I 15 registi più sottovalutati di tutti i tempi

È molto difficile trovare un regista che possa essere oggettivamente considerato sottovalutato. Il contesto entra in gioco e ci sono molti fattori che le persone solleveranno per discutere su quello stato. Non c'è niente di sbagliato in questo, poiché è sempre piacevole trovare persone che riconoscono il lavoro di alcuni registi meno conosciuti. In questo elenco, prenderò in considerazione un mondo molto generalizzato come quadro di riferimento, uno che considera Spielberg il dio del cinema e The Shawshank Redemption come il più grande film mai realizzato. Non intendo nemmeno sminuire, ma credo che, in questo mondo di film estremamente diversificato, sia sempre troppo presto per etichettare qualcuno come il migliore e, nel frattempo, non sfidare i propri gusti per esplorare gli angoli più remoti del cinema. Tutti questi registi hanno aggiunto un vantaggio decisivo al processo di innovazione, e quindi hanno cementato la loro eredità nei cuori degli appassionati di cinema. Detto questo, ecco l'elenco dei migliori registi sottovalutati di sempre.

15. Satoshi Kon

Film da guardare: Paprika, The Perfect Blue, Millenium Actress

Ricordo di aver guardato 'The Perfect Blue' un mese fa e quanto mi ha ricordato il capolavoro di David Lynch 'Mulholland Drive'. Anche se la sua esecuzione diventa molto pesante verso la fine e perde la sottigliezza che promette, rimane un orribile studio del personaggio del suo protagonista e dell'abilità cerebrale di Kon. Credo che Kon non credesse nello studio del surrealismo, quanto nei sogni. I suoi film sono caratterizzati dal simbolismo, ma non li usa mai per trascendere le arti visive spingendo i suoi confini creativi verso l'infinito. Ha dimostrato che puoi lavorare secondo i costrutti della narrazione tradizionale e utilizzare ogni riga di una sceneggiatura per raccontare una storia da sola, risultando in una forma di struttura incredibilmente complessa, senza confondere la narrazione.

14. Jim Jarmusch

Film da guardare: Paterson, Stranger Than Paradise, Ghost Dog: The Way of the Samurai

Sebbene Jim Jarmusch sia stato il principe dell'industria cinematografica indipendente in America, quasi tutta la sua filmografia passa inosservata anche sotto il radar del pubblico americano a causa di quanto siano minimalisti, sia nel film che nel mondo reale. È un uomo che esala l'essenza del periodo di tempo in cui vive attraverso qualsiasi cosa uditiva o visiva, che si tratti della traccia di Billboard n. 1 che il suo personaggio recita nella sua auto o delle tendenze millenarie che la moglie del protagonista interpreta.

13. Claire Denis

Film da guardare: materiale bianco, 35 colpi di rum, cioccolato

Amo Claire Denis per la differenza tra il suo lavoro e la quintessenza dell'autore moderno. O hai qualcuno che è completamente poetico o qualcuno che vive di sceneggiature solide. In una certa misura, come Chantal Akerman, Denis ha il controllo di entrambi gli aspetti. Dopo aver trascorso la sua infanzia nell'Africa coloniale e la sua giovinezza nei sobborghi francesi, i suoi film sono segnati dagli effetti della guerra nel continente e dai problemi di differenziazione razziale. L'attenzione non è mai su una singola storia o un personaggio, mentre viaggiamo attraverso culture, paesaggi, suoni, problemi e identità in un film di Claire Denis.

12. Lisandro Alonso

Film da guardare: The Dead, Liverpool, Jauja

Non trovi più registi come Lisandro Alonso. Persone che credono che nel cinema non ci sia niente di più potente delle immagini. Uno spettatore occasionale troverebbe molto difficile tollerare il suo lavoro, poiché i suoi film consistono a malapena in dialoghi e ogni scena respira per almeno un minuto, e questo non include riprese lunghe. 'The Dead', 'Liverpool' e 'Jauja' sono tutti road movie e Alonso utilizza i viaggi come metafora dell'esplorazione. I suoi personaggi viaggiano attraverso paludi, neve, campi e luoghi di cui una volta facevano parte. Non c'è autoesplorazione, i suoi personaggi esistono al momento e l'unica cosa rivelata sono le loro emozioni rudimentali.

