18 migliori film esistenziali di tutti i tempi

'Esistenzialismo' è un termine coniato dai filosofi europei della fine del XIX e XX secolo che credevano che il pensiero filosofico inizi con il soggetto umano, non semplicemente il soggetto pensante, ma l'individuo umano che agisce, sente e vive. Secondo loro, le persone cercano di scoprire chi e cosa sono nel corso della vita mentre fanno scelte basate sulle loro esperienze, convinzioni e prospettive. Sì, lo so che è complicato. Ma per dirla semplicemente, 'esistenzialismo' è la filosofia che si occupa di trovare il sé e il significato della vita attraverso il libero arbitrio, la scelta e la responsabilità personale.

Di seguito è elencato l'elenco dei migliori film esistenziali di sempre attraverso i quali i loro autori hanno cercato di dare un senso a ciò che significa esistere in questo mondo. Quanto le nostre esperienze danno forma alle nostre convinzioni? E la vita è davvero priva di significato? Queste sono alcune delle tante domande che questi film pongono. Quale di questi migliori film di illuminazione è il tuo preferito. A proposito, puoi trasmettere in streaming alcuni di questi migliori film esistenziali su Netflix, Hulu o Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Scoppiettante e irto di pura energia, 'Birdman' gioca con l'arte del cinema così come la conosci e le dà una nuova dimensione. Sorprende, sfida e abbaglia; a volte tutto in una volta. È pazzesco, esilarante e un'esperienza che con ogni probabilità non avresti mai avuto al cinema. Uno sguardo caustico e oscuramente divertente alla cultura della fama e alla celebrità in questo giorno ed età di Facebook e Twitter, prende in giro coloro che sono prigionieri della propria immagine. In definitiva, è un film su un attore che attraversa una crisi esistenziale.

17. Synecdoche, New York (2007)

'Synecdoche, New York' è un film difficile da guardare, e anche allo stomaco. Non è qualcosa che deve essere compreso; film come questo hanno bisogno di essere osservati, sentiti e riflettuti. Intensamente cerebrale, spesso a volte scioccante, 'Synecdoche, New York' non piacerebbe a tutti; è una celebrazione di tutto ciò che un artista aspira a essere, eppure è in definitiva una tragedia, che mostra il rovescio dell'ambizione artistica, dove il reale incontra l'irreale, immergendo la mente artistica nelle oscure profondità dell'incertezza e della depressione.

16. Persona (1966)

È difficile aggiungere un film come 'Persona' in qualsiasi elenco basato sul genere a causa delle profondità e delle ambiguità dei temi trattati nel film. 'Persona' è un film aperto a numerose interpretazioni ed è ancora ampiamente discusso, dibattuto e analizzato da critici, studiosi e cinefili di tutto il mondo. Il film racconta la storia di due donne, un'infermiera e il suo paziente muto e il legame inquietante dei loro strani personaggi. Il film esplora l'identità umana, offusca e scuote le nostre percezioni dei sogni e della realtà e si tuffa negli aspetti più profondi e oscuri della complessa psiche umana e delle bizzarre fantasie che la circondano. 'Persona' è un'esperienza profondamente intima e personale ed è un puro pezzo di poesia cinematografica.

15. Taxi Driver (1976)

'Taxi Driver' racconta la storia di un veterano del Vietnam emotivamente distrutto dalla sua vita offuscata dalla solitudine e dalla miseria. Un film fortemente incentrato sui personaggi, 'Taxi Driver' presenta una sorprendente prodezza di recitazione di Robert De Niro che ritrae la discesa di un uomo nella follia mentre lo vediamo trascinato dalle estremità dell'oscurità umana. Forse Travis Bickle una volta era un ragazzo adorabile e affascinante ed è stata la guerra a farlo sentire estraneo a un mondo che una volta era la sua casa. La sua incapacità e disperazione di entrare in contatto con le persone e la perpetua lotta per adattarsi a un mondo bizzarro e bizzarro, costellato di omicidi e misfatti, è un ritratto oscuro e inquietante di un'anima umana.

