Il massacro della motosega del Texas ). Semplicemente sensazionale.

64. Suspiria (1977)

Perché nei nostri sogni, entriamo in un mondo che è interamente nostro: J.K.Rowling. E se una delle menti più contorte del cinema decidesse di spruzzare il suo subconscio su un pezzo di film. La Suspiria di Dario Argento è considerata una sfida alla logica cinematografica con la sua storia stranamente strutturata. Ma credo che sia un capolavoro neo-espressionista che cattura la vera essenza del cinema, che è farci sentire veramente, veramente vivi. Argento comprende il valore dello spazio, e quindi mostra una maggiore attenzione alla cinematografia e alla scenografia, che sono gli abitanti dominanti del suo film. 'Suspiria' non rappresenta solo lo stile di Argento, ma l'intero horror italiano, un genere irritato dall'estetica dell'arte.

63. Un uomo è scappato (1956)

Impeccabilmente preciso e stimolante economico, il raro occhio di bue di Robert Bresson è stato colpito da 'A Man Escaped' del 1956. L'apice dei poteri volubili dell'uomo come regista, segue i tentativi dell'agente della resistenza francese Fontaine di fuggire da una prigione nazista sempre più pericolosa e trova un significato in ogni singolo fotogramma. Dal ritratto straordinariamente umano del protagonista del non attore François Letterrier, le cui guance infossate e gli occhi sbarrati hanno espresso in modo così convincente il peso schiacciante della vita in tempo di guerra, al minimalismo di Bresson che riesce a coltivare un'intimità bruciante tra il pubblico e il uomo: Da frequenti punti di vista e composizioni eleganti che non si dedicavano eccessivamente alle tecniche, il lavoro circostante di Bresson a volte è annegato. Non taglierei via un singolo fotogramma, e quindi il film funge da metodo educativo assolutamente vitale per i registi in erba: dipingere qualcosa di così vivido e denso senza che si senta mai prepotente.

62. Uccidere un Mockingbird (1962)

In tempi come questi, non c'è film migliore di 'To Kill A Mockingbird' per spiegare ai neonazisti il ​​vero significato di casta, credo e razza. Ambientato nelle linee temporali di un'America divisa razzialmente, un uomo afroamericano viene accusato di aver violato la modestia di una donna bianca. Al culmine delle ingiustizie razziali, quando un tribunale pieno di bianchi sta invocando il suo sangue, tocca a un solo uomo combattere la sua causa. Un uomo bianco, di nome Atticus Finch. Ha combattuto valorosamente per sostenere il fatto che tutti gli uomini sono creati uguali in tribunale, di colore o meno. I suoi sforzi diventano vani, poiché il tribunale dichiara l'uomo colpevole. Ma ciò che resta allo spettatore è la lezione che Atticus Finch inculca ai suoi figli. Cioè, 'non capisci mai veramente una persona finché non consideri le cose dal suo punto di vista'. Basato sull'omonimo bestseller di Harper Lee, 'To Kill A Mockingbird' è uno dei più grandi film di tutti i tempi.

61. Lunotto posteriore (1957)

Ciò che distingue un film thriller capolavoro dalle normali acque reflue accumulate regolarmente su di noi, è che in quest'ultimo i colpi di scena arrivano in un lampo, basandosi più sul nostro shock che sulla veridicità della svolta per avere un impatto. Ma in film come 'Il finestrino sul cortile', le piccole cose evidenti dal momento in cui il fotografo professionista in sedia a rotelle L.B. Jeff Jeffries guarda fuori dal suo lunotto accumularsi goccia a goccia fino a quando non si allagano, facendo sospettare all'innocuo Jeff che un uomo che vive dall'altra parte del cortile abbia commesso un omicidio. Hitchcock usa la sua macchina fotografica magistralmente come gli strumenti di un illusionista per mantenere i suoi spettatori tesi, ingannati e indovinati fino alla rivelazione sbalorditiva. Attraverso lo stalking ossessivo di Jeff del suo argomento di interesse, Hitchcock commenta gli errori del voyeurismo, quanto possa essere allettante e l'oscurità dello stile di vita urbano solitario che lo porta. Ancora più incredibilmente, è un commento sul voyeurismo dello spettatore tanto quanto quello di Jeff; poiché siamo affascinati dal fascino di Jeff. Guardare senza essere guardati è una gioia malvagia; Hitchcock lo sa, lo ammira e ci coinvolge.

60. 4 mesi 3 settimane e 2 giorni (2007)

Alcuni film ti commuovono; alcuni ti fanno ridere; alcuni ti spezzano il cuore. '4 mesi, 3 settimane e 2 giorni' appartengono a una categoria speciale di film: quelli che ti rendono ansioso e nervoso. Come avrai intuito, questi film sono probabilmente i più rari di una razza rara. Il film segue due amici che cercano di organizzare un aborto nel brutale regime comunista di Ceausescu in Romania. Viscerale e intransigente, il film ti prende per la collottola e non ti lascia mai andare. Guardare questo film è come provare la sensazione straziante che provi quando aspetti nervosamente che uno dei tuoi cari esca da una sala operatoria dopo l'intervento chirurgico. Non è solo il cinema realistico al suo meglio; è anche uno dei film più rivoluzionari che tu abbia mai visto.

59. L'anno scorso a Marienbad (1961)

Film del 1961 di Alan Resnais 'L'anno scorso a Marienbad' è il più vicino che siamo riusciti a visualizzare un sogno, ed è fatto nel modo più strano possibile. La musica che fa da sottofondo per la maggior parte del runtime funziona come un sedativo che mette il pubblico in uno stato di sonnolenza. Nonostante ciò, è praticamente impossibile tenere gli occhi lontani dallo schermo, perché c'è così tanto da fare in tutta l'immagine, anche se viene mostrato solo poco. Mi piace pensare a 'Last Year At Marienbad' come un film immaginato dal subconscio, a causa della sua natura ripetitiva e confusa. Anche i personaggi sono confusi riguardo al bizzarro mondo in cui sono stati messi. È un pezzo maturo e sofisticato, e trovo la trama centrale – che coinvolge un uomo e la sua relazione con una strana donna che ricorda distintamente di aver incontrato l'anno prima, anche se lei non ricorda lo stesso di lui – molto coinvolgente, originale, appassionato, romantico, onirico e, naturalmente, brillante.

58. Fragoline di bosco (1957)

Sei mai stato in viaggio in cui non hai niente di meglio che guardare fuori dalla finestra? Per un certo periodo di tempo, guardi la vista all'esterno, prima che i tuoi pensieri arrivino precipitosamente e ciò che è fuori ora è solo un modello: non attira più la tua attenzione. Così accade con Isak Borg, il protagonista del classico pezzo d'atmosfera di Bergman che ha trovato posto in innumerevoli liste dei migliori film di tutti i tempi, tra cui quella compilata da Stanley Kubrick nel 1963. È in viaggio con la nuora per ricevere la laurea del dottor Jubilaris dalla sua alma mater. Non le piace e ha intenzione di lasciare suo figlio. Ma il nostro Professore, interpretato dal brillante Victor Sjöström, non è molto interessato al futuro. I suoi pensieri e di conseguenza il film, catapultato dalle tante persone che incontra nel suo viaggio, gettano luce solo sul suo passato. Visti attraverso l'obiettivo indulgente e sicuro di Bergman, i suoi ricordi sono semplici, familiari e umani. Non glorificano la sua vita o rifiutano i suoi successi. Sono disordinati, come la maggior parte dei nostri e deliberatamente distorti. Quando finalmente arriva nel luogo per ottenere l'onore, ci rendiamo conto che non ha mai avuto bisogno di una ricompensa. Lo aveva già in quelle fragole che raccoglieva con la sua dolce metà, il mercante che lo ricordava, il rapporto travagliato con la moglie, il buono e il cattivo, il redentore e l'imperdonabile. Come noi, sotto forma di questo film misterioso e inspiegabilmente commovente.

57. Le regole del gioco (1939)

L'ingegnosa e pungente commedia dei modi di Jean Renoir riesce a reggere sorprendentemente bene dopo tutti questi anni, pur rimanendo giocosa e inquietante come sempre. È stato evitato al momento della sua uscita sia dalla critica che dal pubblico, con il risultato che Renoir ha tagliato una parte significativa del film dopo la disastrosa prima, una parte che presentava principalmente il personaggio di Octave, interpretato dallo stesso Renoir. Non sorprende da allora la sua crescita di statura. Il film, nella sua scaltra e autorevole giocoleria di personaggi, temi, toni e ambientazione, è sempre divertente in modo delirante, ma mai meno diligente o meno sontuosamente realizzato del miglior cinema mondiale dell'epoca. Le sue immagini scrupolosamente forgiate pulsano di raffinatezza, ma lo sforzo non viene mai visto e il film ti lascia a bocca aperta con la meraviglia di quanto profondamente fossi invischiato nella sua atmosfera abilmente costruita. Il direttore della fotografia Jean Bachelet e Renoir giocano con la macchina da presa in un modo che conferisce al film una leggerezza, ma il loro controllo implacabile è ciò che lo rende un'impresa costantemente intrigante. Se tutto questo non basta, dovresti sapere che Alain Resnais una volta ha detto che il film è stata l'esperienza più travolgente che avesse mai avuto al cinema. Sarebbe difficile trovare una raccomandazione più brillante.