11. Victor Erice

Film da guardare: The Spirit of the Beehive, La Morte Rogue, El Sur

Essendo un fanatico dell'orrore, ciò che ho ottenuto dal primo lungometraggio di Victor Erice 'Lo spirito dell'alveare' è stata un'ora di silenzio e discesa nell'oscurità personale. Quello che avevo appena sperimentato era una forma sensoriale di teletrasporto in un mondo così innocente, anche il sottofondo terrificante del film sembrava malizioso e nient'altro. In una carriera che dura da più di 40 anni, è probabilmente l'artista meno prolifico in questa lista, ma non è sorprendente, considerando quanto sia personale il suo lavoro. La cosa che mi sorprende è come tratta ogni fotogramma come una nuova tela, cercando di abbellire l'impatto di ogni oggetto sullo schermo. Il suo particolare uso del silenzio conferisce al pubblico un tranquillizzante senso di libertà, nell'osservare la suddetta tecnica.

10. Maya Deren

Film da guardare: Meshes of the Afternoon, The Witche's Cradle, Meditation on Violence

Non credo che il lavoro di Maya Deren fosse avant garde quanto lei stessa. Probabilmente è l'incarnazione della fase in cui l'umanità raggiunge l'impulso di esprimere ogni desiderio che si accumula nel suo subconscio. Ogni desiderio che viene evitato dal mondo, perché non aderisce alle norme o al funzionamento organizzato del mondo. Deren ha sperimentato tutto; narrazioni, continuità, tecniche di ripresa, narrazione visiva e, soprattutto, montaggio. Il suo lavoro più famoso, 'Meshes of the Afternoon', anche il suo primo pezzo, funziona come una trance, contorcendosi e contorcendosi come i pensieri nella tua mente quando interagisci con oggetti diversi.

9. Shohei Imamura

Film da guardare: The Ballad of Narayama, The Pornographers, The Insect Woman

Shoehei Imamura è stata un'altra figura di spicco della New Wave giapponese ed è l'unico regista giapponese a vincere due Palme d'Or. Durante il periodo in cui la maggior parte dei registi contemporanei della sua regione erano interessati all'energia che si cela dietro ai film sui samurai e sui jidaigeki, Imamura è rimasta abbagliata dalla cruda sensualità che si riproduce sotto la facciata decorata della società giapponese. La guerra ha distrutto il Giappone e Imamura ha osato smascherare l'inevitabile turpitudine che le persone hanno scelto di trascurare, comprese le case di produzione. Con film come 'The Insect Woman' e 'The Pornographers', Imamura ha colpito i soggetti della prostituzione e della sessualità non sfruttata.

8. Chantal Akerman

Film da guardare: Jeanne Dielman, I You He She, Hotel Monterey

Chantal Akerman è probabilmente la cineasta più influente di tutti i tempi, continuando lo stile d'avanguardia dei suoi predecessori Maya Deren e Alice Guy-Blache e fondendolo con un forte senso narrativo e ipnotico dell'inquadratura. Il suo approccio includeva l'enfasi su un tempo e uno spazio particolari e su come i personaggi che abitano sono influenzati dal fatto che ne sono legati. Questo è brillantemente mostrato nell'uso di cucine e stanze nei suoi film, mentre esplora i muri tra l'addomesticamento e l'urbanizzazione del proprio io.

7. Michael Powell e Emeric Pressburger

Film da guardare: Peeping Tom, The Life and Death of Colonel Blimp, Black Narcissus

È impossibile lasciare nessuno dei due mentre si discute di uno. Quindi prenderò in considerazione la loro intera filmografia collettiva. Insieme, la loro filmografia è probabilmente la più diversificata raccolta di film che tu abbia mai incontrato, dalle commedie ai drammi romantici all'horror. L'aspetto più notevole, tuttavia, è la loro cinematografia sul Technicolor a 3 strisce, che è stata rivoluzionaria. Pressburger è stato lo sceneggiatore e ha supervisionato il montaggio, mentre Powell ha curato la maggior parte della regia. Al loro lavoro non è stata data l'importanza che merita a causa dei loro temi ignobili, e nel corso dei decenni c'è stato un interesse in crescita esponenziale, dopo le citazioni di Scorsese, Copoola e altri registi della New Wave.

6. Frantisek Vlacil

Film da guardare: Marketa Lazarova, Adelheid, The Valley of the Bees

Devo ringraziare Criterion per avermi presentato sia 'Marketa Lazarova' e il suo direttore Frantisek Vlacil. 50 anni dopo l'uscita del primo, entrambi questi nomi rimangono monumenti intatti nel passato e nel presente del cinema europeo. Trovo somiglianze nella sua visione e in quella di Tarkovsky, poiché entrambi consideravano il cinema una poesia visiva. Essendo uno studente di storia e un locale della Cecoslovacchia, è stato instillato con un forte senso dei problemi che affliggevano l'Europa medievale. Il suo immaginario è molto metaforico e tratta temi di libertà individualistica, ortodossie, ascesa e caduta delle culture e dei dogmi ad esse associati. Come Tarkovsky, il suo lavoro era sempre sotto esame da parte delle forze comuniste nel paese.

