7 migliori film d'animazione in stop-motion di tutti i tempi

L'animazione stop-motion in un mondo di grafica 3D CGI lucida non è altro che un'affermazione, su un viaggio cinematografico che preferisce un percorso lungo e lento e il percorso orchestrato a mano di pupazzi, di argilla, legno, stoffa, oltre a quello del computer. Dal Brothers Quay alla scuola ceca, Tim Burton e Henry Selick, abbiamo tutti i nostri preferiti. Ecco l'elenco dei migliori film di animazione in stop motion, alcuni adattamenti classici e altri oscuri indie, che fanno sconcertare le possibilità di questa tecnica. Puoi guardare alcuni di questi migliori film d'animazione in stop motion su Netflix, Hulu o Amazon Prime.

1. Alice (1988; ceco)

Qualsiasi elenco del genere è negligente se non inizia con questo favorito di culto. I libri di Alice di Lewis Carroll sono universalmente considerati come le classiche storie per bambini per adulti e sono stati ridotti e modificati come letteratura per bambini, generando adattamenti animati (Disney) e bizzarre transcreazioni con temi per adulti (Tim Burton, James Bobin). Ma l'uso surreale di Svankmajer dell'azione dal vivo in stop-motion e delle sequenze di animazione ha reso la storia di Carroll un'oscura fantasia che è stata per lo più interpretata come una fiaba, con grande disappunto del regista, che lo legge più come un 'sogno amorale'. Qui non abbiamo sequenze animate e fluide, ma sequenze veloci e a scatti, sebbene l'effetto complessivo abbia una fluidità peculiare. L'effetto di osservare la crescita e il restringimento ripetuti di Alice non è umoristico, ma a sua volta claustrofobico e intimidatorio. Gli animali non sono carini o volenterosi, ma quelli che mordono, attaccano e minacciano.

Le creature che popolano questo Paese delle Meraviglie sono irritantemente incomplete, non intere e rozze: un Coniglio Bianco tassidermizzato fatto di segatura che perde, il Cappellaio Matto è una marionetta che sorseggia il tè che filtra dalle sue cavità interiori, gli occhi a bottone della Lepre Marzolina continuano a spuntare fuori e chi ha bisogno di essere liquidato e i personaggi delle carte unidimensionali. Aggiungi cassetti che si rifiutano di aprirsi con le manopole, salatini che sputano spille, animali scheletrici, bruchi pupazzi di calzino e una ragazza che viene ridotta a una bambola e fatta saltare in aria in un'effigie, e avrai la stoffa dei sogni veri, piuttosto, degli incubi, uno dove prendono vita i normali oggetti di uso quotidiano. In modo più efficace, il film utilizza pochissimi dialoghi e quel poco che fa è ripetitivo e composto da battute semplici, con Alice che legge frammenti della storia. Niente giardini lussureggianti e sponde del lago, questa è l'ambientazione di terre desolate, case fatiscenti e vicoli inquietanti. Ma allora, quali altri sogni ci si aspetta da una ragazza bionda con gli occhi azzurri che trascorre il suo tempo lanciando sassi nelle tazze da tè? Ecco come può essere anche l'animazione: inquietante e inquietante. In effetti, i commentatori hanno letto forti correnti sotterranee e tropi gotici nel film. Presta attenzione alla sua ultima battuta in questo film inquietante. E rabbrividire per le sue implicazioni!

2. Mary e Max (2009; australiano)

Uno dei miei preferiti in assoluto di tutti i tempi, caratterizzato dalla tecnica molto soddisfacente dell'argilla tattile (animazione di figure di argilla) che richiede tempo e denaro, è questa meraviglia indipendente. Una storia di amicizie straordinariamente rinfrescanti tra persone stravaganti, il film ruota attorno alla salute mentale, dal bullismo infantile e dalla bassa autostima, a condizioni più adulte e debilitanti come la depressione, la sindrome di Asperger e l'agorafobia. Mary Daisy Dinkle, una ragazza australiana di otto anni vittima di bullismo e senza amici che cresce con genitori tutt'altro che ideali, diventa amica di penna del quarantaquattrenne solitario e obeso Aspie Max Jerry Horowitz in America e ciò che ne consegue è un decennio di scambi di lettere, cioccolatini e legami su Nobblets, mentre ciascuno trova sostentamento nella compagnia dell'altro e le loro fortune cambiano in un mondo che li confonde. Ma questa non è un'amicizia facile, poiché richiede notevoli adattamenti e genera ansie, delusioni, sensi di colpa e perdono.