56. Il terzo uomo (1949)

Il film noir è un genere associato a film che abbondano di vicoli bui, personaggi segreti e seducenti, un senso di mistero e un bianco e nero cremoso per rivestire il tutto. Sebbene molte di queste immagini siano intriganti e offrano un buon momento, pochi provano qualcosa di innovativo e diverso. Il terzo uomo è uno dei più grandi film noir mai realizzati, perché racconta la sua storia sbalorditiva eccezionalmente bene, facendo uso di impressionanti inclinazioni olandesi, luce sorprendente e musica meravigliosa. Il film ha a che fare con un uomo e la sua indagine autocondotta sull'omicidio del suo amico finanziariamente benestante. La trama di Il terzo uomo è pieno di romanticismo, umorismo oscuro, colpi di scena e suspense. Nel suo cuore, il film può essere definito una dolce storia d'amore, ma con tutto il resto, quell'infatuazione è lasciata in dubbio. Mettendo in scena una sceneggiatura scritta magistralmente, l'opera magnum di Carol Reed è quella che ti tiene con il fiato sospeso per tutto il percorso dal suo primo atto umile e spensierato fino a un finale che potrebbe benissimo essere il finale più intelligente di qualsiasi film tu ' lo vedrò mai.

55. Grida e sussurri (1972)

Il tragico dramma familiare di Ingmar Bergman affronta una tristezza che è allo stesso tempo immacolata disperata e febbrilmente urgente. Non è costruito pazientemente scena per scena e consegnato su un piatto alla fine. Sei fatto per inalare fin dall'inizio del film che introduce i protagonisti e il loro dolore indurito e combustibile con splendidi primi piani che rendono vividamente evidente il loro soffocante disagio. Tutto questo è coperto da una pletora spietata di rosso, nella forma del cremisi con cui sono dipinte le pareti della casa in cui si svolge la storia. Bergman ci rende consapevoli del fetore di morte che circonda le donne con una direzione così imponente che una morte effettiva non è motivo di allarme. Il desiderio intrinsecamente violento delle donne ha reso ogni cosa nel film un ricordo ossessionante e intriso di sangue nella mia mente. Le immagini costantemente affascinanti di Sven Nykvist sono mitigate dalla scrittura sottile di Bergman e dalle interpretazioni magistralmente vissute degli attori. La luminosa Liv Ullman sembra confondere e affascinare ogni volta che la telecamera è su di lei, mentre le incredule Ingrid Thulin e Harriet Andersson sono così intatte nel loro lavoro che è invasivo entrare in contatto con i loro sentimenti. Bergman non ci dà le idee chiare da portare a casa, ma ci nega tutte le altre sensazioni rispetto a quelle che provano i suoi personaggi. Ci chiediamo fino a che punto arriva il suo accesso alle nostre emozioni e lo estende ad ogni angolo. In definitiva, 'Cries and Whispers' non è da credere, è da vivere.

54. C'era una volta il West (1968)

Forse è la colonna sonora inquietante di Morricone o forse la visione di Delli Colli che è vasta quanto l'Occidente o forse la grinta incrollabile che anima gli occhi di Bronson e Fonda e forse è il culmine di tutti questi aspetti in quasi ogni fotogramma del maestro Sergio Leone . Se hai bisogno di un western che abbia sia la bellezza di John Ford che la spietata natura selvaggia di Sam Peckinpah, allora semplicemente non c'è nessuno vicino a Leone. Nella sua opera magnum, realizza ciò che gli aveva portato 3 film in precedenza, per creare un mondo mistico in mezzo al nulla. Anche se potrebbe non esserci nulla di spirituale in superficie, il film ha dei. Gli dei sfoggiano corone piene di 10 galloni di polvere da sparo e sabbia che inghiottono con acqua. Inoltre, il casting di Henry Fonda come antagonista è stata probabilmente la decisione di quel decennio, poiché i suoi gelidi occhi blu erano diversi da qualsiasi cosa l'Occidente avesse mai visto.

53. Annie Hall (1977)

Nessuno può pretendere di capire l'enigma confuso e divorante che è l'amore come Woody Allen. E nessun film di Woody Allen si avvicina a mostrarlo nella sua gloria genuina e bizzarra di questa storia di Alvy Singer, un comico nevrotico e nichilista di New York che si innamora 'più dell'amore' della svampita, volubile, allegra Annie Hall, e poi ne cade fuori. Il film esplora anche le differenze di genere nella sessualità attraverso il tipo di relazione 'Yin e Yang' di Alvy e Annie. Alla fine, anche Alvy accetta l'amore come irrazionale, pazzo e assurdo ma necessario nella vita. L'uso di molteplici tecniche narrative innovative, come la rottura improvvisa della quarta parete, la rapida alternanza di passato e presente attraverso tagli fluidi, la visualizzazione nei sottotitoli di come si sentono Alvy o Annie mentre in realtà parlano qualcosa di completamente diverso e l'aggiunta di un ' storia dentro una storia' come il climax, elevare la storia già avvincente. 'Annie Hall' è probabilmente il primo romanzo veramente modernista sulla celluloide e ha ispirato una generazione di commedie romantiche al suo posto. Nessuno è affascinante come quello che cercano di imitare.

52. M (1931)

L'inizio della tecnologia di registrazione vocale, un fenomeno per il quale la testata si distingueva come 'The Jazz Singer' del 1927, portò a un'assurda saturazione dei dialoghi nei film. La tecnologia è stata data per scontata come un aggiornamento diretto, piuttosto che uno strumento da utilizzare insieme al linguaggio cinematografico consolidato. Fritz Lang, un uomo che ha iniziato la sua carriera nel cinema muto con una serie di opere magistrali tra cui Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen e l'eccezionale Metropolis. La sua migrazione verso il suono raggiunse il culmine in 'M' del 1931, un film che, contrariamente a tutte le fonti circostanti, aveva eliminato quasi tutto il rumore ambientale. Il risultato è un talkie silenzioso con un'atmosfera schiacciante senza vita: uno che è alla base della sua narrativa in modo così efficace. La storia in questione colpisce un bambino assassino e l'incompetenza del governo tedesco nel catturarlo, formare il proprio tribunale canguro per punire l'assassino. Ciò che Lang comunica qui è di incredibile maturità nel messaggio: la giustizia che merita di essere servita è completamente minata dal contesto politico dell'epoca, con la politica di eutanasia registrata dal Partito Nazionalsocialista e gli ideali sempre più violenti che si manifestano come un tumore vizioso sulle accuse della gente . La performance di Peter Lorre, ricca di pathos e di tormentato umanesimo, aiuta a martellare il profondo inganno di 'M', uno che rimane incommensurabilmente commovente fino ad oggi.

51. 12 uomini arrabbiati (1957)

La risposta se il ragazzo fosse colpevole o meno, non lo sapremo mai. Ma una cosa che 12 Angry Men afferma è che la logica prevarrà sempre sull'intuizione, se c'è un uomo sano di mente in un mondo di sciocchi. E la follia è una malattia o semplicemente un sottoprodotto dell'ignoranza? Il dramma di Sidney Lumet non ti chiede di usare il cervello sul cuore, ma cerca di raggiungere un punto in cui puoi prendere una decisione, lavorando entrambi in tandem. Insieme alla sua avvincente sceneggiatura, che si colloca con orgoglio nel curriculum di tutte le scuole di cinema del mondo, il lavoro di ripresa e la messa in scena sono usciti da un classico della New Wave giapponese. Vantando una performance indimenticabile del cast dell'ensemble, 12 Angry Men è un monumento del cinema americano.

50. Luci della città (1931)

Non molti dei primi registi hanno il riconoscimento e la popolarità nella cultura odierna di cui gode Chaplin. Ciò potrebbe essere dovuto a molte ragioni. I suoi film parlano a tutti e sono incredibilmente esilaranti, ma più di questo, le sue storie guardano a situazioni malinconiche sotto una luce umoristica. È il caso di quella che è probabilmente la sua foto più personale, 'City Lights', che racconta la storia di un vagabondo e dei suoi sforzi per impressionare e aiutare una povera fioraia cieca. Lo fa sotto una facciata, fingendo di essere un uomo ricco per attirare la sua attenzione, ma mentre lo fa si imbatte nei guai. Quando un film continua a essere divertente e toccante ai giorni nostri come lo era oltre 75 anni fa, di solito significa che c'è qualcosa che sta andando bene. 'City Lights' ha lasciato il segno nel mondo con la sua rappresentazione della povertà e della vita durante i duri anni della Depressione, che è così ben eseguita e sentita che non manca mai di commuovere il pubblico, dando loro la speranza di un domani migliore.

49. Vieni e vedi (1985)

L'ultima metà di un team di cineasti incredibilmente abili, il regista Elem Kilmov è stato sposato con Larisa Shepitko, la luminosa virtuosa dietro 'Wings' e 'The Ascent'. Quando è morta così tristemente in un incidente d'auto, Kilmov ha finito di lavorare al suo eccezionale progetto incompiuto 'Farewell' (che avrebbe potuto facilmente prendere questo posto) - e penso che ciò che rende tutto questo contesto così potente sia il modo in cui il dolore dell'uomo si riversa in ogni fotogramma del suo lavoro. Il cinema di Kilmov ribolle di rabbia e disperazione inespresse: Hulking nel suo stesso peso travolgente di emozioni e pochi film mai realizzati hanno pulsato con un sentimento così potente come Vieni a vedere . Probabilmente, il miglior film di guerra mai realizzato, la sua rappresentazione infernale dell'invasione della Wehrmacht in Bielorussia riecheggia di esplosioni assordanti, immagini da incubo e un mondo che viene lentamente prosciugato dalla vita: le sue scene sono girate in una luce meravigliosa e vuota. Eppure, in tutta questa angoscia, Kilmov trova la via della comprensione nella sua conclusione trascendentalmente matura. Forse, nel suo impegno a contemplare l'intransigenza della vita, sta finalmente trovando la forza per seppellire le ossa della sua defunta moglie. Si può solo sperare.