14. Primavera, estate, autunno, inverno ... e primavera (2003)

Presentato come il miglior lavoro dalle scuderie dell'autore sudcoreano Kim Ki-duk, 'Primavera, estate, autunno, inverno ... e primavera' è una storia che narra la vita di un monaco buddista mentre attraversa le diverse fasi di vita. Il film può essere considerato una metafora della continuità perpetua e della natura ciclica della vita umana. Lungo la strada, esplora anche i temi dell'amore, del sacrificio, della devozione, dell'isolamento e della fedeltà. Noto per la presenza di pochissimi dialoghi, il film è di natura profondamente contemplativa e accompagna il pubblico in un viaggio sereno.

13. Il settimo continente (1989)

Definire 'Il settimo continente' di Michael Haneke un film dell'orrore mi sembra molto sbagliato, ma è così che viene definito dalla maggior parte delle persone che lo hanno visto. È difficile discutere con loro, perché la visione di questo film lascia una sensazione di disperazione, depressione e paura. Avendo a che fare con una famiglia che odia il mondo e la vita in generale, questo classico del 1989 assume una posizione fredda e distante per isolare ulteriormente i tre giocatori dal resto della società, il che lentamente ma inesorabilmente fa sì che il pubblico si senta profondamente per loro come loro l'esistenza prende una svolta oscura. Essendo uno dei film più inquietanti che abbiano mai abbellito il grande schermo, il pezzo d'esordio di Haneke schernisce lo spettatore e non lo lascia mai andare. Se il pubblico lo chiama un film dell'orrore, lo fa riferendosi a un film di paura che è diverso da qualsiasi altro. Coperto di ambiguità e realismo, Il settimo continente è una rivisitazione personale, intima e terrificante di una storia vera che ti lascia in silenzio, perché per almeno un paio di minuti dopo che è finita, diventi incapace di pronunciare una sola parola.

12. Spirit of the Beehive (1973)

Il maestro spagnolo Victor Erice ha realizzato solo tre lungometraggi prima di andare in pensione. Ancora vivo oggi, i suoi film come El Sur, Quince 'Tree of the Sun' e soprattutto Spirit of the Beehive, il suo indefinibile debutto, fanno desiderare a tutti che stesse ancora facendo film. Un racconto parabilico di due bambini, uno che esplora la sua esistenza con un fascino innocente e spesso sconcertante e l'altro ossessionato dal film 'Frankenstein' che è stato proiettato nel loro teatro locale. Il suo ritratto mistificante del cuore della Spagna è lasciato in allettante ambiguità dalla direzione tipicamente neutra di Erice, che raramente si avventura nel metodo cinematografico a favore dell'osservazione silenziosa. Il lavoro che ne risulta è sconcertante, avvincente e ti lascerà interrogativo sull'enigma intrinseco della vita stessa: le sue domande senza risposta, i suoi grandi misteri e la loro sconcertante inattaccabilità. Per lasciarti completamente devastato o incomparabilmente commosso, non c'è dubbio che uno dei due estremi 'Spirit of the Beehive' sarà un'esperienza importante.

11. Satan Tango (1994)

Quando l'ho visto per la prima volta sono stato ipnotizzato dal vasto e prodigioso capolavoro di Béla Tarr. Il suo senso pragmatico del mondo reale e la sua pazienza sono le sue qualità distintive. Osserva più di quanto riflette e contempla più di quanto rilascia dichiarazioni ben formate. Il suo mitico e cupo realismo è troppo bello per essere vero e troppo brutale per essere realizzato con un tale occhio per la bellezza. Tutto quello che volevo fare alla fine era chiudere tutte le finestre e avvolgermi nell'oscurità perché il film per me era stato come quel pazzo in chiesa e il suo lamento aveva troppo senso. Sono lieto di riferire che le sagaci riflessioni sociali e politiche di 'Sátántangó' hanno cominciato a chiarirsi quando ci sono tornato più volte.