Goffa e accattivante, la tecnica dell'argilla grossa non è mai stata utilizzata meglio di questa vera e propria ode alle stranezze e alle imperfezioni della nostra umanità imperfetta, aiutandoci ad abbracciare le nostre 'disabilità' formando relazioni significative lungo i nostri viaggi emotivi. I dettagli mozzafiato catturati da una sorprendente gamma di set, pupazzi traballanti e oggetti di scena, evocano un mondo affascinante animato da persone, animali e problemi teneramente reali, il tutto presentato con generose dosi di umorismo. Una visione incrollabile di amici invisibili, cleptomania, dipendenza da alcol, attacchi di panico, sessualità difficili, cuori infranti e tendenze suicide, è anche un film solare di risate, speranza e amor proprio. Quale miglior messaggio di speranza di quando si sente Max dire: non puoi scegliere le tue verruche, ma puoi scegliere i tuoi amici. In precedenza Elliot si è avventurato nella 'clayography' della salute mentale (biografia dell'argilla) attraverso i suoi cortometraggi, il premio Oscar Harvie Krumpet e la trilogia più breve di Uncle, Cousin and Brother.

3. The Wanted 18 (2014; palestinese-canadese)

Questo insolito documentario 'mooovie' che presenta interviste, filmati d'archivio, disegni di cartoni animati, rievocazioni e claymation parla della Palestina, Israele e la prima Intifada, in un incrocio confessato tra Animal Farm e Waltz con Bashir. Nel 1987, la città palestinese di Beit Sahour, a sostegno della rivolta contro l'occupazione israeliana della Cisgiordania e della striscia di Gaza, lancia una resistenza civile, non violenta e disobbediente a Israele, attraverso la formazione di vari comitati di quartiere che propongono e attuano strategie per l'autosufficienza economica palestinese, in aiuto della sua eventuale indipendenza politica. Una di queste politiche è quella di acquistare diciotto mucche, finora esotiche per la zona, da un simpatico kibbutznik, per produrre latte e avviare un piccolo caseificio. Le mucche portano un'ondata di esultante speranza e sogni di liberazione alla affiatata comunità palestinese, che trova modi ingegnosi per ribellarsi e sfidare le potenze israeliane che vogliono mantenerle sottomesse e dipendenti, qui attraverso l'importazione di latte.

Il governatore militare israeliano, in precedenza sprezzante per la piccola questione di una manciata di mucche, diventa rapidamente paranoico riguardo al latte dell'Intifada e dichiara che la presenza delle mucche è pericolosa per la sicurezza dello stato di Israele. Quello che segue è un viaggio altrettanto esilarante e straziante in cui le mucche 'ricercate' vengono nascoste, trasferite, cercate con gli elicotteri e cercate nelle caverne, mentre il destino di un'intera comunità è in bilico anche quando i leader statali si incontrano e vengono firmati accordi . Fai attenzione ai quattro principali protagonisti della mucca che hanno nomi propri e personalità e opinioni politiche distinte. Vediamo una parte della narrazione attraverso la loro meraviglia bovina con gli occhi spalancati per i viaggi lunghi e noiosi che intraprendono, le loro avventure e disavventure (siamo carne morta!) e i sogni e gli incubi che ispirano.

La narrativa animata delle mucche consente di infondere ricordi altrimenti dolorosi con generose gocce di umorismo e mettendo in primo piano le mucche, questioni politiche cupe e tragiche sono poste in prospettive diverse: assurde, resilienti, creative e, soprattutto, molto umano. Un commento sulla resistenza non violenta degli 'attivisti' pacifisti viene qui portato alla luce internazionale in assenza di copertura da parte dei media mainstream da parte di Cowan e Shomali, la storia familiare di quest'ultimo è legata a questa importante nota storica. Shomali, artista, animatore e regista, cresciuto in un campo profughi siriano con l'idea della Palestina più come un paesaggio mentale celeste che come un luogo fisico, dice che credo che una nazione che non può prendersi gioco delle proprie ferite lo farà mai essere in grado di guarirli.