48. Il settimo sigillo (1957)

Fin dalle prime immagini dell'iconico documento di Bergman su fede, paura e contentezza, c'è un incantesimo lanciato su di te. Lo sguardo severo e granuloso al mare, alla costa e su di essa un coraggioso cavaliere e il suo fatidico incontro con la personificazione della morte definisce la chiarezza dell'obiettivo del film, anche se lascia spazio a un'ambiguità seducente, quasi terrificante per essere costantemente presente. Beneficiando di un'esibizione magnetica dell'incomparabile Max von Sydow e di una banda di attori che elevano lo straordinario materiale di Bergman, basato sulla sua opera teatrale, Wood Painting, a livelli inaspettati, 'The Seventh Seal' nei suoi magri 90 minuti ha l'influenza di un vecchio favola tramandata di generazione in generazione che spinge l'immaginazione molto più ampia di quanto essa stessa possa sperare di contenere. Il bianco e nero scintillante e nitido di Gunnar Fischer assicura che l'intensità straziante strisci sotto la nostra pelle. La fluidità simile a un flusso è il risultato di una narrazione dispiegata con sublime sicurezza e un tangibile equilibrio. Può essere una storia del tutto semplice, che nasconde comunque preziose idee nel suo seno, ma è cucita con un tessuto così intricato e audace che non puoi fare a meno di guardarlo più e più volte perché si traduca in un ricordo duraturo.

47. La Dolce Vita (1960)

Il virtuoso cautamente, pazientemente e poeticamente ammorbidito di Fellini è in piena mostra nel suo vincitore della Palma d'Oro che nel suo fascino pieno di sentimento e oscuro cattura un modo di vivere che sembra troppo sfuggente e, per certi versi, fin troppo reale. Il suo ritmo sottolinea il senso di mancanza di scopo del protagonista e ci costringe a immergerci nell'arrangiamento sinfonico della vitalità della vita e di quanto tutto sia fugace. Questo protagonista è interpretato da Marcello Mastroianni, il migliore in carriera, che sfrutta questo dono del tempo per riempirsi gli occhi di un'irresistibile stanchezza del mondo. Mettere in discussione il significato di alcune sezioni de 'La Dolce Vita' che possono sembrare prive di importanza filosofica o rilevanza narrativa significa rifiutare la possibilità di lasciare che i dettagli piccanti ti inondino e poi contemplarne le conseguenze. Mentre la partitura celeste di Nino Rota ci porta nel vertiginoso mondo di Roma, visto attraverso l'occhio illusorio di Fellini, vedi solo ciò che lui vuole che tu veda e diventa rapidamente ciò che vuoi vedere anche tu.

46. ​​Psicologia (1960)

Gli esseri umani, nella migliore delle ipotesi, possono essere descritti come peculiari. La mente umana, che è capace di molte cose sbalorditive, è anche capace di degenerare al di là della comprensione. 'Psycho' di Alfred Hitchcock non ha bisogno di presentazioni perché tiene la testa alta, in mezzo a cinema senza tempo. Oltre ad essere un classico, è anche un triste commento sulla morale fallimentare degli esseri umani. E non è Norman Bates, badate bene! La presa caustica della signora Bates che ha portato la vita di Norman in stasi durante la sua infanzia e infine l'età adulta è un promemoria di come l'amore può essere soffocante. Notoriamente, il signor Hitchcock ha adottato strane politiche per 'Psycho', che includevano il divieto di entrare in ritardo nel film. È stato adottato per garantire piena giustizia alla scena pulsante del climax del film. Un thriller nella sua forma più vera, 'Psycho' è la storia di un figlio, sua madre e il loro malsano legame di possessività. Hitchcock era così ferocemente guardingo riguardo al finale, che ha promosso il film con questo slogan – Non rivelare il finale – È l'unico che abbiamo!

45. Solaris (1972)

'Solaris' di Tarkovsky è abbastanza simile ai fenomeni rappresentati nel film. Dall'essere sconcertante con il suo concetto profondamente radicato, all'evoluzione in un'entità da cui non posso separarmi, è un'esperienza che mi fa interrogare sulla natura ignara di ogni molecola che costituisce l'universo. Forse siamo consapevoli delle dimensioni scientifiche, ma uno strumento può calcolare la quantità di amore o dolore che si racchiude in un nanogramma del cuore? Qualcosa può trovare la cellula cerebrale in cui risiede un ricordo indimenticabile? Dalla musica affascinante di Bach nella sequenza di apertura alla scena perenne dell'autostrada, l'uso del tempo di Tarkovsky per distaccare lo spettatore dal funzionamento di un mondo normale è magistrale. Solaris è un regno in cui le emozioni ti mandano a fare un giro con la follia, ma chi non farebbe delle emozioni quando la follia è bella da toccare e abbastanza viscerale da assolverti da te stesso.

44. L'elenco di Schindler (1993)

Un film importante che trae grande beneficio dal talento di Spielberg per il drammatico, è un'esperienza altrettanto inquietante e sensibile di per sé. Il film è, come molti altri in questa lista, una lezione di perfezionamento in qualcosa che mi piace definire narrazione semplicistica e di grande impatto. La narrazione segue Oskar Schindler, un uomo d'affari tedesco che salvò la vita a più di mille ebrei impiegandoli nelle sue fabbriche durante l'Olocausto. Tutti e tre i protagonisti, Liam Neeson nei panni di Oskar Schindler, Ralph Fiennes nei panni di Amon Goth e Ben Kingsley nei panni di Itzhak Stern, sono in ottima forma, offrendo la più sincera delle interpretazioni. Una scena in particolare verso la fine del film, in cui Schindler crolla considerando quante altre vite avrebbe potuto salvare, è profondamente commovente e rimane impressa nella mia mente come una delle scene più potenti e commoventi del cinema. Il fatto che il film sia stato girato in bianco e nero, con un uso raro e occasionale del colore per simboleggiare o evidenziare un elemento importante, accresce l'esperienza. Facilmente, il miglior film di Spielberg, rimane un'esperienza di visione cinematografica essenziale.

43. Lawrence d'Arabia (1962)

Il cinema come mezzo continua a diventare più grandioso. Con la tecnologia all'avanguardia a loro disposizione, i registi di oggi ci offrono alcune esperienze cinematografiche viscerali. Ma ci sono alcuni film realizzati prima che la CGI fosse in voga, la cui vastità e monumentalità non ha trovato pari. L'epico dramma storico di David Lean basato sulla vita di TE Lawrence , una delle figure più famose della Gran Bretagna, è uno di questi film. È interpretato da Pater O'Toole nei panni di Lawrence e racconta le sue avventure nella penisola araba durante la prima guerra mondiale. Fin dall'inizio, David Lean dipinge uno splendente quadro in movimento dell'infinito deserto in tutto il suo splendore, aiutato dal direttore della fotografia Freddie Young e da un'avvincente colonna sonora di Maurice Jarre. Ma non sacrifica in alcun modo l'emozione per la stravaganza. Al centro, 'Lawrence d'Arabia' è uno straordinario studio del personaggio di Lawrence: le sue lotte emotive con la violenza personale insita nella guerra, la sua stessa identità e la sua divisa fedeltà tra la sua nativa Gran Bretagna e il suo esercito e i suoi nuovi compagni all'interno le tribù arabe del deserto. Questa qualità salutare rende 'Lawrence Of Arabia' uno dei film più influenti mai esistiti.

42. I ricercatori (1956)

Probabilmente il più grande western mai realizzato, il miglior film della grande carriera di John Ford, 'The Searchers' è un classico americano, tra i migliori film usciti dagli anni Cinquanta. Sebbene all'epoca ammirato e rispettato, il suo potere lacerante e sbalorditivo non fu riconosciuto per alcuni anni, ma all'inizio degli anni Settanta fu salutato come un classico del genere e forse il miglior western mai realizzato. Certamente il tempo ha eroso parte del potere del film, ma non quella performance imponente e furiosa di Wayne, né il razzismo all'interno del film che alimenta la rabbia e la rabbia. La narrativa guida del film, Ethan e la sua ricerca è senza tempo, potente oggi come allora, forse di più perché molti dei sottili punti della storia ora sono chiari.

41. Pather Panchali (1955)

Il film che ha portato il cinema indiano nel mondo e ha regalato al cinema uno dei migliori autori, Satyajit Ray. Basato sul romanzo di Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' racconta la storia di una famiglia povera, che cerca di prosperare attraverso molte avversità della vita. Si può sostenere che romanticizzi la povertà, poiché lo spettatore è testimone delle molte prove che la famiglia deve affrontare, guadagnandosi da vivere. Nonostante ciò, sono i momenti, inframmezzati dalla musica del maestro Ravi Shankar, che rimangono con lo spettatore. L'affettuosa relazione tra Appu e sua sorella Durga, la sequenza del treno, che è uno dei momenti salienti del film, porta il film a un livello completamente diverso. 'Pather Panchali' nel corso degli anni è diventato uno dei film cult e compare regolarmente nelle liste dei più grandi film di tutti i tempi, e meritatamente.

40. Casablanca (1942)

Il classico film americano per eccellenza. C'è forse qualcosa di così contagioso nel suo fascino che te ne innamori ancora, anche dopo tutti questi anni. A parte il suo immenso fattore di ri-guardabilità, la sua colonna sonora memorabile (As Time Goes By!) e i dialoghi estremamente citabili costituiscono un caso forte. In poche parole, è un piacere quando tutti gli elementi di una fantastica esperienza cinematografica sono presenti nella giusta quantità!