10. La Dolce Vita (1960)

Il virtuoso cautamente, pazientemente e poeticamente ammorbidito di Fellini è in piena mostra nel suo vincitore della Palma d'Oro che nel suo glamour pieno di sentimento e oscuro cattura un modo di vivere che sembra troppo sfuggente e per certi versi troppo reale. Il suo ritmo sottolinea il senso di assenza di meta del protagonista e ci obbliga a immergerci nella disposizione sinfonica della vivacità della vita e di quanto sia fugace tutto ciò. Questo protagonista è interpretato da Marcello Mastroianni, il migliore in carriera, che utilizza questo dono del tempo per riempirsi gli occhi di un'irresistibile stanchezza del mondo. Mettere in discussione il significato di alcune sezioni de 'La Dolce Vita' che possono sembrare prive di importanza filosofica o rilevanza narrativa significa rifiutare la possibilità di lasciarsi travolgere dai dettagli piccanti e quindi contemplarne le conseguenze. Mentre la celeste partitura di Nino Rota ci trasporta nel mondo vertiginoso di Roma, visto attraverso l'occhio illusorio di Fellini, vedi solo ciò che lui vuole che tu veda e diventa rapidamente ciò che vuoi vedere anche tu.

9. 8 1/2 (1963)

Sfruttando l'ombreggiata gravità di Marcello Mastroianni, la pura elettricità di Fellini può essere travolgente. Ti aggrappi alla percezione di un momento particolare e ne riconosci la sensuale ricchezza solo per scoprire che il regista è passato a un'altra sequenza svolazzante e deliziosamente in bilico. Le sue idee sugli artisti e la loro sconcertante e ridicola ossessione per se stessi possono sembrare datate - o peggio, irrilevanti - ma l'audacia della loro costruzione ed espressione non ci viene mai meno. Ci strega e ci seduce, non permettendoci mai di staccare gli occhi da esso e poi scivola tra le nostre dita quando ci rendiamo conto che non l'abbiamo mai avuto a portata di mano. Fellini non è molto diverso dalla chiaroveggente Maya del film che sembra sapere quello che pensano tutti: un'abilità attribuita dalla sua assistente alla telepatia. Quando il nostro protagonista, Guido, interroga l'assistente su come lo fa, lui nota chiaramente: 'In parte è un trucco e in parte reale. Non lo so, ma succede. ' Nessuna parola potrebbe essere più adatta per descrivere il film.

8. Il settimo sigillo (1957)

Dalle prime immagini dell'iconico documento di Bergman su fede, paura e contentezza, c'è un incantesimo lanciato su di te. Lo sguardo duro e granuloso del mare, della costa e su di esso di un coraggioso cavaliere e il suo fatidico incontro con la personificazione della morte definisce la chiarezza dell'obiettivo del film, anche se lascia spazio a un'ambiguità seducente, quasi terrificante, che sia costantemente presente. Beneficiando di una performance magnetica dell'incomparabile Max von Sydow e di una banda di attori che elevano il materiale sorprendente di Bergman, basato sulla sua opera 'Wood Painting', a livelli inaspettati, 'The Seventh Seal' nei suoi magri 90 minuti ha l'influenza di una vecchia favola tramandata di generazione in generazione che spinge l'immaginazione molto più espansiva di quanto essa stessa possa sperare di contenere. Il bianco e nero brillante e nitido di Gunnar Fischer assicura che l'intensità straziante striscia sotto la nostra pelle. La fluidità simile a un flusso è il risultato di una narrazione dispiegata con sublime fiducia e una tangibile levigatezza. Può essere una storia del tutto semplice, che ciononostante ospita idee preziose nel suo seno, ma è cucita con un tessuto così intricato e audace che non puoi fare a meno di guardarlo più e più volte per tradurlo in un ricordo duraturo.