4. Rocks in My Pockets (2014; lettone e americano)

Come Mary e Max, anche questo film approfondisce un problema di salute mentale: cinque donne 'promettenti' della famiglia del regista, sua nonna, i suoi tre cugini e se stessa, combattono / soccombono alla depressione cronica. Questo divertente film sulla depressione inizia con una descrizione commovente del fallito tentativo di suicidio della nonna di Baumane, Anna, decenni fa, e passa al consiglio pratico e scandalosamente divertente del regista-narratore all'ormai morta Anna di compiere un suicidio riuscito. Le rocce qui fungono da tropi e metafore, invocando il mito di Sisifo che spinge un masso su una montagna, solo per farlo rotolare giù, così come le rocce che appesantiscono la depressione e la morte, letteralmente o figurativamente.

Lungo la strada, siamo trattati per una storia compressa della Lettonia del ventesimo secolo e invitati a testimoniare le narrazioni di cinque donne artisticamente e intellettualmente orientate, quattro delle quali soccombono alle loro oscure fantasie rilassanti di liberazione, incapaci di far fronte ai loro sogni infranti e speranze deluse. I pool genetici e i segreti di famiglia collegano queste donne insieme, mentre lottano per adattarsi alla maternità e alla vita familiare, nei loro contesti e tempi. La morte di Anna, un non mistero ben custodito e ignorato, è un'ossessione che Baumane si rifiuta di lasciar andare, poiché la comprensione della storia di sua nonna sembra contenere la chiave della sua stessa sopravvivenza. Ogni donna è diversa, con i suoi demoni e angeli, eppure ognuna è preda delle sue inclinazioni biologiche e dei suoi condizionamenti culturali che minacciano di soffocarla. Queste donne che volevano essere adulte libere e indipendenti, finiscono per fare sacrifici per compiacere le persone che amano a scapito dei loro sogni, che per Signe è il vero difetto che condividono. Ma condividono anche il legame di comprensione, poiché sembrano tendersi l'un l'altro, oltre la morte, aiutandosi e ispirandosi a vicenda. Ci vengono in mente le tragiche fini di artisti come Sylvia Plath e Virginia Woolf, e ci si meraviglia dell'onestà e dell'integrità con cui è stato realizzato questo film e del meraviglioso uso dell'animazione al suo servizio (soprattutto l'uso di metafore visive ).

Ad esempio, la sequenza in cui Baumane parla di un attacco di depressione e pensieri suicidi la visualizza come un palloncino vuoto con bordi affilati come rasoi che le tagliano le viscere e Anna viene mostrata svolazzare come un pesce scivoloso nell'abbraccio del marito; i personaggi vengono mostrati crescere e rimpicciolirsi riflettendo il loro tumulto interiore. In definitiva, il film mostra come la strada verso la sanità mentale sia una corsa sfrenata, poiché Baumane percorre la linea sottile tra sanità mentale e follia, lavorando sulla sua vita, sul suo lavoro in corso, come l'artista che è veramente. L'animazione include contorni ondulati disegnati a mano, maschere di cartapesta, stop motion e presenta volpi, alter ego depressivi simili a orsi e seducenti, coniglietti (Donnie Darko!) e rane che sostituiscono le personalità umane, bambini che si trasformano in filamenti genetici e una narrazione molto coinvolgente e animata della stessa Baumane. Agrodolce e cinicamente divertente, questo sforzo di una donna che è audacemente femminista è una testimonianza della sofisticata narrazione e della potente comunicazione che l'animazione rende possibile.

5. La mia vita da zucchine (2016; Svizzera)

I film d'animazione per adulti stanno diventando incoraggiantemente la norma, ma ci sono anche alcuni sforzi convincenti contro l'abbattimento dell'animazione per i bambini. Ma Vie de Zucchini (soprannominato in inglese come La mia vita da zucchine) è uno di questi film con i bambini, che affronta coraggiosamente questioni da cui i bambini sono solitamente protetti. Il protagonista è un bambino di nove anni chiamato 'Zucchini' dalla madre alcolizzata che 'va via' in un incidente di cui si sente responsabile. Viene mandato a vivere in un orfanotrofio dove affronta oscuri sentimenti di solitudine, abbandono, essere vittima di bullismo, oltre a quelli edificanti di amicizia e amore. Le sue interazioni con gli altri bambini lo introducono a esperienze traumatiche come abusi sessuali, deportazioni, tossicodipendenza e omicidi, anche se trova un senso di appartenenza a questo strano gruppo eterogeneo.