La trama è a dir poco semplice, quasi al limite del banale a volte. Un uomo cinico e dal cuore spezzato che gestisce la discoteca più famosa di Casablanca si trova a un bivio quando la donna che amava si presenta con suo marito. Gli espedienti della trama qui sono le famose lettere di passaggio, ma la storia parla esattamente dei due amanti sullo sfondo delle prime fasi della seconda guerra mondiale e della difficile decisione affrontata dal personaggio di Bogart, di resistere o lasciar andare. Tuttavia, come con molti film di questo genere, l'esecuzione fa il trucco, trasformando 'Casablanca' in uno dei drammi romantici più avvincenti di tutti i tempi, che è anche incredibilmente ben recitato; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman sono di prim'ordine e sono abilmente supportati da giocatori come Paul Henreid, Claude Rains e Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Quando si guarda al cinema come a una forma d'arte, non si può negare la perfezione di Barry Lyndon, dalla splendida fotografia, alle scene ipnotizzanti, dalla musica eccezionale alla regia potente. Come storia, racconta la vita di un giovane nell'Europa del 18° secolo mentre sale i gradini verso l'aristocrazia, solo per essere trascinato indietro dalla sua sfortuna. L'immagine ha al suo interno alcune delle scene più grandiose mai girate, facendo sbalorditivi usi di luce, colori, caratteristiche fisiche, ecc. Non c'è modo migliore per riassumere la vita di una persona che guardarla obiettivamente, ed è quello che questo film ha fatto usando un narratore inaffidabile. È freddo e distante, raramente dà al pubblico la possibilità di provare sentimenti per il protagonista. Da questa prospettiva, Barry Lyndon è uno studio di carattere sontuoso, con personaggi ricchi, un tocco realistico e un modo poetico di comunicare le emozioni. È semplicemente il cinema al suo meglio.

38. Il generale

Uno dei titoli più antichi della lista, 'Il generale' serve a ricordare che molti capolavori d'azione moderni sono seduti in un'ombra molto lunga, proiettata nientemeno che dal genio della commedia muta Buster Keaton. Vantando un'opera impressionante quanto Charlie Chaplin, l'adorabile vagabondo di quest'ultimo artista si scambia di posto con una cavalcata di personaggi deliziosamente sciocchi nel caso di Keaton; il tutto circondato da un'irresistibile curiosità cinematografica che ha ampliato i confini del mezzo in film come Sherlock Jr. e The Cameraman. Tutto questo senza nemmeno menzionare la sua opera magnum, The General del 1927: segue un ingegnere confederato che si precipita ad avvertire la sua parte dell'avanzata delle truppe dell'Unione durante la guerra civile americana. La sua narrativa forma un modello per il recente 'Mad Max: Fury Road' di George Miller e praticamente per tutti i film sul gatto e il topo mai realizzati, resistendo con la sua commedia esilarante, effetti speciali impressionanti e acrobazie spavalde che vedono Keaton mettere la sua vita in pericolo di più di una volta per l'adulazione del suo pubblico amorevole. Il generale rimane uno dei, se non il miglior film d'azione mai realizzato, uno che si diverte in ogni grammo del suo essere e riesce a evocare tanti momenti superbamente gestiti di scala epica per rivaleggiare con qualsiasi gioco pieno di CG realizzato oggi.

37. Esplodere (1966)

Il tempo ? Gli oscillanti anni Sessanta. Il luogo? Londra. La città che abbaglia e abbaglia. Vivace e glamour. Sesso, droga e rock'n'roll. Tutto sommato, un giorno nella vita di Thomas, un fotografo di moda che vive una vita di, per così dire, dubbia moralità. In una giornata ricca di eventi, mentre sfoglia le fotografie di una coppia che ha catturato piuttosto di nascosto in un parco, vi scopre un cadavere. Va nello stesso posto e trova il corpo per essere l'uomo della coppia. Preoccupato, torna nel suo studio per trovarlo saccheggiato ma con una foto rimasta, quella del cadavere. Il giorno successivo, il corpo svanisce. Chi l'ha ucciso? E perché il corpo è scomparso? Perché Thomas sentiva di essere seguito? 'Blow Up' è l'atto di classe del regista Michelangelo Antonioni che ha ispirato molti registi nel corso degli anni, tra cui Brian De Palma e Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

L'epifania vertiginosa e surreale dell'amore e del crepacuore non è mai stata esplorata nel modo e nel grado di successo con cui lo fa 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Ricco di bellissime immagini e una colonna sonora fantasiosa simile alla colonna sonora dell'era del muto, è impossibile spiegare tutto su 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Senza dubbio il film è stratificato con una narrativa difficile da seguire - anche se in realtà è semplice una volta che inizi a seguirlo - è uno di quei film che è riccamente gratificante semplicemente perché non puoi impedirti di svenire per il concetto altamente premuroso e profondamente commovente film che è. Ma la vera star dello spettacolo è il suo scrittore, Charlie Kaufman , che nella forma di 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind', potrebbe benissimo aver scritto la sceneggiatura più profondamente brillante mai vista nella storia del cinema. Un film che non è solo unico a modo suo, ma anche ri-guardabile all'infinito con qualcosa di nuovo da trovare in ogni visione.

35. Tassista (1976)

In 'Taxi Driver', Martin Scorsese ci regala uno dei protagonisti più disturbati, improbabili ma stravaganti dei nostri tempi in Travis Bickle. Il film lo segue mentre diventa un tassista per far fronte alla sua insonnia e lo vede lentamente sopraffatto da tutta la follia della città che lo circonda. Il vero modo in cui Taxi Driver vince come film è il modo in cui riesce a insinuarsi verso di te, facendosi strada lentamente attraverso lo squallore e l'orrore che sembra offendere Travis Bickle. In questo, si guadagna giustamente la sua distinzione come thriller psicologico più che come dramma, lavorando spesso su più livelli rispetto ai due. Il film potrebbe essere un orologio inquietante per alcuni, a causa del suo soggetto oscuro, di un trattamento ancora più oscuro e di una manciata di violenza, ma per gli spettatori disposti a guardare oltre, è a dir poco un brillante tentativo di comprendere la parte del psiche umana che il più delle volte si argilla nella forma del vigilantismo. Voglio dire, chi non riflette sull'innalzarsi all'erroneità del nostro tempo e restituirlo? È quella fantasia di realizzazione del desiderio radicata con cui 'Taxi Driver' gioca in modo altamente efficace. Il film è ora ampiamente considerato come uno dei film più importanti mai realizzati e ha introdotto il mondo alla forza di Scorsese.

34. Percorsi di gloria (1957)

Prima che Stanley Kubrick marciasse per esplorare gli aspetti inspiegabili della società che non solo trascendevano il tempo, ma anche le aspettative degli spettatori da se stessi, ha realizzato questo avvincente pezzo di guerra che metto accanto a 'Vieni e guarda'. A differenza di quest'ultimo, Paths of Glory estrae la sua interpretazione straziante di WW dalla stessa superficialità dell'umanità, che ha dominato le ultime opere di Kubrick. Nel mondo di Kubrick, i demoni non sono ricoperti di sangue e fango, ma di medaglie e orgoglio, e l'inferno scava nel luogo più sacro, la corte. In un momento in cui l'industria aveva adottato l'attraente 3 strisce, il monocromo di Kubrick dipingeva la guerra con una sola tonalità. I corpi, gli stracci, le baracche, il fumo, la cenere, tutto mimetizzato con la vista comune di un'agonia angosciante.

33. Tre colori: rosso (1994)

La parte più triste della scomparsa di un artista è quando pensi che il suo ultimo lavoro sia il più grande di sempre. Questo è stato il caso dell'autore polacco Krzysztof Kieslowski e del suo ultimo film 'Red'. Kieslowski aveva già annunciato il suo ritiro dal cinema dopo la prima del film a Cannes nel 1994, ma è la sua tragica scomparsa quasi due anni dopo aver annunciato il suo ritiro che lo rende ancora più profondamente triste. 'Red' è l'ultimo capitolo della sua acclamata trilogia 'Three Colours' e parla di una giovane donna che incontra un vecchio dopo aver accidentalmente colpito il suo cane con la sua macchina. Il vecchio è un giudice in pensione, distaccato dalla vita e da ogni tipo di emozione e passa il suo tempo a spiare le altre persone. Tra i due si sviluppa un improbabile legame con sottili sfumature romantiche. 'Red' parla di occasioni e coincidenze che ci colpiscono ogni giorno e del nostro fallimento nel riconoscerne la bellezza e il significato. C'è un inspiegabile senso di malinconia che percorre tutto il film sulla tragedia del destino e del tempo umani e su come noi come persone nel mondo siamo tutti collegati in un modo o nell'altro. 'Red' è un'impresa sorprendente nel cinema ed è semplicemente uno dei più grandi film mai realizzati.