7. Stalker (1979)

Tenendo a bada i suoi discendenti minori, tra cui la serie televisiva di grande successo 'Westworld', la colossale influenza di 'Stalker' sulla narrazione visiva non può essere sopravvalutata. Le idee - filosofiche, spirituali e scientifiche - così come la loro abile e gloriosa esplorazione cinematografica in 'Stalker' hanno trovato le loro impressioni su molti fantascienza a venire dopo. Non è tanto lo scivolamento, che induce la trance e in alcuni punti, il ritmo astratto o l'uso che stimola l'anima della seppia monocromatica al di fuori della 'Zona' e i colori impressi dei luoghi in Estonia, che sono stati rispecchiati nel lavoro di registi come Terrence Malick e Lav Diaz, per citarne alcuni, ma la pazienza e l'umiltà durature. Consegnando in gran parte i regni filosofici al pubblico, Tarkovsky lascia così tanto spazio agli spettatori per scoprire da soli le molteplici sfaccettature metafisiche del film, che anche la sua impareggiabile poesia letterale e visiva sembra tanto un'invenzione della nostra fabbricazione quanto la sua e dei suoi collaboratori.

6. Apocalypse Now (1979)

Un film di guerra potrebbe sembrare una scelta improbabile. Ma come ho detto, i grandi film rompono gli ostacoli dei loro generi. 'Apocalypse Now' è ampiamente considerato come il più grande film di guerra mai realizzato. Ma in fondo, è un film che esplora anche l'esistenzialismo. Il viaggio del capitano Willard in un oscuro villaggio della Cambogia per assassinare un enigmatico ufficiale dell'esercito rinnegato funge da metafora visiva del viaggio straziante di un essere umano nell'abisso dell'esistenza. 'Apocalypse Now' parla della ricerca di risposte di Willard. Con lui nel suo viaggio, mettiamo in discussione le moralità create da una società civile mascherata da ipocrisia e megalomania. La sua strana, misteriosa attrazione per il colonnello Kurtz culmina nella sua scoperta degli estremi della guerra che potrebbero trasformare un uomo in una bestia incivile.

5. I 400 colpi (1959)

'I 400 colpi' di François Truffaut è una vera opera d'arte che nasce dal vero dolore. Un lavoro veramente sincero e profondamente personale, Truffaut ha dedicato il film al suo padre spirituale e al teorico del cinema di fama internazionale André Bazin. Di natura distintamente autobiografica, la stessa infanzia di Truffaut è stata travagliata e questo si riflette molto distintamente nel film. All'esterno, il film parla della delinquenza giovanile e adolescenziale che è spesso guidata dalla negligenza sociale e dei genitori. Guarda un po 'più a fondo e troverai un film sulla speranza; spero che sia intenso e terapeutico. Antoine Doinel, il protagonista, è in qualche modo una cruda rappresentazione della società stessa, una società che nasconde i propri fallimenti dietro regole, punizioni e giudizi. Il film scorre come un fiume e accompagna il pubblico in un viaggio di speranza, disperazione, empatia e persino pura rabbia. Se hai mai voluto vedere che aspetto ha un capolavoro, non guardare oltre 'The 400 Blows'.

4. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' è ciò a cui aspira ogni regista che vuole raccontare una storia significativa. Ovviamente, tutti falliscono! Non c'è esempio migliore di un film che rende una storia epica in modo così semplice ma magistrale, efficace e indimenticabile. Con 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu ha realizzato qualcosa che è il sogno di ogni regista vivente: risiedere per sempre nel cuore e nella mente del pubblico. Chiunque abbia visto 'Tokyo Story' saprà di cosa sto parlando. Il film racconta la storia di un'anziana coppia tradizionale giapponese che visita i propri figli a Tokyo solo per arrivare alla dura consapevolezza che i loro figli sono troppo impegnati con le loro vite per prendersi cura di loro e sono diventati immensamente distanti da loro, culturalmente ed emotivamente . Ciò che è anche così grande del film è il suo tema universale a cui chiunque, ovunque può relazionarsi. Lo stile di regia di Ozu assicura anche che tu sia assorbito da una storia che offre intuizioni profonde sul cambiamento della psiche umana con i tempi che cambiano. Semplicemente geniale!