La storia in definitiva parla di bambini che lottano per dare un senso a un mondo adulto in cui non c'è più nessuno che li ami ed è a sua volta straziante e ironicamente divertente. Segue un raro momento di ilarità quando i bambini cercano di dare un senso alla sessualità adulta. Ma questi bambini diventano anche resilienti e traggono forza nella loro solidarietà contro gli adulti manipolatori e formano bellissimi legami con quelli premurosi e comprensivi. La loro redenzione sta nel ritrovamento di famiglie non convenzionali e nel riconoscimento dell'esistenza dell'amore incondizionato, anche se nella vita di qualcun altro. Con l'uso di pupazzi di argilla, il film sfrutta le possibilità poetiche dell'animazione e ritrae una sorprendente gamma di dettagli attraverso le espressioni facciali dei personaggi, in particolare i loro occhi grandi e limpidi, incastonati in teste gonfiate molte volte in proporzione al il resto del corpo e con l'ausilio di una gamma di colori, con connotazioni diverse.

Sottigliezze come i giochi di luce sul muro o la stessa tattilità dei piccoli corpi di argilla rimpiccioliti dipingono un'immagine 'reale' e tirano le corde del cuore. Questo film vincitore dell'Oscar è un altro fiore all'occhiello di Céline Sciamma, che ha adattato il romanzo di Gilles Paris alla sceneggiatura del film e che in precedenza ha diretto meravigliosi film di formazione come Girlhood e Tomboy. I bambini, sia come personaggi che come spettatori, sono immaginati come le persone sensibili e intelligenti che sono e una storia commovente si svolge in assenza di sentimentalismo e autocensura.

6. Pifferaio magico (1986; ceco)

Barta è il secondo ceco della lista e anche questo oscuro lavoro, uno dei progetti di animazione più ambiziosi della Cecoslovacchia degli anni '80, un incrocio tra horror e fantasy, è a dir poco ossessionante. La storia è un adattamento spettrale del famoso racconto popolare del pifferaio magico di Hamelin. Qui, però, non c'è distinzione tra gli abitanti delle città ei topi, ei bambini non sono i capri espiatori. Dal punto di vista tecnico, Barta fa un uso brillante degli sfondi scolpiti nel legno e dei pupazzi in legno intagliato per evocare entrambi, un'ambientazione gotica medievale, nonché per enfatizzare la decadente grossolanità degli Hameliner. Chiunque sapesse che il legno poteva essere così fluido! Ossessionati dal coniare denaro, contrattare e barare su di esso, accumularlo e usarlo per comprare o costringere il sesso alle donne, gli uomini sono violenti, golosi e avidi. I topi, (quelli vivi!) che rubano cibo tanto quanto denaro e gioielli e tornano di corsa nei loro tunnel, sono estensioni degli umani, e gli umani al contrario, l'estensione dei topi.

In contrasto con My Life As a Zuchhini, qui i volti umani, sebbene distintivi, sono di scorcio, in modo da enfatizzare l'abbigliamento e gli equipaggiamenti esterni, a scapito dei tratti facciali più empatici. Ma in mezzo a tutta questa finzione, alcuni elementi sono inquietantemente reali, come le sequenze di sangue, e il vino e la carne sulla tavola e dal macellaio. Questo rende la violenza e la gola ancora più palpabili. Gli umani, con poche eccezioni degne di nota dei 'buoni', parlano con grugniti inarticolati e gutturali, sbavature e parole senza senso acute, che non fanno che aumentare il senso del ridicolo e dello spregevole. I grigi e i marroni del paesaggio in decomposizione vengono momentaneamente infusi di colore una volta che il Piper si è sbarazzato dei topi, ma presto tornano allo status quo mentre i cittadini tornano ai loro modi dissoluti e moralmente falliti. Ma qui, il Pifferaio ha più di una ragione per cercare vendetta. La svolta nel finale del racconto è la giustizia poetica oscura e divertente che non avremmo mai immaginato di poter assaporare nella versione mainstream della storia.