32. Il tesoro della Sierra Madre (1948)

Come suggerisce il nome, spesso associamo le cacce al tesoro all'avventura pulsante e alla scarica di adrenalina ad essa associata. Ma ci sono pochissime storie che parlano delle emozioni che le persone provano mentre intraprendono un viaggio per ottenere quell'oro. Si dice spesso che le avversità fanno emergere il tuo vero carattere. 'The Treasure Of Sierra Madre' racconta una storia in cui la brama per l'oro porta cambiamenti sgradevoli nei personaggi, che alla fine si traducono nella loro desolazione individuale. Mentre il focus è sull'avidità che corrompe la coscienza, è lo studio del carattere umano in situazioni avverse che rimane con lo spettatore. Una tragica storia di avidità e tradimento, questo film ha vinto il premio Oscar come miglior regista, miglior sceneggiatura adattata e miglior attore non protagonista. Negli anni, questo è diventato un classico di culto per gli amanti del cinema di tutto il mondo.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, termine che viene indicato nelle riviste o nei libri che mettono in evidenza sopra le righe violenza, sesso e criminalità. Questi elementi facevano vendere le riviste come frittelle calde. Tarantino ha preso questi elementi, li ha mescolati attorno a tre storie e ha creato una narrazione che non era altro che un genio cinematografico. Uno dei film di cultura pop più singolari mai realizzati, lo spettatore viene introdotto nel mondo del sicario della mafia Vincent Vega, del suo partner criminale e fanatico di motori Jules Winnfield, della moglie del gangster Mia Wallace, del pugile Butch Coolidge e rimane sbalordito con il suo trattamento elegante del crimine e della violenza. Uno degli aspetti più importanti del film che ha contribuito al suo successo è stata la performance di Samuel L Jackson. Nei panni del sicario Jules Winnfield che cita i versetti della Bibbia come battute finali, è stato fenomenale. Uno dei più grandi film di quest'epoca, 'Pulp Fiction' è diventato un libro di testo per aspiranti registi di tutto il mondo.

30. La battaglia di Algeri (1966)

Pochi film hanno esercitato il peso della politica in un modo che ne arricchisca l'effetto cinematografico, ma lasciano al maestro italiano Gillo Pontecorvo, incendiario dal nome scaltro, il compito di prendere il punto critico ancora ribollente dell'oppressione coloniale francese della fine degli anni '50 del popolo algerino e trasformarlo in qualcosa assolutamente avvincente. I parallelismi ancora preveggenti che l'osservazione mirabilmente neutrale di Pontecorvo del terrore e del terrorismo commessi da entrambe le parti disegna oggi rende l'esperienza della 'Battaglia di Algeri' un'affascinante sfida intellettuale alla nostra comprensione della guerra in bianco e nero, a-la la freddezza impalante di Miklós L'indelebile filmografia di Jancsó. Inoltre, le sue tecniche di montaggio dei cinegiornali sono una pietra miliare nella comunicazione cinematografica e nella mia mente hanno fatto un uso molto più forte delle frenetiche tecniche di taglio della Nouvelle Vague rispetto a molte delle sue testate esplorative. Una volta vista, mai dimenticata, 'La battaglia di Algeri' è semplicemente un pezzo seminale del cinema mondiale.

29. Quei bravi ragazzi (1990)

È il sogno di un regista creare un film epocale per il periodo in cui è stato realizzato. Ma per Martin Scorsese è un'abitudine. Per ogni decennio è stato un A-Lister, ha realizzato un film considerato tra i più grandi del periodo. Ha realizzato 'Taxi Driver' negli anni '70, 'Raging Bull' negli anni '80, 'Quei bravi ragazzi' negli anni '90, 'The Departed' negli anni 2000 e 'The Wolf Of Wall Street' negli anni 2010. Ed è il dramma gangster del 1990 basato sulla vera storia del mafioso associato Henry Hill che è diventato uno dei punti di riferimento del genere. Il film, narrato in prima persona da Hill, racconta la sua ascesa e caduta come parte della mafia di New York dal 1955 al 1980. In contrasto con tutta la stravaganza gangster in 'Il padrino' o 'Scarface', 'Quei bravi ragazzi' si occupa del autentiche minuzie della vita quotidiana dei gangster, concentrandosi tanto sul rapporto di Hill con sua moglie Karen quanto sulle sue imprese con i suoi compagni di banda. Ma Scorsese usa tutte le frecce nella sua faretra di trucchi per rendere questa faccenda allettante, tipo questa leggendaria carrellata lunga , alcuni dialoghi memorabili e un atto esplosivo di Joe Pesci nei panni di Tommy DeVito, il tempestoso collaboratore di Hill. Quando si tratta del genere poliziesco, 'Quei bravi ragazzi' è il massimo.

28. Toro scatenato (1980)

Martin Scorsese è noto per aver rappresentato nei suoi film storie di protagonisti rotti, imperfetti e spesso autodistruttivi. E ha spesso setacciato gli annali della storia per trovare i suoi eroi caduti in storie vere. 'Toro scatenato' è la storia della vita del leggendario pugile Jake LaMotta, la cui rabbia autodistruttiva e ossessiva, gelosia sessuale e appetito animalesco, che lo avevano reso un campione sul ring, hanno distrutto il suo rapporto con la moglie e la famiglia. Il film è interamente girato in bianco e nero, per ritrarre davvero l'epoca in cui era ambientato e l'atmosfera cupa e deprimente che definiva. Scorsese si aspettava che questo sarebbe stato il suo progetto finale. Quindi, è stato meticolosamente esigente nel suo filmmaking. Altrettanto dedito è stato Robert De Niro, che recita nel ruolo del protagonista. Ha guadagnato 60 libbre e in realtà si è allenato come pugile. Assorbe i manierismi brevi di LaMotta con una perfezione focosa mentre si immerge completamente nel personaggio. Ha ricevuto un meritato per i suoi guai. Questo è il più grande trionfo di Scorsese-De Niro. Un'opera magnum intensa e potente.

27. Il Padrino: Parte II (1974)

Nella storia delle seconde puntate, pochi film sono stati conosciuti per essere all'altezza della gloria della prima, per non parlare di superarli in alcuni aspetti. Se viene compilato un elenco che includa tali film, 'Il Padrino: Parte II' sarà il suo fiore all'occhiello. Essere all'altezza dell'eredità del primo è stato di per sé un compito mastodontico, ma questa continuazione della saga 'Il Padrino' non solo è riuscita in questo, ma ha anche ampliato la sua eredità fino a diventare parte della più grande storia americana sul crimine organizzato mai raccontata. Il film presenta due narrazioni parallele; uno che tratta di Michael Corleone come nuovo capo dell''azienda di famiglia' Corleone, il secondo che mostra un eccellente Robert De Niro nei panni del giovane Vito Corleone e la sua ascesa al potere. Le due storie sono abilmente intrecciate, fornendo una narrativa allettante che non allenta la presa sullo spettatore una volta. Al Pacino fa alcuni dei suoi lavori migliori qui, il suo sguardo ritrovato che virtualmente mastica lo scenario ogni volta che fa la sua apparizione sullo schermo. Uno di quei film quasi perfetti che possono essere guardati indipendentemente dall'ora, dal luogo e dall'ultima visione, e si finisce comunque nella totale sottomissione e ammirazione. Se la parte I è il santo altare, la parte II è il pane e il vino.

26. Arancia meccanica (1971)

La prima cosa che probabilmente viene in mente quando viene chiesto di descrivere questo film in una parola è 'inquietante'. L'unico film della lista che oso rivisitare, mi sono sorpreso a sussultare più volte mentre guardavo questo film. 'A Clockwork Orange' è un commento sociale nella sua forma più intransigente, che fornisce immagini crude da cui potresti non riprenderti mai. È oscuro, è contorto e non fornisce riscatto per coloro che lo cercano in un film con probabilmente la più cupa interpretazione di una distopia in termini sociali. E qui, credo, risieda il successo del film nel portare a casa un messaggio inquietante. Non convenzionale in qualsiasi modo tu possa immaginare, ci fornisce protagonisti che sono dispettosi fino al midollo e si abbandonano ad atti di ultraviolenza e stupro; commenta lo stato socio-politico delle cose nel modo più duro che tu possa immaginare, ti mette in uno stato di confusione mentre Alex DeLarge (interpretato dal carismatico Malcolm McDowell) è soggetto a modi disumani di ricondizionamento e finisce lasciando il pubblico in un farrago di tutte le cose che questa esperienza inquietante ti fa sentire subito. Davvero un'opera di proporzioni kubrickiane.

25. Vertigini (1958)

La storia di 'Vertigo' è così: l'ex detective Scotty (James Stewart) soffre di acrofobia a causa di un incidente accaduto durante il suo dovere. Viene avvicinato da un vecchio amico per tenere d'occhio sua moglie Madeleine che crede sia posseduta. Inizialmente scettica, Scottie diventa presto ossessionata in modo autodistruttivo dalla bella dama, che sembra essere molto più di quanto lascia intendere. La genialità di Alfred Hitchcock sta nel fatto che i suoi più grandi film, elettrizzanti da guardare per la prima volta, sembrano aprire un nuovo livello di comprensione allo spettatore ad ogni sbirciatina successiva. Certo, a uno sguardo superficiale, 'Vertigo; è un mistero di omicidio psicologico ben congegnato. Ma mentre lo guardi più e più volte, i suoi temi dell'aggressività maschile e della costruzione dell'immagine femminile nella mente di un uomo iniziano a dispiegarsi come una scatola infinita e ti inghiottono. Probabilmente il film più finemente invecchiato mai realizzato, la brillantezza a combustione lenta di Vertigo è testimoniata dal fatto che dopo essere stato aperto a recensioni contrastanti, il film è ampiamente considerato come uno dei più grandi film mai realizzati. Un capolavoro del maestro dei thriller.

24. Hiroshima, amore mio (1959)

Nato dalla mente del visionario della Rive Gauche francese Alain Resnais, 'Hiroshima mon amour' è un film che piange con un potere trascendentale. La sua storia del tempo si è intrecciata con la memoria e le cicatrici di entrambi che hanno avuto luogo a Hiroshima durante la seconda guerra mondiale, raccontata attraverso due persone - un francese, un giapponese - mentre tentano di mettere insieme il messaggio prevalente della devastazione lì causata. Solo che non c'è nulla da guadagnare, intellettualmente o emotivamente, da una tale follia. È un'opera intrisa di dolore internazionale, che va oltre il conflitto stesso e le verità e le repressioni che perseguitano gli esseri umani ogni singolo giorno. Attraverso i riverberi dell'esplosione atomica, troviamo una piccola parte di ciò che è così sbagliato in noi stessi. Il fatto che Resnais comprenda semplicemente questa intoccabile confusione, piuttosto che tentare di risolverla, è ciò che rende 'Hiroshima mon amour' uno dei grandi capolavori del cinema.