5. Mario Bava

Film da guardare: Black Sunday, Kill Baby Kill, Blood e Black Lace

Ogni volta che mi trovo in un circolo cinematografico, è come se fossi preso in mezzo a uno sbarramento massacrante, solo che non ci sono proiettili ma i nomi dei registi europei. E anche se ho sempre amato il macabro, non influenza la mia delusione nel trovare un nome mancante, e questo è Mario Bava. Il maestro italiano ha ripreso da dove era partito Hitchcock e ha avvolto i misteri in luci vellutate e vendetta lussuriosa. È molto difficile trovare un artista poliedrico come Bava, poiché l'uomo ha rivoluzionato la cinematografia, gli effetti speciali, la regia, le sceneggiature e Eastmancolor nel suo paese d'origine, che alla fine si sono diffusi in tutta Europa.

4. Frederick Wiseman

Film da guardare: Titicut Follies, The Last Letter, Boxing Gym

Probabilmente Frederick Wiseman era destinato ad essere trascurato, il giorno in cui decise di perseguire la realtà. La maggior parte di noi è così colpita dai capricci delle situazioni che affrontiamo nella vita reale, scegliamo di guardarle in mondi fantastici su schermi cinematografici larghi 15 metri. La visione di Wiseman non è solo sua, ma anche di persone che non hanno il privilegio di trasmettere la loro. Nessun film può essere oggettivamente imparziale e il suo punto di vista su come ogni minuto che si riprende sarà sottoposto a un controllo e pregiudizi inevitabili, perché ha determinati obblighi a cui attenersi, la dice lunga sulla sua etica del lavoro.

3. Jean Cocteau

Film da guardare: la trilogia orfica

'Quando faccio un film, è un sonno in cui sogno.' - Jean Cocteau. Abbiamo visto Lynch, Fellini, Bunuel e Jodorowsky creare realtà alternative che decostruiscono ogni elemento dell'umanità collocandolo in un mondo che è al di là della sua comprensione. Ma se guardi abbastanza da vicino, quasi tutti si sono ispirati a Cocteau in diverse fasi della loro filmografia. Sebbene il suo stile sia considerato molto poetico, la trama delle sue immagini è molto grossolana, il contrasto in bianco e nero è molto determinante. 'The Orphic Trilogy' in particolare si sente come se Cocteau, come artista, avesse finalmente trovato un mezzo per esprimere la sua immaginazione ed elevarla a un limite che nessun foglio gli avrebbe mai permesso.

2. Masaki Kobayashi

Film da guardare: Harakiri, Kwaidan, Human Condition Trilogy

Per quanto io adori Akira Kurosawa, se c'è un regista giapponese il cui corpo di lavoro è la parte più essenziale del cinema giapponese del dopoguerra, credo che sia Masaki Kobayashi. Sebbene le sue opere fossero diffuse in vaste linee temporali e realtà, i suoi temi erano sempre un riflesso costante del realismo, che fu intensificato dalla sua esperienza straziante durante la guerra. Kobayashi, a differenza della maggior parte dei registi della stessa epoca, si è concentrato sulla decostruzione e sulla critica della cultura giapponese, e non ha mai satirato i suoi film, proiettando così una visione snervante e pessimistica della società, che è stata liquidata come offensiva e schietta. 'Harakiri' e la 'trilogia delle condizioni umane' sono ottimi esempi delle critiche del regista al concetto di guerra, poiché ne vediamo le conseguenze in due periodi di tempo completamente diversi.

1. F. W. Murnau

Film da guardare: Nosferatu, Sunrise, Faust

F.W.Murnau è un monumento. 'Nosferatu' compirà 100 anni dopo 5 anni, e onestamente ci sono stati innumerevoli film dell'orrore dalla sua uscita. Tranne una manciata, nessuno di loro è stato abbastanza influente da lasciare tracce della loro eccellenza in ogni altro film del genere. 'Sunrise' è un altro film il cui residuo è stato cosparso di immagini poetiche nel cinema d'essai europeo, ed è probabilmente il primo film a scolpire letteralmente il tempo e il cinema con esso nel processo. C'è 'L'ultima risata' la cui introspezione della condizione umana, essendo uno dei primi studi sui personaggi, è mascherata dal suo espressionismo e il suo stile potrebbe essere stato influenzato dal neorealismo italiano e dal cinema parallelo. E poi c'è il 'Faust', che coinvolge il leggendario alchimista che fa un patto con il diavolo e sebbene Goethe avesse già fatto una commedia nel 1806, credo che il cinema sia sempre stato più efficace sul teatro, come esperienza. E Faust è la più grande testimonianza di questa affermazione.