L'impressione generale è un mix di cubismo e film horror espressionisti del primo Novecento, un trionfo nel grottesco e nell'eccesso visivo. Bonus: qualche sinistra melodia di flauto che accompagna il Piper alla Guy Fawkes e, successivamente, la chitarra elettronica che segna l'ira del Piper. Un vero pezzo da collezione.

7. Blood Tea e Red String (2006; americano)

Forse il film più strano che abbia mai visto, questo oscuro gioiello girato in 16 mm ricorda Švankmajer e ha richiesto più di un decennio di realizzazione (Cegavske menziona qui altre influenze). È stato descritto come un sogno febbrile di David Lynchean sul terreno di Beatrix Potter, pazientemente surrealista e una trasandata confutazione della soavità digitale e degli imbrogli delle celebrità dell'era Pixar. Usare parole come 'bizzarro' e 'macabro' non sarebbe sufficiente per questo film che si svolge come una poesia e deve essere vissuto piuttosto che compreso. È un ritmo terribilmente lento, motivi gotici e una progressione narrativa inspiegabile sa di sensibilità d'autore, ma per evitare che suoni scoraggiante, vorrei affrettarmi ad aggiungere i termini magici, 'fiaba', 'adulto' e 'amorale'.

Questo è 'Alice's Rosencratz', dove una storia simile ad Alice viene narrata dal punto di vista delle creature dei boschi che letteralmente la legano. Alcuni suggerimenti per coloro che lottano con la struttura narrativa del film, possono essere raccolti da qui. Imita entrambi, il perturbante di un sogno e la sua avvincente serie di dettagli che in qualche modo tengono insieme questa storia attraverso sequenze sorprendenti come quella di aristocratici topi bianchi in abiti elisabettiani che sorseggiano tè sanguigno, a un gioco di carte con carte bianche, accarezzando una bambola senza vita che aver precedentemente farcito con un uovo. Per aggiungere atmosfera, vorrei citare trappole per piante, bacche allucinogene e ragni che tessono ragnatele rosse, creature ibride di topi corvo e bambole che partoriscono. Proprio quando le immagini violente minacciano di travolgere, vediamo rane sagge e cavalcate di tartarughe e iniziamo a mettere in discussione le intenzioni dei personaggi imperscrutabili e ambigui e a mettere in discussione le nostre interpretazioni. L'animazione è sbalorditiva, sia come tributo nostalgico alle vecchie forme di stop-motion 'antiche' fatte a mano, sia come la portata originale e fantasiosa di questo sforzo di una donna.

I miei preferiti personali erano l'uso della plastica nelle immagini dell'acqua e del fuoco, che catturano in modo così efficace il potenziale tremendamente evocativo di questo film. L'abile ripresa e la musica scarsamente inquietante compensano la mancanza di dialoghi. Simbolismo, allegoria e commento sociale a parte (sto ancora avvolgendo la testa intorno a quelli), questa versione di un libro pop-up per bambini, è una pura festa visivo-uditiva. Ci si sente quasi come un intruso testardo nella terra delle fate. Il prossimo di Cegavske, il secondo di questa trilogia pianificata, dovrebbe essere pronto entro il 2022!

Menzioni d'onore: non nell'elenco perché sono i preferiti più tradizionali che potresti aver già incontrato, ma comunque impressionanti sono l'adattamento idiosincratico del libro di Roald Dahl di Roald Dahl, Fantastic Mr Fox (2009) e il terrificante adattamento di Henry Selick del romanzo di Neil Gaiman , Coraline (2009). Poco noti ma degni di nota sono Sogno di una notte di mezza estate (1959) di Jirí Trnka, One Night in City (2007) di Jan Balej e The Hunting of the Snark (2015) di Saranne Bensusan. Mentre spuntate i film da questo elenco, cercate anche Mathilda Corkscrew e The Isle of Dogs in uscita il prossimo anno. Buona visione di questo periodo festivo!