23. A Random Balthazar (1966)

Il desolato capolavoro di Robert Bresson è un esercizio di sentimento. Si evita di definire un protagonista chiaro o un tema centrale a meno che non si consideri la forza miracolosa della natura che è Balthazar e se si prende il film per valore nominale, non lo si fa. Ma se gli permetti di essere il tuo punto di accesso al panorama emotivo e tematico del film, è difficile uscirne senza ricompensa. Lo stile visivo peculiare, snello e alla moda di Balthazar sembra quasi affascinante in retrospettiva; la sua placida fragilità avvolta in un rassegnato, singolarmente saggio senso di controllo. Anche la sua palpabile onestà nasconde uno sforzo studiato per trattenersi un po', per nutrire nella sua semplicità di ambientazione e carattere una ricchezza lasciata al pubblico da scoprire e, in alcuni casi mozzafiato, immaginare. Poiché gli attori parlano così poco della loro situazione, sperimentiamo gli atti casuali e irragionevoli della crudeltà e sentiamo la soffocante tristezza per loro. In una forma in cui anche gli artisti più affermati mirano solo ad aumentare i sensi degli spettatori conformandosi al provato e testato, le immagini di Bresson mi hanno fornito un modello lirico su cui basare l'entità della mia compassione, per valutare anche quanto sia consapevole di tale compassione .

Tutto questo mi riporta al mio pensiero originario. Assegnare un significato a ogni momento in 'Balthazar' non dipende dal fatto che i suoi contenuti siano allegorie di natura sociale o addirittura politica, ma dal modo in cui ci rendono Tatto assaporando la loro complessità e tranquillità, invece di fare affidamento sull'esposizione insensata a cui ricorrono la maggior parte dei film. Ha perfettamente senso, quindi, che il protagonista sia l'omonimo asino.

22. Andrei Rublev (1966)

Credo che 'Andrei Rublev' sia il più grande esempio del concetto di scultura dell'autore russo Andrei Tarkovsky nel tempo. Gran parte del suo ultimo lavoro era astratto, poiché trattava temi e visualizzazioni incredibilmente personali, che erano sparsi per periodi di tempo. Con 'Andrei Rublev', Tarkovsky ha catturato il tempo stesso e poi l'ha accarezzato con le sfumature più profonde dell'anima di un artista. Tarkovsky è probabilmente l'unico regista in grado di raggiungere il più alto risultato nel rappresentare la repressione di un artista. Esplora i regimi oppressivi della Russia che sono indigeni del paese quanto la sua profonda letteratura che ha sorprendentemente messo in discussione le questioni più avvincenti riguardanti lo spirituale e il metafisico. Molti dei tratti successivi di Tarkovsky, tra cui le riprese del flusso della natura, possono essere osservati nel viaggio di Andrei Rublev. È un film che ti filma, ti frantuma e ti fa pensare, sia durante il film che molto tempo dopo che i titoli di coda sono finiti.

21. L’ Avventura (1960)

Cosa ne pensi di un mistero irrisolto? O una storia incompiuta? Cerchi la chiusura cercandola disperatamente? Oppure accetti i fatti e poi vai avanti? Non è che la vita è tutto? Compromesso e andare avanti? Il film che ha portato Michelangelo Antonioni al riconoscimento in tutto il mondo, 'L'Avventura' è la storia di una giovane donna che scompare, durante un viaggio in yacht attraverso la costa siciliana. La ricerca di lei riunisce il suo ex amante e migliore amica e inizia una relazione inquietante. Sebbene la storia sia intessuta attorno alla ricerca di una donna scomparsa, il suo vero scopo è costruire una narrazione, senza essere incentrata su un evento importante e riuscire comunque ad affascinare il pubblico. Le vere motivazioni dei personaggi centrali non vengono mai spiegate completamente e, alla fine del film, lo spettatore è costretto ad accettare che alcuni eventi rimangano inspiegabili, proprio come fa la vita. Un capolavoro indiscutibile!

20. Senza fiato (1960)

Molto prima che Quentin Tarantino si facesse strada nella scena indie americana con il suo approccio selvaggiamente anticonformista al cinema che migliorava il focus dello stile sulla sostanza, c'era quest'uomo di nome Jean Luc-Godard che ha affrontato senza paura le tradizionali grammatiche cinematografiche e le ha sconsideratamente infrante verso il basso, ridefinendo e plasmando i film nel modo in cui li vediamo oggi con un film intitolato 'Breathless'. Forse nessun altro film è riuscito a catturare la fugace follia della giovinezza in un modo in cui 'Breathless' fa con la sua energia spericolata e l'atmosfera inebriante. L'uso bizzarro dei jump cut esalta la follia intrinseca della premessa mentre Godard ti allontana ferocemente dai suoi personaggi, chiedendoti di concentrarti sugli aspetti frammentati della trama invece che sulla storia nel suo insieme. 'Breathless' è uno dei film d'esordio più importanti nella storia del cinema e mentre continua a polarizzare cinefili e critici, non si può negare l'influenza che ha sul cinema moderno.

19. Sette Samurai (1958)

Akira Kurosawa è uno dei registi più originali, influenti e referenziati che sia mai esistito. Roger Ebert una volta ha detto di Kurosawa Si potrebbe sostenere che questo più grande dei registi abbia dato lavoro a eroi d'azione per i successivi cinquant'anni e non avrebbe potuto essere più vero. 'A Fistful Of Dollars' di Sergeo Leone, che si dice abbia dato vita al genere Spaghetti Western, è stato ispirato da 'Yojmbo' di Kurosawa. Anche la nostra voce attuale è uno spartiacque tecnico e creativo e ha ispirato innumerevoli rivisitazioni dirette, così come molti elementi visivi nel cinema moderno . Il dramma epico racconta la storia di sette ronin (samurai senza padrone) che imbracciano le armi per difendere una civiltà povera che non ha più posto per loro dalle incursioni di banditi nel Giappone del XVI secolo, che culmina in una feroce battaglia culminante. Ma la genialità di 'Seven Samurai' sta nel fatto che racconta una miriade di storie ben realizzate che spaziano tra i generi all'interno del dramma principale. Ci sono elementi di azione, avventura, romanticismo e raggiungimento della maggiore età presenti in tutto il film. Si compone anche di personaggi riccamente sviluppati come una bistecca rara, che in seguito sarebbero diventati graffette di più generi. Davvero un'opera d'arte ispiratrice.

18. L'albero della vita (2010)

'The Tree of Life' è la forma più alta di cinema: semplicemente non racconta una storia ma mira a cambiarti la vita. È un film che richiederà tempo per crescere su di te e, quando lo farà, ti sarà difficile non pensarci costantemente. Poesia cinematografica di straordinaria portata e ambizione, 'The Tree of Life' non chiede solo al pubblico di osservare, ma anche di riflettere e sentire. Nella sua forma più semplice, è una storia del viaggio alla ricerca di se stessi. Nella sua forma più complessa, è una meditazione sulla vita umana e sul nostro posto nel grande schema delle cose. Non importa in quale fede credi o se credi in un'entità superiore. Il vero senso di meraviglia nel film nasce dalla magia che è la vita stessa. L'aspetto più bello del film è che col tempo migliora, come un buon vino.

17. Primo piano (1990)

Il defunto grande autore iraniano Abbas Kiarostami vedeva spesso bellezza e poesia negli episodi più assurdamente banali della vita umana. Con trame ingannevolmente semplici e ambientazioni naturalistiche, Kiarostami ha esplorato temi universali che hanno trasceso senza soluzione di continuità le barriere culturali a causa del tipo di umanità in cui era intrinsecamente avvolto il suo cinema. 'Close Up' è probabilmente il suo lavoro più completo e uno dei lavori più originali e fantasiosi di arte cinematografica mai prodotta. Il film prende la forma di una docu-fiction per raccontare il processo nella vita reale di un uomo che ha impersonato il regista iraniano Mohsen Makhmalbaf. Il cast include persone che sono state effettivamente coinvolte nel processo, interpretando se stesse nel film. 'Close Up' è una stupefacente esplorazione dell'identità umana vista attraverso gli occhi di un uomo comune che lotta per affrontare se stesso e la propria vita e per disperata tristezza e amore genuino per l'arte del cinema, si mette nei panni del suo idolo per sapere cosa si prova ad essere veramente vivi, ammirati e rispettati. Questo è il cinema di prim'ordine.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Questo film d'avanguardia francese con Delphine Seyrig nel ruolo del personaggio del titolo non è una semplice esperienza cinematografica. È più vicino a un esercizio, un test, e ti colpisce in modi che pochi altri film hanno fatto prima o dopo. Il pezzo indipendente si concentra su tre giorni nella vita di una casalinga sola e travagliata, mentre affronta il suo programma rigoroso pieno di faccende domestiche mondane. È una madre e una vedova che la sera fa sesso per gentiluomini per guadagnarsi da vivere. I problemi sorgono quando, il secondo giorno, la sua routine è leggermente disturbata, portando a una sorta di effetto domino che si riflette nelle ore successive. Jeanne Dielman attira nel suo mondo lento e meditativo con la firma registica distintiva di Akerman, che coinvolge l'atmosfera diegetica e un'aura ipnotica causata dalla personalità calma, sottile e paziente del capolavoro, che è una dolorosa celebrazione della monotonia dell'esistenza.