2. 2001: Odissea nello spazio (1968)

Il genio di '2001: Odissea nello spazio' sta nel fatto che il viaggio spirituale che ci porta con sé non aderisce al teismo o all'agnosticismo o qualcosa in particolare - spetta totalmente al pubblico su come vuole interpretare il film. Ciò va dalla credenza di un teista nell'esistenza di un Dio amorevole e sempre così gentile al cinismo di un agnostico, alla deprimente inutilità della vita che un nichilista potrebbe scegliere. Tuttavia, per lo meno, Kubrick stabilisce quanto siamo insignificanti e quanto piccoli siano i nostri cosiddetti progressi tecnologici! Abbiamo anni luce per andare avanti prima di ottenere le risposte a una qualsiasi delle domande esistenziali che sorgono nella nostra mente.

3. L'albero della vita (2011)

Terrence Malick non mette mai in dubbio l'esistenza di Dio in 'The Tree of Life'. Tuttavia, il suo vero senso di meraviglia non nasce da questo; piuttosto si rallegra della magia che la vita stessa è. In un'epoca in cui Dio è diventato un mezzo per dimostrare la superiorità e una scusa per nuocere e persino uccidere, 'L'albero della vita' presenta un modo bello ma ragionevole di guardare a Dio. Alla fine, 'The Tree of Life' è una poesia cinematografica di straordinaria portata e ambizione. Non chiede solo al suo pubblico di osservare, ma anche di riflettere e sentire. Nella sua forma più semplice, 'The Tree of Life' è una storia del viaggio per trovare se stessi. Nella sua forma più complessa, è una meditazione sulla vita umana e sul nostro posto nel grande schema delle cose. Alla fine, 'The Tree of Life' potrebbe cambiare il modo in cui guardi alla vita - ha cambiato me.

2. Jeanne Dielman, 23 anni, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Questo lungometraggio d'avanguardia francese con Delphine Seyrig nel ruolo del protagonista non è una semplice esperienza cinematografica. È più vicino a un esercizio, un test, e ti influenza in modi che pochi altri film hanno fatto prima o dopo. Il pezzo indipendente si concentra su tre giorni nella vita di una casalinga solitaria e travagliata, mentre attraversa il suo rigido programma pieno di faccende domestiche banali. È una madre e una vedova che la sera fa sesso per gentiluomini per guadagnarsi da vivere. I problemi sorgono quando, il secondo giorno, la sua routine viene leggermente disturbata, portando ad una sorta di effetto domino che si riflette nelle ore successive. Jeanne Dielman attira uno nel suo mondo lento e meditativo con la distintiva firma registica di Akerman, che coinvolge l'atmosfera diegetica e un'aura ipnotica portata dalla personalità calma, sottile e paziente del capolavoro, che è una dolorosa celebrazione della monotonia dell'esistenza.

1. At Random Balthazar (1966)

Il desolato capolavoro di Robert Bresson è un esercizio di sentimenti. Si allontana dalla definizione di un protagonista chiaro o di un tema centrale a meno che non si conti la forza miracolosa della natura che è Balthazar e se si assume il valore nominale del film, non lo si fa. Ma se gli permetti di essere il tuo punto di accesso al panorama emotivo e tematico del film, è difficile uscirne senza ricompensa. Lo stile visivo peculiare, snello e alla moda di Balthazar sembra quasi affascinante a posteriori; la sua placida fragilità avvolta in un rassegnato, singolarmente saggio senso di controllo. Anche la sua palpabile onestà cela uno sforzo studiato per trattenersi un po ', per nutrire nella sua semplicità di ambientazione e di carattere una ricchezza lasciata al pubblico da scoprire e in alcuni casi mozzafiato, immaginare. Assegnare un significato a ogni momento in 'Balthazar' non dipende dal fatto che assumiamo che i suoi contenuti siano allegorie di natura sociale o addirittura politica, ma dal modo in cui ci rendono sentire apprezzando la loro complessità e tranquillità, invece di fare affidamento sull'esposizione insensata a cui ricorre la maggior parte dei film. Ha perfettamente senso, quindi, che il protagonista sia l'omonimo asino.