15. Rashomon (1950)

Uno dei pezzi più non convenzionali e sperimentali del cinema per l'epoca, 'Rashomon' osserva il maestro al lavoro, dando il massimo con le sue capacità di narrazione. Per dirla semplicemente, è il resoconto di un incidente avvenuto attraverso quattro punti di vista estremamente diversi, quelli degli accusati, delle vittime e di coloro che affermano di essere testimoni oculari. Si distingue per tutti i motivi tecnici con un montaggio quasi impeccabile e una regia magistrale, ma il film si assicura la vittoria sulle questioni tematiche che affronta; le domande sull'esistenza di una verità assoluta. La verità è davvero così obiettiva e ingiusta come la si fa credere, o c'è qualche soggettività ad essa collegata? Normalmente, è oggettivo o almeno è ampiamente considerato, apparentemente senza altre versioni di esso. Questo film lo mette in discussione in un modo che lo stesso spettatore rimane esasperato dalle domande, commentando spesso anche come le persone a volte non sono completamente oneste nemmeno con se stesse. È tematicamente complesso come sembra, ma apparentemente semplice come vuoi che sia.

14. Inseguitore (1979)

Tenendo a bada i suoi discendenti minori, tra cui la serie televisiva di enorme successo 'Westworld', la colossale influenza di 'Stalker' sulla narrazione visiva non può essere sopravvalutata. Le idee - filosofiche, spirituali e scientifiche - così come la loro abile e gloriosa esplorazione cinematografica in 'Stalker' hanno trovato le loro impressioni su molti fantascienza a venire dopo di essa. Non sono tanto lo scivolamento, la trance e i punti, il ritmo astratto o l'uso commovente del seppia monocromatico al di fuori della Zona e i colori che imprimono le location in Estonia, che sono stati rispecchiati nel lavoro di registi come Terrence Malick e Lav Diaz, solo per citarne alcuni, ma la pazienza e l'umiltà durature. Consegnando in gran parte i regni filosofici al pubblico, Tarkovsky lascia così tanto spazio agli spettatori per scoprire da soli le molteplici sfaccettature metafisiche del film, che persino la sua impareggiabile poesia letterale e visiva sembra tanto un frutto della nostra fabbricazione quanto lo è della sua e dei suoi collaboratori'. Eppure il film resta distaccato, guidandoci nei misteri imperscrutabili della mente e del cuore, e non finiamo mai per svelarli, perché la via retta non è mai quella giusta.

13. Fanny e Alexander (1982)

Quasi 35 anni dopo la sua uscita iniziale, l'ultimo lungometraggio alla regia di Bergman è affascinante da analizzare come lo era per i critici di tutto il mondo in quel momento che sembravano tutti lottare per assicurarsi che le loro opinioni su di esso fossero ascoltate. Queste opinioni erano molto più divise di quanto non lo siano oggi, ma il posto del film nella filmografia di Bergman sembra ancora difficile da definire. È diverso, per tono, struttura e grandezza, da qualsiasi cosa Bergman avesse fatto fino a quel momento. Ma è anche un'indubbia fusione di tutti i suoi istinti tematici e visivi incrociati in questo arazzo che afferma la vita di una famiglia nella Svezia dei primi anni del 1900. La sua pittoresca esuberanza sembra attirare tutta la tua attenzione al primo sguardo con le sue variazioni profondamente coinvolgenti di rossi, verdi e gialli tenui e caldi che formano una tavolozza di colori così inebriante che la sua assenza - quando tutto è drappeggiato in bianchi, neri e blu aspri - sembra punitivo. Le cronache meticolosamente elaborate di Bergman irradiano la verve di un picnic in famiglia e possiedono la familiarità dei legami umani tenuti insieme per decenni da un affetto genuino e fragile. In questa rappresentazione generosamente montata della vita, la nascita e la morte sono entrambe accessorie. Nel piccolo mondo questi personaggi, come la maggior parte di noi, abitano, le gioie circonferenziali sono tutto ciò che si può sperare e gli bastano, come dovrebbero esserlo per noi. È tutta un'illusione? Guardando questo gigantesco insieme fare tali miracoli, si potrebbe pensare di sì. Se lo è, credimi, non vuoi che vada in frantumi.

12. Apocalisse ora (1979)

Ci sono film di guerra che mostrano la complessità della guerra (come 'Il nemico alle porte'), altri che rimproverano e aborriscono l'idea di essa (come 'Il pianista') e poi c'è l'audace 'Apocalypse Now', che non offre opinione o conclusione, ma invece mette a nudo una rappresentazione grafica degli orrori della guerra mentre glorifica i soldati che vi prendono parte. Il dibattito infuria fino ad oggi se 'Apocalypse Now' sia favorevole alla guerra o contro la guerra. Amore o odio; la cosa certa è che te lo ricorderai. Una delle produzioni più problematiche nella storia di Hollywood, il taglio finale dello sceneggiatore e regista Francis Ford Coppola si è concluso con il suo lavoro tecnicamente più brillante. La semplice premessa è semplice: il capitano Willard deve terminare con estremo pregiudizio il colonnello Kurtz che è entrato in territorio nemico ed è andato AWOL. Ma è il viaggio debilitante di Willard attraverso gli strazianti campi di battaglia del Vietnam (elevati dalla fotografia mozzafiato di Vittorio Storaro) che rimane impresso nella mente molto dopo i titoli di coda. Con una scena memorabile dopo l'altra e interpretazioni definitive di Martin Sheen nei panni di Willard, Marlon Brando nei panni di Kurtz e Robert Duvall nei panni del tenente colonnello Kilgore 'appassionato di napalm', 'Apocalypse Now' come ha giustamente affermato Coppola non riguarda il Vietnam. È il Vietnam.

11. I 400 colpi (1959)

'I 400 colpi' di François Truffaut è una vera opera d'arte che nasce dal vero dolore. Un'opera veramente sincera e profondamente personale, Truffaut ha dedicato il film al suo padre spirituale e teorico del cinema di fama internazionale André Bazin. Di natura decisamente autobiografica, l'infanzia di Truffaut è stata travagliata, e questo si riflette molto distintamente nel film. All'esterno, il film parla della delinquenza giovanile e adolescenziale che è spesso guidata dall'abbandono della società e dei genitori. Guarda un po' più a fondo e troverai un film sulla speranza; spero che sia sia intenso che terapeutico. Antoine Doinel, il protagonista, è in qualche modo una cruda rappresentazione della società stessa, una società che nasconde i propri fallimenti dietro regole, punizioni e giudizi. Il film scorre come un fiume e accompagna il pubblico in un viaggio di speranza, disperazione, empatia e persino rabbia. Se hai mai voluto vedere come appare un capolavoro, non guardare oltre 'I 400 colpi'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch non è un regista. L'uomo è un sognatore. E 'Mulholland Drive' è il sogno più grande che abbia mai sognato. Un sogno che racchiude ogni emozione che racchiude l'esistenza umana. È difficile spiegare o descrivere un film come 'Mulholland Drive' perché questo è un film sull'esperienza e su ciò che ne trai piuttosto che una trama basata su una narrativa convenzionale che ti nutre di risposte con cui potresti felicemente portarti a casa. Lynch ha spesso affermato che la sua visione di un film si basa fondamentalmente su numerose idee e sentimenti. E questo diventa un gateway per comprendere un film complesso e stratificato come 'Mulholland Drive'. È un labirinto di sogni, ambizioni, desideri e incubi. Lynch sa cosa ci terrorizza di più e cosa ci spinge alla follia. Ed è questo riflesso inquietante e intimo del subconscio umano che rende 'Mulholland Drive' un'opera d'arte così profondamente straziante. Uno che ti avvolge con un senso di calore e tenerezza prima di tagliarti il ​​cranio.

9. Ladri di biciclette (1948)

La semplicità è l'ultima raffinatezza – Leonardo Da Vinci. Uno dei compiti più difficili nella realizzazione di un film è capire quando terminare il film. Il finale in Bicycle Thieves è così tonalmente in sintonia con l'inizio, poiché partiamo da Antonio, un uomo comune che emerge dalla folla ad Antonio, un uomo comune, che si disperde nella folla. La vita nella Roma del dopoguerra si era trasformata ogni giorno in una lotta, e non c'era quasi nessuno che riuscisse a uscire da quella palude di miseria. Ci sono pochissimi film che forniscono un'introspezione così profonda come Bicycle Thieves. È un film che ti farà a pezzi il cuore e tuttavia ti ispirerà a vivere la vita al massimo. Raramente, un film così semplice nella sua premessa è così brillantemente efficace nel suo messaggio. È praticamente impossibile dimenticare il film dopo averlo visto. Anche se il più grande risultato del film è nel numero di registi indipendenti che ha ispirato, che ancora oggi citano 'Ladri di biciclette' come fonte di ispirazione.

8. Storia di Tokyo (1953)

'Tokyo Story' è ciò a cui aspira ogni regista che vuole raccontare una storia significativa. Ovviamente, tutti loro non sono all'altezza! Non c'è esempio migliore di un film che rende una storia epica in un modo così semplice ma magistrale, efficace e indimenticabile. Con 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu ha realizzato qualcosa che è il sogno di ogni regista vivente: risiedere per sempre nel cuore e nella mente del pubblico. Chiunque abbia visto 'Tokyo Story' saprà di cosa sto parlando. Il film racconta la storia di un'anziana coppia giapponese tradizionale che visita i propri figli a Tokyo solo per arrivare alla dura consapevolezza che i loro figli sono troppo occupati con le loro vite per prendersi cura di loro e si sono allontanati immensamente da loro, culturalmente ed emotivamente . Ciò che è anche così eccezionale del film è il suo tema universale a cui chiunque, ovunque, può relazionarsi. Lo stile cinematografico di Ozu assicura anche che tu sia immerso in una storia che offre profonde intuizioni sulla psiche umana in evoluzione con i tempi che cambiano. Semplicemente geniale!

7. In vena d'amore (2000)

'In the Mood For Love' è semplicemente la più grande storia d'amore mai girata su un film. Periodo. Avrebbe potuto facilmente essere un gioco o addirittura una poesia. Con immagini belle e accattivanti e una musica squisita e struggente, 'In The Mood For Love' racconta la complessa storia di due semplici individui. Due individui che attraversano la paura e il fascino dell'innamoramento; e una volta innamorato, il puro dolore di lasciarlo incompleto. 'In the Mood for Love' descrive l'amore nella sua forma più vulnerabile. E così facendo, rivela le nostre vulnerabilità e quanto siamo impotenti di fronte all'amore. Raramente un film così sottovalutato e così riservato ha un tale impatto dopo la visione.

Non sono sicuro se il regista Wong-Kar-Wai intendesse realizzare il film che ha realizzato, considerando che ha girato il film principalmente senza una sceneggiatura. Se guardi alla storia, le opere d'arte più significative sono gli incidenti felici. Conta 'In the Mood For Love' tra loro.

6. 8 1/2 (1963)

Numero otto e mezzo nella filmografia del maestro italiano, questa soffocante e golosa epopea di fantasie, incubi e una realtà fin troppo confusa è come un biscotto: risolutamente assurdo nella sua forma e cotto in un modo che non permette di divorarlo interamente in una volta. Il suo spaventoso e irrequieto lavoro di ripresa si complimenta con la visione consapevole di Fellini di un regista che tenta di incanalare le molte esperienze mutevoli che ha avuto nel corso della sua vita contorta nel suo nuovo film. Per quanto semi-autobiografico possa essere, '8 1/2' sfreccia oltre il suo pubblico con tutta la sua affascinante complessità intatta a un ritmo così radicale, che mi sono ritrovato a tentare di decostruire le sue immagini abilmente composte allo scopo di trovare il mio posto in La specificità imponente di Fellini, ma non è mai riuscito ad atterrare saldamente a terra.

Sfruttando l'ombrosa gravità di Marcello Mastroianni, la pura elettricità di Fellini può essere travolgente. Ti aggrappi alla tua percezione di un momento particolare e ne riconosci la sensuale ricchezza solo per scoprire che il regista è passato a un'altra sequenza svolazzante e deliziosamente equilibrata. Le sue idee sugli artisti e la loro sconcertante, ridicola ossessione per se stessi possono sembrare datate – o peggio, irrilevanti – ma l'audacia della loro costruzione ed espressione non ci perde mai di vista. Ci strega e ci seduce, non permettendoci mai di distogliere lo sguardo da esso e poi ci scivola tra le dita quando ci rendiamo conto che non l'abbiamo mai avuto a portata di mano. Fellini non è molto diverso dalla chiaroveggente Maya del film che sembra sapere cosa pensano tutti: un'abilità attribuita dalla sua assistente alla telepatia. Quando il nostro protagonista, Guido, interroga l'assistente su come lo fa, nota chiaramente che in parte è un trucco e in parte reale. Non lo so, ma succede. Nessuna parola potrebbe essere più adatta per descrivere il film.

5. Persona (1966)

Penso che si possa dire con certezza che 'Persona' ha rotto il cinema da solo. Essendo un film horror in superficie, il classico di Ingmar Bergman del 1966 è più uno studio dell'identità individuale che altro. Avvalendosi di tecniche di montaggio innovative, angoli di ripresa nitidi, espressioni fredde, dialoghi coinvolgenti e una splendida regia, questo film racconta nel modo più ambiguo possibile la storia di una famosa attrice che perde la voce e dell'infermiera che si prende cura di lei in una casa isolata, dove le loro personalità distintive iniziano lentamente a fondersi tra loro. Essendo l'impresa più cinematografica del regista, 'Persona' si assicura di stravolgere ogni regola convenzionale del cinema per cercare di produrre un'esperienza fresca e avvincente. Con alcuni dei più grandi attori mai interpretati su celluloide, l'atmosfera del film ci aiuta ad apprezzare le domande che abbiamo al riguardo spostando intelligentemente la nostra attenzione sul mestiere che viene messo in gioco. Semplicemente non esiste niente come 'Persona', e questo potrebbe benissimo essere un dato di fatto.

4. Il padrino (1972)

Forse il film più influente mai realizzato. Uno degli adattamenti più rari che è effettivamente migliore del materiale originale - in questo caso l'omonimo romanzo di Mario Puzo - il film è durato nel corso dei secoli ed è un classico nel vero senso della parola che continua a migliorare con ogni visualizzazione. Il film racconta una famiglia mafiosa sotto Don Vito Corleone e si concentra sulla transizione di suo figlio mentre rileva l'azienda di famiglia dopo la morte del patriarca. Senza dubbio, le interpretazioni sono uno dei maggiori punti di forza di questo film, con grandi come Marlon Brando nei panni di Vito Corleone e Al Pacino nei panni di Michael Corleone che ridefiniscono gli standard di recitazione con le loro interpretazioni. Tutto il resto, in particolare la sceneggiatura e la cinematografia e la colonna sonora dell'ambientazione dell'atmosfera, dovrebbero essere di categoria A e definire il genere. Giustamente, non esiste un cinefilo che non abbia visto questo capolavoro di un film. È l'altare dove andiamo a pregare.

3. Cittadino Kane (1941)

Il Santo Graal del cinema americano. 'Citizen Kane' ha definito quasi ogni aspetto che racchiude l'arte del cinema. Un film che ha infranto innumerevoli convenzioni del cinema solo per crearne di nuove. Fin dai suoi tecnicismi rivoluzionari, tra cui l'illuminazione, il suono e le immagini, al suo stile narrativo altamente innovativo, 'Citizen Kane' ha cambiato il modo in cui venivano realizzati i film. Il film è uno studio del personaggio profondamente profondo che assume la forma di un dramma misterioso nello svelare le verità sulla vita di un enigmatico magnate dell'editoria la cui ultima parola ha suscitato l'interesse di un giornalista. Si mette in viaggio, esplorando un essere umano che una volta aveva iniziato la sua vita con ambizioni e desideri grezzi, ma che presto avrebbe ceduto ai poteri seducenti dell'avidità e dell'autorità. 'Citizen Kane' è un'opera d'arte immensamente potente che sta esplorando temi profondi e cattura le sfaccettature emotive infinitamente complesse della vita come essere umano.

2. Lo specchio (1975)

Possibile che l'arte sia mai così personale da non riuscire a distinguerla dal suo creatore? Questa è una domanda che mi ha colpito quando ho visto per la prima volta 'The Mirror' di Andrei Tarkovsky. Questa è un'opera d'arte in cui l'artista si dedica completamente al suo lavoro che non riesci a distinguere tra lui e il lavoro che sta facendo. È quasi come se Tarkovsky avesse respirato l'intero film. Gli autori hanno realizzato i loro capolavori, cambiando e plasmando il cinema nel modo in cui lo vediamo oggi, ma Tarkovsky ha fatto un passo oltre e ha raggiunto l'irraggiungibile; dando vita alla sua arte. 'The Mirror' è solo un cinema che respira. Potevi vedere Tarkovsky, la sua famiglia, la cultura in cui è cresciuto. In effetti, potresti riuscire a vederti dentro, tua madre e c'è questa sensazione di Deja Vu che ti colpisce, guardando questi luoghi. È quasi come se ci fossi stato, magari nella vita o in un sogno perso da qualche parte. E per un artista creare qualcosa di personale e intimo è qualcosa di veramente al di là delle parole. È un film che sostanzia ciò che abbiamo sempre saputo: il cinema è la più grande forma d'arte.

1. 2001: Odissea nello spazio (1967)

Come ogni altra voce di questo elenco, anche '2001' è una lezione di regia. Diversi registi, tra cui artisti del calibro di Christopher Nolan e Denis Villeneuve, hanno parlato di come il film sia stato la loro ispirazione. Quindi, sì, il film è una meraviglia tecnica. Ma non è per questo che il film è in cima a questa lista di così tanti grandi film. Si trova in cima perché è un film che ha osato andare in un posto dove nessun film è mai arrivato prima. Diavolo, nessuno sapeva nemmeno che esistesse un posto del genere in cui il cinema poteva mirare ad andare. E se mai l'arte del cinema ha richiesto una ragione o una prova per corroborare che il suo scopo di esistenza è molto più di un semplice intrattenimento, allora eccolo qui: il assolutamente avvincente e sommamente mitico '2001: Odissea nello spazio'.

Stanley Kubrick ha ampliato gli orizzonti del cinema con quasi tutti i suoi film. Con '2001: Odissea nello spazio' ha anche dato un nuovo significato a ciò che il cinema può ottenere. La maggior parte dei registi usa il cinema come mezzo per raccontare una storia. Ma Kubrick ha usato il cinema per mettere in discussione. Cosa ha chiesto? Tutto, da Dio allo scopo della nostra esistenza. Mentre '2001: Odissea nello spazio' è un film di fantascienza molto intelligente a sé stante, è anche molto di più. Credo che sia un film che è più una ricerca filosofica per determinare se Dio esiste. Parla di puntare in alto!